Что такое аранжировка и в чём её важность?
В музыкальном мире термин «аранжировка» имеет несколько значений.
Во-первых, аранжировка представляет собой изменения в темпах, ритме или размере музыкального произведения. Она может менять его стилевую окраску, тембры, а в некоторых случаях изменения касаются и даже самой авторской мелодии.
Процесс аранжировки может зайти настолько далеко, что первоначальная музыкальная основа будет кардинально изменена. Однако даже в этом случае оригинальное произведение, созданное композитором, сохраняет некий образ, отпечаток, мысль, что-то присущее только ему. В этом значении аранжировка – это переработка уже готовой работы.
Во-вторых, процесс аранжировки может быть созвучен работе композитора. В этом случае при наличии одной линии солирующего инструмента или вокала сочиняются партии для остальных инструментов. Ведь с самого начала в музыкальном произведении присутствуют только мелодия и гармония, а в процессе аранжировки эта мысль обретает форму.
И, в-третьих, под аранжировкой очень часто понимают то, что получилось в результате описанных выше процессов.
Многие музыканты не осознают важность аранжировки. Они не понимают, что аранжировка настолько же важный элемент работы над музыкальным произведением, как и композиция. От качества аранжировки зависит практически все звучание произведения.
Для качественной аранжировки недостаточно просто придумать партии для разных инструментов, нужно еще и выбрать эти инструменты, правильно расположить партии по тесситуре, найти нужное сочетание тембров и правильную насыщенность звучания всей композиции.
Кроме всего прочего, именно аранжировка определяет общее звучание группы или отдельного исполнителя. Все корифеи сцены имеют свой звук, в основе которого лежат определенные приемы аранжировки, которые формируют уникальный музыкальный почерк исполнителя.
Первоначально песня, зародившаяся в уме композитора, имеет вид фортепьянной партии или порой даже просто напетого мотива.
Аранжировка же способна выгодно выделить ее среди массы похожих, подарить ей какую-то изюминку, фишку. Правильно подобранные тембры и стилистические ходы могут помочь достучаться до сердец именно той аудитории, на которую и была рассчитана песня.
Музыка в процессе аранжировки становится более многогранной и приобретает свое настроение, которое потом обязательно передастся слушателю. Работая со звуком, ритмом, темпом и гармонией можно красиво воплотить в жизнь идею, сделать ее более доступной и понятной аудитории.
Успех того или иного музыкального произведения зависит от аранжировки иной раз больше чем от самой музыки. Часто песня стает хитом и приобретает всенародную любовь именно благодаря интересной аранжировке, которая во многом определяет коммерческий успех музыкальной композиции.
Даже самая непритязательная мелодия в результате грамотной аранжировки может засверкать новыми красками, приобрести новые грани и получить новую жизнь. А красивую и законченную композицию она способна вознести на еще высший уровень и сделать ее еще более привлекательной для слушателя и востребованной на музыкальном рынке.
Вот, что такое аранжировка и в чём её важность.
______________________
Автор: Ирина Кипаренко
При копировании материала ссылка на сайт www.as-workshop.ru обязательна!
Как начать писать музыку: аранжировка
Что такое аранжировка?
Фото: rawpixel.com
Слово «аранжировка» происходит от французского «arranger» и означает «приводить в порядок». Собственно, именно этим и занимается аранжировщик — приводит трек в порядок, изменяя оригинальную композицию.
Нужна аранжировка для того, чтобы часто из совсем «сырых» идей сделать полноценную композицию, придать нужную форму, сделать наиболее красивую гармонизацию мелодий.
Профессиональные аранжировщики — это не просто хорошие музыканты со знанием теории. Они также должны быть неплохими композиторами и звукорежиссерами, чтобы умело работать с тембрами и обработкой. У них должен быть хороший вкус и понимание, какие инструменты должны звучать дальше или ближе по планам, на каком такте должны подключать медные духовые или ударные и так далее.
Какая разница между аранжировкой и оркестровкой?
Фото: NeONBRAND
Если аранжировка, — это искусство работы с существующим музыкальным произведением, адаптируя его к исполнению в определенном жанре или составке, то оркестровку можно назвать своего рода ответвлением аранжировки. Аранжировка бывает нескольких видов.
- Транскрипция — самый простой вид аранжировки. Берется обычная мелодическая партитура и перекладывается на несколько инструментов с несколькими изменениями или же без них вовсе.
- Адаптация — более свободная форма аранжировки, позволяющая добавлять новые текстуры и мелодии, исходя из творческого замысла.
- Сокращение — этот подход используется, когда, например, композицию для оркестра нужно испольнить в более камерном составе, например на одном или двух фортепиано. Сокращение часто используется композиторами на репетициях, когда физически невозможно всегда вызывать целый оркестр.
- Расширение — совершенно противоположный сокращению вид аранжировки. Именно этим и занимается оркестровка: простая партитура, например, для клавишных, превращается в масштабное оркестровое произведение.
Существует намного больше видов аранжировок, однако это основные. Важно отметить, что термин «аранжировка» сейчас в основном применяют для эстрадной музыки, а слово «оркестровка» — для академических произведений и киномузыки.
Конечно, эти условности довольно размыты на практике, однако ,чтобы не путаться самому, стоит понимать, какая разница между этими словами на самом деле.Как сделать аранжировку для композиции?
С точки зрения звукорежиссуры нужно более-менее равномерно заполнить весь частотный спектр. Для этого надо умело обращаться с инструментами, чтобы не допускать частотных конфликтов. Вместо очередной партии для фортепиано, например, попробуйте использовать контрабас, если партитура выполняет функцию ритм-секции.
Фото: rawpixel.com
Пусть пример этот довольно «прямой», однако, уверен, понятный. Поэтому вам необходимо хорошо знать диапазоны музыкальных инструментов, для которых вы планируете писать. Сейчас вам необязательно иметь их дома, достаточно найти информацию в интернете, а благодаря библиотекам сэмплов можно даже на них поиграть, выбрав нужные тембры и модели инструментов прямо на примере ваших партитур.
Обычно выделяют всего пару компонентов, необходимых для полноценной композиции: это мелодия и аккомпанемент. Если представить стандартную картину художника-мариниста, то корабль будет мелодией, а фон — аккомпанементом. Аккомпанемент сопровождает мелодию по ходу композиции. Он бывает ритмическим и гармоническим.
Если говорить более подробно, то есть мелодическая линия, ритм-секция и аккомпанемент. Мелодическую линию может вести вокал или солирующий инструмент, за ритм-секцию обычно отвечают ударные и бас, а аккомпанементом становятся фоновые инструменты вроде пэдов или гитар, которые ведут гармонию, играя аккордовую последовательность.
Фото: Wooozxh
Прошу заметить, что это все-таки довольно условно, так как где-то и барабаны могут сыграть мелодию, а где-то и голос выполнить ритмическую функцию.
Чтобы понять, как это издавна работает в составе симфонического оркестра, обратимся к книге Шамриной Е.А. «Инструментоведение»:
«Смычковые инструменты использовались универсально, во всех фактурных функциях.
На них легла основная нагрузка. Они стали носителями самой разной выразительности — и мелодической певучести, и моторности, и динамичности; струнные излагали основные темы и принимали деятельное участие в их разработке. Деревянные инструменты использовались в дополнение к струнным, у них могла звучать и мелодия, и гармония — в удвоении струнных, в диалоге с ними. Медные инструменты выполняли преимущественно роль гармонических, ритмических голосов, активно использовалась их динамическая мощь. Ударные, естественно, подчеркивали гармонические басы и ритм (в партитуре даже не выписывалась партия литавр, а литаврист играл по партии трубы). Литавры использовались для усиления мощи звучания в tutti, а также как инструмент, наделенный характерной окраской (к примеру, для изображения раскатов грома). Практически каждая из оркестровых групп охватывала весь диапазон звуков, воспринимаемых человеческим ухом».
Искусство аранжировки — очень интересно и полезно для композиторов. Зная, какую функцию выполняет каждый из инструментов, можно смело планировать форму вашей композиции, не боясь утратить мелодию или потерять гармонический аккомпанемент.
Обложка: Tom Pottiger
10 коротких советов начинающим музыкантам о работе с аранжировкой — SAMESOUND
Работа над аранжировкой — не менее важный процесс, чем написание самой музыки. Правильное наполнение песни элементами способно превратить обычные музыкальные зарисовки в настоящие хиты, в то время как плохие аранжировки могут убить даже самые лучшие идеи. SAMESOUND.RU дает несколько советов о работе над аранжировкой, которые помогут принять правильные решения, разнообразить текущие проекты и попросту заставят задуматься.
Учись у профессионалов
Боб РокПослушайте свои любимые треки и подумайте, что придает их аранжировке тот самый шарм. Когда список фаворитов кончится, послушайте что-нибудь совершенно другое. Главное здесь не загонять себя в рамки одного стиля. Чем больше разной музыки вы слушаете, тем легче работать с аранжировкой: в любой момент времени этот багаж знаний подскажет, что можно добавить в текущий проект.
Будь самокритичен
Бывают случаи, когда мы добавляем в аранжировку какой-то новый элемент и испытываем невероятный эмоциональный подъем от этого, представляя как все удивляются нашей гениальности. В такие моменты полезно сделать пару шагов назад и проанализировать уже проделанную работу. Скорее всего новшества портят аранжировку.
Когда нам кажется, что какой-то элемент обязательно нужен треку, важна трезвость ума и отсутствие самолюбия. Реально оцените пользу от последних изменений и без зазрений совести выбросьте все лишнее. Да, идея была крутая, но не для этой песни.
При работе с аранжировкой иногда лучше не усердствовать с необычными ходами, а сделать что-то предсказуемое. Пусть в куплет играет только бас и ударные, а в припеве вступают все инструменты — люди ждут такого развития событий. Порой разочарование от неоправданных ожиданий может сильно испортить впечатление от песни, какой бы классной она не была. Применяя нестандартные решения, нужно быть уверенным, что они найдут отклик у слушателя.
Изучай музыкальную теорию
Несмотря на то, что SAMESOUND.RU ориентирован, в первую очередь, на музыкантов-любителей, наличие хотя бы базовых знаний музыкальной теории не повредит. С их помощью работа над аранжировкой станет проще: вы будете быстрее находить все лишнее и принимать правильные композиторские решения.
Знание музыкальной теории еще никому не навредило. К слову, с ней неплохо знакомы Джеймс Хэтфилд и Фли, но от этих знаний музыка Metallica и Red Hot Chili Peppers точно не стала хуже.
Дай вокалу больше самостоятельности
Вокал — это очень важная часть всего трека. Почему бы не сконцентрировать на нем больше внимания? Попробуйте начать или закончить песню только с помощью вокала. Создайте вокальные островки, в которых все инструменты затихают, оставляя пространство голосу. Зачастую такие ходы производят очень мощный эффект на слушателя, поэтому вокалу стоит давать больше самостоятельности.
Используй пространство с умом
Панограмма, демонстрирующая использование пространства в миксе трека Эми Уайнхаус «You Know I’m No Good»Оставьте больше свободного пространства в аранжировке, особенно в куплетах.
Нагружать аранжировку нет никакого смысла — слушатели быстро устанут и потеряют интерес к треку, если он свалит на них сразу все инструменты. Послушайте коммерческие записи и посмотрите, как к наполнению куплетов и припевов подходят профессионалы.
В куплетах лучше оставить ударные, бас и вокал. Когда после куплетного затишья в припеве в аранжировку включатся все инструменты, то это произведет на слушателя намного больший эффект, чем постоянный и не изменяющийся пласт звука.
Каждый инструмент должен занять свое место в аранжировке. Не допускайте, чтобы мелодия сталкивалась с аккомпанементом — музыка должна оставаться музыкой, а не превращаться в какофонию.
Постарайся не допустить, чтобы мелодия столкнулась лбом с аккомпанементом, ведь в таком случае все твои задумки превратятся в прах, а музыка станет нагромождением звуков. У тебя есть мелодия и вокальная партия — дай им свое место в композиции. Гитара или синтезатор, играющий похожую мелодию — это хорошо, но пусть и они останутся на своих местах.
Удели особое внимание вступлению
Жестокая правда современной музыки: большинство слушателей оценивает песни именно по вступлению. Если в первые пять-десять секунд песня не зацепила человека, то скорее всего он не станет слушать песню до конца.
Создание аранжировки подразумевает работу над всеми ее частями, но особое внимание нужно уделить вступлению. Интро — это не просто бит или какой-то рифф, это важная часть, которая должна зацепить слушателя и заставить его послушать песню до конца.
Проблема в том, что здесь нет и не может быть каких-то рецептов успеха. Ищите нестандартные варианты, слушайте разную музыку (мы советовали это в самом начале), ищите подходящие своим песням ходы. Интро может быть коротким или длинным, насыщенным или минималистичным, но главное — цепляющим.
Разнообразь припев
Даже если у вас есть отличный приставучий хук или стопроцентно цепляющий какими-то элементами припев, не надо использовать их постоянно. У каждого трека должна быть своя фишка, но ее постоянное повторение быстро наскучит слушателю.
Создание аранжировки подразумевает разнообразие, но речь не о том, чтобы сделать куплет в стиле диско, а припев в духе акустического техно. Меняйте партии, экспериментируйте с динамикой звука, перетасовывайте текст в рамках одной части песни. Аранжировка — это способ провести слушателя через рассказываемую песней историю, поэтому сделайте все, чтобы это путешествие было максимально интересным и необычным.
Используй необычные инструменты
Если вы чувствуете усталость от однотипных звуков в своей музыке, попробуйте разнообразить аранжировки необычными звуками. Если вы играете метал, добавьте в свои треки аккордеон. Пишете легкий поп? Задумайтесь о духовых инструментах.
Искать в своем городе владельцев необычных музыкальных инструментов не нужно. Воспользуйтесь электронными музыкальными инструментами, скачайте какие-нибудь виртуальные библиотеки, познакомьтесь с сэмплами. Если звучание существующих инструментов не понравится, создайте собственные звуки — именно так поступили музыканты «Океан Ельзи» при написании аранжировки песни «Я так хочу», в которой привычный бит дополнен схожим ритмом, сыгранным с помощью ударов CD-дисков.
Слои
Простейший способ сделать свои миксы жирнее и толще — это использовать несколько разных инструментов, играющих одну и ту же партию с различными интересными вариациями.
Пространственные подложки с невероятным сустейном не привлекают внимания слушателей, но обогащают музыку ощущением атмосферы. Если ваши треки звучат слишком сухо, добавьте пэды и поместите их вглубь микса.
Создание аранжировки подразумевает наличие в музыке идеального баланса между инструментальным наполнением и ясностью самого микса.
Тем не менее всегда помните, в каких регистрах звучат инструменты. Если все участники аранжировки сойдутся в одном регистре, то музыка будет звучать ужасно. Следите за тем, кто и в каком регистре живет и разделяйте партии между собой: если фортепиано играет очень высоко, то партию гитары нужно опустить ниже — инструменты не должны мешать друг другу.
То же касается и тембра. Нет смысла нагружать аранжировку 10 фортепиано и 6 гитарами.
Даже если они будут играть разные партии, их тембральная близость приведет к образованию каши, которую не вычистить эквалайзером. Ограничьтесь 2 гитарами, синтезатором и фортепиано, определитесь, какие партии они играют и грамотно расположите инструменты на панораме. Руководствуйтесь правилом «меньше — лучше».
Повнимательнее с ритмом
Работа с ритмом требует вдумчивого подхода. Иногда инструменты стоит свести к одному ритмическому рисунку, иногда, наоборот, дать им волю играть в разных ритмах. Главное, что нужно помнить: разные или одинаковые ритмы не должны портить общей картины аранжировки.
Одинаковый ритм может сделать песню скучной. При работе с разными ритмами можно слишком усложнить восприятие музыки слушателем. Ищите баланс, но не заостряйте особое внимание на этом моменте: ритм должен лишь дополнять общую картину, но не перетягивать одеяло целиком на себя.
Список для чтенияИзбранноеКомпиляция
Слово аранжировка походит от французского слова «arranger» – что означает приводить в порядок, устраивать. О каком порядке и устройстве идет речь? Здесь подразумевается такая организация всех партий композиции, из которой складывается её стиль и своеобразное звучание. Аранжировка определяет то, как будет звучать песня и музыка в целом. Аранжировщик имеет право изменять форму, гармонию, ритмику и стиль музыки, что неприемлемо в вопросах инструментовки. В конечном итоге, музыкальное произведение представляется в совершенно новой форме, которая отлична от первоначальной. Например, «В лесу родилась елочка» в нашей культуре никогда не исполняется, как свинг, но это не значит, что её не можно свинговать, и если аранжировщик сделает её таковой, вот вам новое изложение детской песни. Более того, если он за основу возьмет форму традиционного джаза, то она прозвучит следующим образом: сначала будет сыграна тема, а затем в обязательном порядке импровизация на неё, после – опять возврат к теме. Хороший аранжировщик должен хорошо чувствовать форму самого произведения, какое придумать вступление, какую коду, где будет кульминация, как развивать музыку, какие инструменты использовать для этого, какую ритмику взять за основу, какой стиль получится в конечном итоге. Поэтому с уверенностью можно сказать, что аранжировщик и композитор – очень близкие понятия, хотя это не одно и тоже. Аранжировщик может легко и непринужденно работать с существующей темой и гармонией и не всегда может написать, придумать «с нуля» удивительную мелодию, гармонично дополняющую текст или раскрывающую идею композиции. На мой взгляд, одним из важных критериев хорошей аранжировки есть ощущение развития в музыке, правильная стилистика и тембральное сочетание инструментов. Все это, несомненно, относится к компьютерным аранжировщикам, так как наличие массы семплов и инструментов в композиции ещё не означает, что она будет звучать. Если нет идеи, если нет проникновения в саму форму и, в конечном итоге, образа создаваемой музыки – нет самой музыки и её настроения. Что касается стилей, сегодня их в музыке столько, что, наверное, сложно быть специалистом во всех сразу. Наверное, сложно представить аранжировку Константина Меладзе или музыку Крутого в стиле хип-хоп. Или, наоборот, музыку Бэнсона в стиле нашей попсы. Но речь сейчас не о них. Что делать, если вам, все же, приходится садиться и писать ту музыку, какой вы не знаете (такой заказ). Если заказчик серьезный и требования такие же, а для вас музыка, например, регги – это темный лес и в такой аранжировке ни разу «кот не валялся», скорее всего нужно отказаться от такой работы. Или взвесить все «за и против», чтобы принять серьезное решение, как вы будете решать такую задачу. Сможете ли вы написать то, что раньше не писали? Решать вам. Но в любом случае, программа Band-and-Box может сослужить неплохую службу, ведь в ней имеются тысячи готовых шаблонов музыки разных стилей, которые можно сохранить в формате midi и затем успешно импортировать в любой миди редактор.  Вы можете, опираясь на уже готовый шаблон выбранного стиля, создать свою гармоническую сетку, и таким образом создать костяк, готовый шаблон своей будущей аранжировки. При этом в основе будет заложен правильный стиль с характерными: басовыми ходами, партией барабанов, звучанием ритм секции. А что потом? А потом, конечно, надо включать мозги, свой опыт, это по любому – и дорабатывать свою заготовку. Слушайте музыку выбранного вами стиля, анализируйте, творите и редактируйте свой проект. Самое главное – стилистическая основа у вас есть. Как это все делать, от начала до конца, как создать – узнайте из курса Романа Борнысова.
Все, от создания заготовки в программе Band-and-Box до её редактирования в программе Cubase 5 – в этом учебном материале. Следует заметить, что вы познакомитесь не только с основами работы в Band-and-Box, но и с основами работы в замечательном редакторе Cubase SX 5.
|
Так, просто набор партий.
|
|
ru
Мы напишем аранжировку песни,
минус, сочиним музыку. Можно заказать партитуру, минус, написать инструментовку,
партитуру и минусовку недорого. Мы сделаем для вас аранжировку песни, напишем
минус, фонограмму, музыку на слова авторской песни, инструментовку, партитуру,
так же сделаем сведение, мастеринг, напишем танец, музыку для театра. Напишем
недорого и качественно партитуру, клавир, сочиним песню и качественно напишем
любой минус.
..3) В эстрадной музыке — гармонизация и инструментовка новой
или хорошо известной мелодии…4) В джазе- способ закрепления общего замысла
ансамблевой и оркестровой интерпретации и главный 
Все 
Зачастую
мелодия попадается не развитая, не варьированная. Аранжировщик должен уметь
средствами аранжировки развить данную тему в самостоятельное произведение.
Необходимо сочинить вступление, связки, коду, а иной раз — целый мелодический
отрезок. То есть владеть композиторской техникой, горизонтально-полифоническим
мышлением, уметь сочинить рифф, контрапункт, соотносить контрапунктические линии
друг с другом. Все это требует творческой фантазии, гармонической продуманности.
Условия создания и использования аранжировок, обработок, ремиксов и кавер версий композиций других авторов
В сегодняшней публикации мы хотим поднять тему, которая будет интересна и полезна всем авторам, композиторам и исполнителям музыкальных композиций.
Чтобы получить максимально развернутый и юридически грамотный ответ, мы обратились к юристу музыкального портала ExpertMusic за разъяснениями,как автору действовать, чтобы не нарушить закон при создании своих музыкальных композиций.ЧТО ИЗ СЕБЯ ПРЕДСТАВЛЯЮТ ОБРАБОТКИ, АРАНЖИРОВКИ И РЕМИКСЫ. ОСНОВНЫЕ ПОНЯТИЯ, ТЕРМИНОЛОГИЯ.
Для начала, чтобы детально разобраться в данной теме, рассмотрим основные понятия, о которых пойдет речь.
Обработка в музыке, всякое видоизменение оригинального нотного текста музыкального произведения, преследующее определённые цели, например приспособление его для исполнения любителями музыки, не обладающими высокой техникой, использования в учебно-педагогической практике, исполнения др. составом инструментов.
В прошлом в Западной Европе была распространена полифоническая обработка напевов григорианского хорала, служившая до 16 в. основой всей многоголосной музыки. В 19-20 вв. большое значение приобрела обработка народных мелодий, которая чаще называет их гармонизацией.
Обработку народных мелодий осуществляли многие известные композиторы.
Аранжировка (от фр. arranger — «приводить в порядок, устраивать») — искусство подготовки и адаптации музыкального произведения для представления его в форме, отличной от первоначальной. Аранжировка допускает применение различных способов развития первоначального материала — изменение гармонии, применение транспозиции и модуляций, добавление нового материала, вступления, заключения и так далее.
Одним из видов аранжировки является переложение музыкальной пьесы из одного рода исполнения в другой (например, скрипичную или оркестровую партию для голоса, рояля и наоборот). Аранжировкой также называется облегчённая версия оригинального произведения для того же самого инструмента.
Ремиикс (англ. remix) — версия музыкального произведения, записанная позже оригинальной версии, как правило, в более современном варианте аранжировки.
Иногда создается путём «перемешивания» нескольких частей исходной композиции, наложения на неё различных звуков, спецэффектов, изменения темпа, тональности и т. п. Частными случаями ремикса являются: ремикширование, мегамикс (компиляция нескольких музыкальных произведений).
Кавер веерсия (от англ. cover — покрывать) — авторская музыкальная композиция (часто известная) в исполнении другого музыканта или коллектива. Исполнение кавер версии может содержать элементы оригинальной музыкальной композиции, на которую накладываются элементы новой музыкальной аранжировки.
Аранжировка как фактор композиции в джазе Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»
Ю. Кинус
АРАНЖИРОВКА КАК ФАКТОР КОМПОЗИЦИИ В ДЖАЗЕ
Когда хотят подчеркнуть специфику джа зовой музыки, в первую очередь отмеча ют ее импровизационный характер.
Считают, что именно спонтанность создания музыкальных образов в процессе импровизации радикально отличает джаз от, по терминологии В. Ко-нен, профессионального композиторского творчества европейской традиции [1, 27], в основе которого лежит композиция. Отсюда нередко делается вывод о том, что джаз — вид музыкального искусства, в котором элемент композиции либо совсем отсутствует, либо не имеет существенного значения. Это утверждение не всегда верно даже для малых джазовых ансамблей, тем более оно ошибочно в отношении более крупных групп и большого джазового оркестра — биг-бэнда. Поэтому не случайно доктор Маршалл Стернс, известный американский исследователь джаза, в своем капитальном труде «The Story of Jazz» [2] определяет его как музыку полуимпровизационную, отводя немаловажную роль композиции.
Общеизвестное понимание термина «композиция» неоднозначно. Оно включает в себя, во-первых, сам процесс сочинения музыки. То есть является видом художественного творчества, требующим творческой одаренности и определенной степени технической подготовки, а именно: знания основных закономерностей построения музыкальных произведений, сложившихся в ходе исторического развития музыкального искусства.
Во-вторых, композиция — это структура музыкального произведения, его музыкальная форма. И, наконец, оно означает (в отличие от импровизации) разработанное и зафиксированное в нотной записи музыкальное произведение в виде конечного продукта многоступенчатого творческого процесса, выполненного инициатором-композитором, которое приводится в звучание посредством исполнителя. Композиция как оригинальное музыкальное произведение — результат творческого акта композитора, итог развития его музыкальной идеи, художественного вдохновения и профессиональной работы на основе знаний о мелодии, гармонии и форме, техники композиционного письма, инструментовки и т. д. Она может воспроизводиться по
нотам неограниченное количество раз соответственно исполнительскому уровню предполагаемых музыкантов.
Понятие композиции как законченного художественного целого сложилось не сразу. Его становление тесно связано с уменьшением роли импровизационного начала в музыкальном искусстве и с совершенствованием нотной записи, на определенном этапе развития сделавшей возможной точную в наиболее существенных чертах письменную фиксацию музыки.
Такое содержание понятия «композиция» вытекает из эволюции профессиональной музыки европейской традиции и не может быть безоговорочно перенесено на джаз. В нем фактическое произведение, фиксируемое композитором, как, например, фортепианные рэгтаймы1 Скотта Джоплина, скорее составляет исключение. В основе джазовой композиции зачастую лежит предварительное обсуждение темы (гармонизованного мелодического эскиза 32-тактовой простой двухчастной реприз-ной формы ААВА в стандартах и балладах, 12-тактовой блюзовой формы)2 или общего плана обработки. Создание законченного вида входит в обязанности аранжировщика. В других случаях в качестве импровизационной основы целостной композиции используют только тему. Понятие «композиция» в джазе чаще всего даже находится в противоречии с традиционным значением данного термина, который возник в результате разграничения с импровизацией. Именно поэтому импровизацию сознательно определяют также как «импровизационную композицию», учитывая при этом, что даже известные музыканты в своих сочинениях часто прибегают к уже апробированным оборотам.
Тем самым одновременно подчеркивается большая доля индивидуального исполнения как композиционного компонента. Поэтому в качестве композиции в джазе, по аналогии с содержанием этого понятия в профессиональной музыке ев-
1 Рэгтайм (англ. ragtime) — способ игры на фортепиано, имитировавший звучание банджо и в 90-х годах XIX века развившийся как инструментальная форма.
2 Тема (англ. theme) — мелодия с гармоническим сопровожде-
нием и определенным числом тактов, лежащая в основе аранжировки или импровизации.
ропейской традиции, следует понимать единство музыкального замысла, аранжировки, импровизации и исполнения, независимо от того, участвует в этом творческом процессе один исполнитель, группа исполнителей или он перераспределен между функционально дифференцированными профессионалами.
Таким образом, основу джазовой композиции, как правило, составляет тесное взаимодействие импровизации и аранжировки. В отличие от композиции в профессиональной музыке европейской традиции здесь оттеняется та ее сторона, которая не выписывается и отдается на усмотрение солиста-импровизатора. Джазовая композиция может быть сочинена для «анонимного» состава, как в профессиональной музыке европейской традиции, или написана для конкретного коллектива, как при аранжировке.
Социальная изолированность афро-американской традиции и эстетическая специфика джаза привели к тому, что произведения джазовых композиторов не включаются в контекст истории музыки XX века, если они каким-либо образом не были втянуты в орбиту академической концертной жизни. По этой причине развитие композиционного джаза осталось совершенно незамеченным исследователями. Между тем начала джазовой композиции уже просматриваются в сочинениях для фортепиано, которые назывались «рэгами» или рэгтаймами.
Танцевальные пьесы, последовавшие за ними, такие, как фокстрот и слоу-фокс, уже оркестровались и включали в себя, как правило, verse (строфу, запев) и chorus (припев, рефрен)3. Зачастую они были удобны для джазового музицирования и становились джазовыми шлягерами, потому что как по мелодии, так и по гармоническому строению могли служить музыкантам основой для импровизации.
Уже в середине 20-х годов XX века джаз встал на путь поисков в сфере большой композиции. Первыми здесь были Д. Эллингтон и легендарный корнетист Б. Байдербек, мечтавший о «джазовой симфонии». Остались неисполненными несколько симфонических партитур Дж. П. Джонсона, выдающегося пианиста и аккомпаниатора знаменитой блюзовой певицы Бесси Смит.
Как и в профессиональной музыке европейской традиции, развитие композиции в джазе шло пу-
3 Английский термин «chorus» означает также составную часть формы джазовой музыки.
Корус по продолжительности равен теме и основывается на ее гармонической схеме. В отечественном джазе в этом значении часто используется термин «квадрат» (square).
тем постепенного ограничения исполнительских свобод и формирования собственной традиции интерпретации написанной музыки. Если в оркестре К. Бэйси музыканты приступали к исполнению, имея перед собой всего 12-16 тактов выписанной темы, то Д. Эллингтон постепенно свел к минимуму сочинение музыки непосредственно в процессе исполнения.
Многие темы традиционного джаза4 составили также основу для многих композиций модерн-джаза5. Им были заимствованы старые, отчасти известные по мюзиклам, произведения, но только здесь они приобрели подлинно джазовое звучание, так как их мелодическое строение больше отвечало современному джазу, нежели традиционному. На гармоническом остове некоторых старых произведений возникли новые темы. Например, «эвергрин»6 20-х годов XX века Дж.
Шенбергера «Whispering» стал исполняться Д. Гиллеспи как «Groovin’ High». Существует даже грамзапись, на которой обе мелодии звучат одновременно. Еще более старая «Indiana» Дж. Ф. Хэнли транс-формировалась в композицию Ч. Паркера «Donna Lee». Перечень подобных примеров можно было бы продолжить.
Мелодии многочисленных композиций современного джаза отступают от песенного, периодического членения. Они состоят большей частью из последовательностей ровных восьмых, представляющих собой нотную фиксацию ранее исполненной импровизации. Обычно они включают в себя только корус, то есть без verse.
Более сложные по языку и технике письма, ориентирующиеся на музыку П. Хиндемита, Б. Бар-тока, Д. Мийо, И. Стравинского и А. Шенберга, аранжировки прогрессив-джаза7 вели к джазовым композициям «третьего течения»8, выполненным
4 Традиционный джаз (англ.
traditional jazz) — первый период истории джаза, охватывающий временной промежуток с 186365 по 1929 годы. Включает в себя рождение джаза и архаический джаз, классический джаз, стили переходного периода.
5 Модерн-джаз (англ. modern jazz) — современный джаз, третий период истории джаза, следующий после эры свинга и охватывающий 40-50-е годы XX века.
6 «Эвергрин» (англ. evergreen) — букв. вечнозеленый; песни и отдельные номера из музыкальных обозрений, мюзиклов, оперетт и ревю, пользующиеся популярностью у джазовых музыкантов на протяжении многих лет.
7 Прогрессив-джаз, прогрессив (англ. progressive jazz, progressive) — направление в современном джазе, возникшее в середине 40-х годов XX века и характеризующееся экспериментами в области синтеза джаза и европейской композиционной техники, что нашло отражение в некоторых биг бэндах.
8 «Третье течение» (англ. third stream) — экспериментальное направление современного джаза, развившееся в середине 50-х годов XX века и представляющее собой синтез джаза и профессионального композиторского творчества европейской традиции. Привело к практике создания развернутых произведений для смешанных составов оркестров, включавших джазовых импровизаторов и академических исполнителей.
с использованием 12-тоновой техники. Однако до-декафонная техника в практике подлинного импровизационного джаза почти не встречается. Отдельные попытки ее применения у Г. Шуллера, Д. Эллиса, А. Одера, Р. Либермана и других относятся исключительно к тематическим построениям и, по существу, мало влияют на стилистику импровизационных высказываний тех джазовых музыкантов, которые принимают участие в записи таких произведений, если они, разумеется, не но-тированы полностью.
Во многих произведениях фри-джаза9 60-х годов XX века четко очерченный корус вообще отсутствует, не говоря уже о более-менее разработанной форме целого, если, конечно, только запись такой экспромтной импровизации попытаться приравнять к композиции.
Как уже говорилось выше, основу джазовой композиции составляет взаимодействие импровизации и аранжировки. Для джаза, как правило, не типична традиционная последовательность этапов реализации идеи, характерная для профессионального композиторского творчества европейской традиции:
1) автор и его представление идеального произведения;
2) нотная запись произведения;
3) исполнитель и его интерпретация музыки, готовой в своих главных параметрах;
4) слушатель, почти всегда (кроме первого исполнения) ожидающий данное конкретное произведение.
В джазе эта последовательность выглядит несколько иначе:
1) тема или какое-либо музыкальное произведение в качестве ориентировочного исходного проекта;
2) аранжировка, то есть «додумывание», оформление этой исходной основы для исполнения конкретным инструментальным составом, опять же в виде ориентировочной исходной позиции, только более высокого порядка;
3) исполнитель, более-менее творчески и удачно домысливающий композиционную основу и аранжировку, которые, однако, еще не могут рассматриваться как законченное художественное произведение;
9 Фри-джаз (англ.
free jazz) — букв. свободный джаз; направление джазового постмодернизма, возникшее на рубеже 50-60-х годов XX века.
4) слушатель, ожидающий встречи с относительно новым музыкальным объектом, даже если эта «композиция» ему знакома, и он слышал ее неоднократно.
Джаз, таким образом, как бы стирает грань между композитором-аранжировщиком и исполнителем-импровизатором. Иногда композитор «разрабатывает» произведение лишь до определенной степени, а оставшуюся часть творческого вклада, необходимого для возникновения законченного произведения, поручает аранжировщику и исполнителю.
Аранжировщик — это специалист, главным образом в джазе и популярной музыке, значение которого в последнее время растет все больше и больше, затмевая порой профессию композитора и буквально спасая то или иное произведение. Ведь искусство аранжировки основано на стремлении придать произведению наиболее выгодную форму показа, представить его в наилучшем свете в зависимости от состава исполнителей.
Тем не менее, творческая роль аранжировщиков в развитии джаза еще не оценена по достоинству и адекватно их вкладу. Начиная с 1920-х годов XX века, аранжировщики, только благодаря своей собственной эрудиции, творчески формировали и утверждали форму преподнесения джазовой музыки в самых разнообразных ансамблевых комбинациях. Несмотря на распространение в последнее время исследований и публикаций по истории джаза, импровизации и композиции, имеется существенный недостаток информации, посвященной музыкальной эволюции джазовой аранжировки. Без кропотливого процесса транскрипции аудиозаписей, то есть реа-ранжировки, нет доступа к открытиям в этой области таких плодотворных художников, как Джел-ли Ролл Мортон, Джон Несбитт, Дон Редман, Флет-чер Хендерсон, Сай Оливер, Эдди Дорэм, Бенни Картер, Дюк Эллингтон, Билли Стрэйхорн, Гил Эванс и другие. Опубликован лишь небольшой процент величайших джазовых аранжировок, а многие рукописи, отразившие поворотные моменты в истории аранжировки вообще, утеряны навсегда.
Как уже говорилось, в роли аранжировщика часто выступают сами исполнители, причем в разное время к одному и тому же материалу они подходят по-разному. Во многих случаях в джазе сам аранжировщик не является композитором и обрабатывает произведения или темы, к которым не имеет непосредственного отношения. Но существует и множество джазовых аранжиров-
щиков, которые одновременно сочиняют и, таким образом, их обработки возникают в тесной связи с генезисом собственных композиций. Аранжировщик определяет целостный музыкально-драматургический план произведения, сочиняет вступление, связующие построения и коду, изменяет гармонию и ритм темы. Он также определяет фразировку и артикуляцию, соответствующие требуемой стилистике, добавляет вспомогательные и контрапунктирующие голоса, бэкграунд10, выбирает фактуру изложения, оптимальный состав исполнителей, формирует звуковое воплощение (sound).
В результате аранжировщик играет важную, часто определяющую роль в процессе создания окончательного вида произведения. Он «вершит» композицию в смысловом значении профессиональной музыки европейской традиции.
Таким образом, аранжировка в джазе — это творческое переосмысление, обработка оригинального музыкального материала (темы или какого-либо произведения), уже существующего в виде аудиозаписи, партитуры, переложения, фортепианной партии (клавира) или даже только в виде мелодического голоса, снабженного лишь аккордовыми символами, для непредвиденного в первоисточнике конкретного, постоянного, или варьируемого, переменного, состава исполнителей. Причем не имеет значения, представлена она в нотной записи, то есть в виде партитуры с голосами, дирекционе11 или только оговорена устно. Аранжировка — творческое явление, типичное для джаза, а также развлекательной, танцевальной, вообще популярной музыки.
В качестве специального музыкального термина это слово впервые появилось в сфере развлекательной музыки примерно в конце XIX — начале XX века и означало первоначально облегченное переложение, адаптацию оригинальных симфонических и иных оркестровых пьес (маршей, увертюр, танцев, отрывков и отдельных номеров из опер, оперетт, водевилей и т.
д.) для салонных, бальных и садовых оркестров, а также инструментовку фортепианных оригиналов для тех же составов. Аранжировка (от фр. arranger — приводить в порядок, приспособлять, устраивать, прикрашивать): 1) переложение музыкального произведения для иного,
10 Бэкграунд (англ. background) — вид аккомпанемента в джазе, который исполняется инструментами мелодической или ритмической секций и создает мелодический, гармонический или ритмический фон для инструментального или вокального соло.
11 Дирекцион (англ. direction) — сокращенная партитура. То
же самое, что compressed score или short score.
сравнительно с оригиналом, состава исполнителей; 2) создание эстрадно-джазовой партитуры. Функционально аранжировка сходна с традиционной инструментовкой (оркестровкой), от которой и ведет свое начало.
С другой стороны, аранжировка -это не только чисто техническая композиционная работа и инструментовка, но и реализация определенных звуковых образов (sound) в тесной связи с фактурными приемами изложения.
Разделение на «серьезную» и «легкую» музыку, происшедшее в XIX веке, и начавшееся массовое производство, распространение и потребление последней принесли также изменение в творческий процесс как таковой. В то время как композитор понимает под композицией «цельное произведение», единство тематического замысла, разработка которого включает инструментовку (оркестровку), определенная часть авторов джазовой музыки поставляет только фортепианный эскиз (в лучшем случае дирекцион), который обрабатывается аранжировщиком на данный состав. Причина такого разделения труда кроется прежде всего в том, что то или иное произведение в джазе может исполняться в самых различных инструментальных и вокальных вариантах, и композитор не может предвидеть при реализации своего замысла все возможные исполнительские составы.
Однако единство композитора и аранжировщика существует и сегодня там, где произведение выдвигает особые требования (например, LP12 рок-группы) или в случае специального заказа (например, музыка для кино, театра). Но вместе с ростом популярности конкретного сочинения его многочисленные аранжировщики стремятся придать ему вид, порой довольно значительно отступающий от оригинала. В результате из музыкального первоисточника может возникнуть нечто новое, совершенно самостоятельное, возможно даже стилеобразующее. Возникает авторская аранжировка, которая, как и сочинение «серьезной» музыки, защищается авторским правом.
Каждый период истории джаза имеет свои характерные стилистические особенности музыкального языка, которые отражаются в аранжировке и часто даже ею определяются. В джазе аранжировка является способом закрепления общего замысла ансамблевой или оркестровой интерпретации и главным носителем стилевых качеств, вследствие чего она приобретает не меньшее значение, чем
12 LP, long play — англ.
, долгоиграющая пластинка, «гигант», «альбом» диаметром 30 см, скоростью вращения 33 1/3 об/мин и средней продолжительностью звучания 35-45 мин.
композиция в академической музыке. Основу джазовой аранжировки составляет формообразование и инструментовка. Но в отличие от собственно инструментовки аранжировка в джазе активно вторгается в музыкальный язык, предусматривает значительное развитие оригинального материала с изменением мелодики, гармонии и ритма. Кроме того, она возникает в коллективном сотрудничестве между планирующим аранжировщиком и творчески импровизирующими музыкантами. Основными причинами появления и развития джазовой аранжировки являются:
1) увеличение состава джазовых формаций, требующее упорядочения игры их участников;
2) повышение квалификации музыкантов;
3) поиск «нового звучания» (new sound) в связи с гетерогенностью звукового идеала джаза;
4) внедрение ранее нетипичных для джаза композиционных форм.
Методы, с помощью которых осуществляется джазовая аранжировка, очень отличаются от методов композиторов музыки европейской традиции. Как и при джазовом музицировании, в процессе создания джазовой аранжировки немаловажную роль также играет коллективная и сольная импровизация, как это было, например, в оркестре Дюка Эллингтона. Кроме того, джазовая аранжировка является результатом не только композиционного, но в значительной степени и импровизационного опыта самого аранжировщика.
Собственно джазовая аранжировка возникла в 20-х годах XX века вместе со сменой общего стиля развлекательной музыки и формированием основных типов оркестровых коллективов, обслуживавших новую эстрадную и танцевальную практику -симфоджаз13, биг-бэнд, комбо14 и т. д. В отличие от «аранжировки-переложения», джазовая аранжировка — это уже не переинструментовка оригинала, а новая, зачастую уникальная звуковая структура, созидаемая на основе заранее заданной темы в соответствии с определенными принципами формообразования, а также традициями и приемами исполнения, обусловленными практикой живого
13 Симфоджаз, симфонический джаз (англ.
symphony jazz): 1) музыка, основанная на европейской композиторской технике и использующая некоторые выразительные средства джаза; 2) большие составы, представляющие собой соединение биг бэн-да с камерным оркестром.
14 Комбо (англ. combo) — инструментальный джазовый ансамбль (до 9 музыкантов). Термин возник на рубеже 40-50-х годов XX века и происходит от английского слова combination (комбинация). Применяется только по отношению к ансамблям современного джаза.
джазового музицирования. От «чистой» композиции такую аранжировку порой отделяет лишь за-данность, предсуществование темы, и по своей глубинной сущности джазовая аранжировка — это по большей части всегда в той или иной мере творческая «фантазия на тему…»
Структурной моделью джазовой аранжировки является уходящая корнями в фольклор вариационно-строфическая форма, или «тема с вариациями».
Типовая аранжировка такого рода сформировалась во второй половине 10-х — начале 20-х годов XX века в новоорлеанско-чикагском15 и чикагском стилях16, начинается и завершается проведением темы всеми инструментами tutti или в любой другой инструментальной комбинации в главной тональности. Эти два проведения обрамляют форму, придают ей законченность и уравновешенность. Между ними располагаются «корусы» (chorus), или «квадраты» (square), представляющие собой мелодические, гармонические, ритмические, фактурные и другие вариации, имеющие неизменное количество тактов. Число их свободно и определяется количеством солистов-инструменталистов, их мастерством, наличием оркестровых групп, общим темпом, а в песнях также количеством куплетов и инструментальных «проигрышей». Фактура каждого отдельного коруса может быть различной и тесно связана со стилем, инструментальным составом, изобретательностью аранжировщика и всегда включает в себя три компонента:
1) ритмо-гармоническую основу, реализуемую ритм-секцией;
2) бэкграунд — фактурный фон, создаваемый аккомпанирующими инструментами;
3) соло, которое поручается вокалисту, инструменталисту или какой-либо оркестровой секции.
Конкретное содержание такой схемы определяется творческим взаимопониманием и взаимодействием замысла аранжировщика и импровизационного самовыражения джазовых музыкантов. Это находит отражение в подвижном, охватывающим весьма широкий диапазон соотношении стабильных, закрепленных в нотной записи, и мобильных, устно оговоренных, элементов партитуры, которая получает законченность только в живом (live) исполнении.
15 Новоорлеанско-чикагский стиль (англ. New Orleans Chicago style) — стиль переходного этапа традиционного джаза; является продолжением негритянского новоорлеанского стиля в Чикаго, когда этот город стал центром джазового развития.
16 Чикагский стиль (Chicago style) — белый стиль переходного этапа традиционного джаза, возникший под влиянием негритянского новоорлеанского стиля и белого диксиленда.
Наиболее ранним типом джазовой аранжировки является так называемый «head arrangement» -«аранжировка из головы», «мысленная», устная аранжировка, получившая распространение в архаическом и классическом периодах традиционного джаза.
Она создавалась импровизационно, экспромтом, наизусть, по традиции, согласно устной договоренности. Исполнители предварительно оговаривали между собой вступление, очередность частей, позже корусов, коду и т. д. Такая аранжировка — в меньшей степени гениальное изобретение, а в большей мере вынужденная необходимость, вытекающая из почти поголовной музыкальной неграмотности первых джазовых музыкантов, не имевших возможности получения основательного музыкального образования. Устной аранжировкой пользовались ансамбли Джо «Кинга» Оливера, Луиса Армстронга, Джелли Ролл Мортона и многих других музыкантов традиционного джаза. Превратившись в специфически джазовую традицию, она продолжала играть важную роль на протяжении всей истории джаза. Устная аранжировка до сих пор является основным типом аранжировки в
» 17
диксилендовой музыке17, она применялась в некоторых оркестрах периода свинга18 и получила широкое распространение в ансамблях современного джаза, превратившись в интеллектуальное удовольствие профессиональных высококвалифицированных музыкантов.
В этом смысле она составляет внутреннюю форму так называемых «джэм-
19
сэшнс», которые в различном виде проводились и существуют на протяжении всей джазовой истории. На них встречаются и вместе музицируют случайно собравшиеся музыканты. Звучащая музыка структурно взаимосвязана, благодаря их общему джазовому опыту, их знанию используемых джазовых тем или знаменитых сольных импровизаций и обычаю выстраивать исполняемое в виде вариацио нно- строфической по следо вательности. Тема, тональность, темп, количество и последовательность соло, заключительное возвращение к
17 Диксилендовая музыка — современное бытовое обозначение музыки традиционного джаза, основывающейся на коллективной импровизации; термин происходит от англ. Dixieland — фольклорного обозначения Юга США.
18 Свинг, свинговая музыка (англ.
swing, swing music) — второй период истории джаза, охватывающий вторую половину 20-х, 30-е и первую половину 40-х годов XX века; является переходным от традиционного джаза к современному.
19 Джэм-сэшн (англ. jam session) — непринужденная творчес-
кая встреча музыкантов современного джаза после работы в узком кругу коллег, во время которой они импровизируют на темы известных мелодий для собственного удовольствия.
коллективно исполняемой теме оговариваются до музицирования и регулируются во время музицирования. Особый, экстремальный тип нефиксированной в нотной записи аранжировки, исключающий всякую предварительную договоренность даже относительно таких основополагающих параметров, какими являются тема, тональность, темп, традиция и стиль исполнения, долгое время регулировавшие импровизационное исполнительство, не столь часто, но все же встречается в современном «свободном джазе». Классическим примером такой «случайной аранжировки» является альбом Орнетта Коулмена «Free Jazz», записанный в 1961 году и давший название целому новому направлению.
Из противопоставления композиторских амбиций музыкантов, имевших минимум музыкальной подготовки, ярким представителем которых был выдающийся пианист Джелли Ролл Мортон, и основанном на недостаточном знании нот пристрастии большинства музыкантов традиционного джаза к импровизации постепенно возник особый тип «полуустной аранжировки», получивший огромное распространение в практике не только малых ансамблей, но и больших оркестров. «Аранжировка-скелет» (skeleton arrangement), или «схематическая аранжировка» (scetch arrangement), — это более или менее детально выписанные мелодические эскизы или партитурные фрагменты, риффы20, куски оркестровых tutti, вступления, коды и т. д. Количество импровизационных корусов не было постоянным, поэтому оставалось достаточно места для индивидуального спонтанного творчества.
Йотированные эпизоды вступали в действие только по указанию бэнд-лидера, в связи с чем протяженность такой композиции могла меняться. Особенно удобной такая аранжировка была в тех произведениях, основу которых составлял 12-тактовый блюз. Это очень хорошо демонстрируют различные варианты грамзаписи композиции К. Бэйси и Дж. Манди «One O’Clock Jump», сделанные в 40-х годах XX века: общий план один и тот же, но количество квадратов, исполняемых импровизаторами в заданной последовательности, — разное. Другим показательным примером является исполнение
20 Рифф (англ. riff) — мелодическая техника джаза, основанная на непрерывном многократном повторении группой музыкантов или всем оркестром на протяжении импровизации солиста короткой однообразной музыкальной фразы, обычно двух- или четырехтактовой, с незначительными мелодическими изменениями.
оркестром Д. Эллингтона на Ньюпортском джаз-фестивале в 1956 году композиции «Crescendo End Diminuendo In Blue», когда тенор-саксофонист Пол Гонзалвес сыграл 27 взрывных импровизационных корусов, что заранее, естественно, не предполагалось.
Особым видом «схематической аранжировки», вероятно, можно считать «аранжировку параметров» (parameter arrangement) или «композицию параметров» (parameter composition) — новый, вдохновленный алеаторической музыкой метод аранжировки, позволивший создавать импровизационную музыку композиторскими приемами. Эта «композиционная импровизация» («Compositional Improvisation») негритянского саксофониста Э. Брэкстона имеет достаточно широкий диапазон применения. Она с одинаковым успехом может использоваться как в сольной игре, так и в ансамблевом исполнительстве. Музыкальные параметры аранжировки или композиции — это изолированные качества музыки: звуковысотность, регистр, длительность, тембр и сила звука, темп, звукоизв-лечение, артикуляция, плотность изложения, структура и т. д. Для отдельной части формы планируемого произведения выбираются определенные параметры. Очерченные таким образом характеристики дают музыкантам значительную свободу импровизации.
В «композиционной импровизации» используются самые разные способы записи: на нотной бумаге в виде соединения традиционного нотного письма и графических символов, напоминающих манеру К. Пендерецкого, или на чертежной бумаге, посредством комбинации графических символов и словесных указаний.
Дальнейшая эволюция джазовой аранжировки происходит в 20-30-х годах XX века в связи с формированием больших оркестровых составов (сим-фоджазов, биг-бэндов), развитием шоу-бизнеса, концертной практики, грамзаписи, радиовещания и киномузыки. Обычными становятся детально выписанные симфо- и эстрадно-джазовые партитуры, максимально сближающие функции аранжировщика и композитора. Аранжировка становится профессией, а сам аранжировщик из безымянного ремесленника, анонимного сотрудника ното-издательских фирм превращается в одну из ведущих фигур мира эстрадно-джазовой музыки, во многом определяющую ее стилистический облик.
Поэтому работа аранжировщика часто совмещается с сочинением музыки и руководством оркестром.
Это, например, Ф. Хендерсон, Б. Картер,
С. Оливер, Д. Эллингтон, позднее Г. Эванс, К. Джонс, Т. Джонс, Т. Акийоши, Р. Мак-Коннелл, М. Шнайдер и Д. Холлэнд. Возникает «специальная аранжировка» (special arrangement), написанная в расчете на конкретный ансамбль или оркестр с учетом индивидуальных особенностей и возможностей исполнителей. Выверенность, взвешенность звучания, взаимодействие отдельных инструментальных секций, бэкграунды, риффы, контрапункты, групповые корусы, вступления и коды — все это теперь находится в ведении аранжировщика. При всем при этом существует множество примеров, демонстрирующих, как ведущие джазовые аранжировщики постоянно вдохновлялись «своими» музыкантами, вполне сознательно используя их творческие идеи, но в то же время оставляя им достаточно свободного места для импровизации. Композиционный тип исполнения становится определяющим критерием биг-бэнда. Многие творческие находки при своем рождении определяли неповторимое тембровое звучание (sound), часто становившееся как бы «визитной карточкой» того или иного оркестра (как, например, знаменитые «стиль джунглей» Д.
Эллингтона и «кристалл корус» Г. Миллера). Однако они быстро получали всеобщее распространение, превращаясь в клише, трафарет, и приобретали рутинный оттенок.
Двумя специфическими видами специальной аранжировки, возникшими в практике свинга, являются «flagwaver» и «showcase». Flagwaver (англ. буквально «реющий флаг») — особенно экзальтированный тип бигбэндовой аранжировки, возникшей при состязаниях оркестров, так называемых «битвах» (battle), столь популярных в 30-х годах ХХ века. Ее типичными примерами являются «Battle Royal» Д. Эллингтона, «Jumpin’ at the Woodside» К. Бэйси и «Take the „A» Train» Б. Стрэйхорна, аранжированные в 1961 году для двух полных биг-бэндов и записанные на LP «First time! The Count meets the Duke». Showcase (англ. буквально «парадный случай») — бигбэндовая аранжировка, оформленная таким образом, чтобы солист (инструменталист или вокалист) был представлен в наиболее выгодном для него свете.
Новые импульсы специальная аранжировка получила с рождением прогрессив джаза во второй половине 40-х годов ХХ века, благодаря экспериментам композиторов и аранжировщиков С.
Кентона, Б. Рэйборна, П. Руголо, Б. Греттинге-ра, Б. Руссо, Дж. Граса, Дж. Роланда. В работах, кроме
гармонического усложнения и структурного расширения, варьируется также стандартный состав биг-бэнда: увеличиваются инструментальные группы, вводятся деревянные духовые, валторна, струнные смычковые, арфа, дополнительные ударные инструменты. Это позволило более смело и эффективно внедрять в джазовую практику приемы инструментовки современной академической музыки. В кул-джазе21 50-х годов XX века эту тенденцию в биг-бэнде продолжает Г. Эванс и Ш. Роджерс, а на базе комбо — М. Дэвис, Дж. Льюис и Дж. Маллиген. Ассимиляция джазом элементов современной Новой музыки составляет основу «третьего течения», стилевого направления, также проявляющего себя с 50-х годов. Его эксперименты условно можно подразделить на три группы:
1) попытки освоения джазовыми музыкантами идей и принципов современного профессионального композиторского творчества европейской традиции;
2) создание академическими композиторами произведений, специально предназначенных для исполнения джазовыми музыкантами;
3) совместное творчество джазменов и академических музыкантов.
Главными творческими фигурами «третьего течения» со стороны джаза были Г. Шуллер, Дж. Льюис, Д. Брубек, Дж. Джуффри, Дж. Рассел, Б. Руссо Г. Мак-Фарленд. Из американских академических композиторов поддержку этому движению отдельными произведениями оказали М. Бэббит, X. Шапиро, А. Копленд и Ч. Айвз. Сюда примыкает также «Ebony Concerto» И. Стравинского, сочиненный им еще в 1946 году для биг-бэнда В. Германа. В Европе аналогичными опытами уже в начале 50-х годов занимался французский композитор и теоретик А. Одер. Довольно известными произведениями, хотя и единственными по своей направленности в творчестве этих авторов, являются «Concerto for Jazz Band and Symphonic Orchestra» (1954) швейцарского композитора Р. Либермана и «Actions for Free Jazz Orchestra» (1971) К. Пен-дерецкого.
В композициях со сквозным развитием только самые чуткие и одухотворенные композиторы-аранжировщики, связанные с джазом, могли
21 Кул-джаз (англ.
cool jazz) — букв. холодный джаз; стиль современного джаза, развившийся на рубеже 40-50-х годов XX века. Xарактеризуется специфическим мягким звучанием без вибрато и более широким использованием полифонии, вследствие чего возросла роль аранжировщика.
выстраивать записанные дифференцированные структуры таким образом, чтобы оставалось пространство для импровизации. Но во многих случаях после нее музыканты были вынуждены себя ограничивать, играть точно предписанный текст -из творческих импровизаторов они превращались в интерпретаторов. Тогда джазовый характер музыки становился зависимым от чувства свинга, зву-коизвлечения и фразировки.
Со времен фри-джаза все больше считалось хорошим тоном, чтобы музыкант, выпускающий грамзапись под своим именем, композицию и аранжировку делал сам. Например, Сан Ра и музыканты ААСМ22 последовательно придерживались этого принципа. Однако вскоре обнаружилось, что хорошие музыканты и вдохновенные импровизаторы отнюдь не являются автоматически также потенциально искусными композиторами-аранжировщиками.
С 20-х годов XX века широкое распространение получают также печатные аранжировки, которые выпускаются музыкальными издательствами для исполнения танцевальными оркестрами и являются универсальными, так как их можно играть любым составом. Они имеют различные названия: аранжировка «по желанию» (ad lib-arrangement), «аранжировка-основа» (stock arrangement), оркест-ротечная аранжировка, — и должны отвечать определенному кругу требований:
1) быть исполнимыми самыми разными составами и «полно» звучать в малых группах;
2) соответствовать различным исполнительским возможностям профессиональных, но особенно самодеятельных музыкантов, не превышая их способностей в выборе тональности, обычного звукового диапазона инструментов и в технических трудностях;
3) учитывать различные тесситуры вокалистов при выборе оптимальной тональности;
4) используемыми средствами в значительной степени соответствовать распространенному оригиналу.
Написание подобной аранжировки представляет собой довольно сложное дело, своеобразную «математическую задачу», требующую специальных знаний, и выполняется она чаще всего в виде дирекциона — набора голосов, в которых эскизно содержатся все наиболее важные музыкальные моменты.
22 AACM, Association for the Advancement of Creative Musicians — англ., Ассоциация для продвижения творческих музыкантов; основана в мае 1965 года в Чикаго, помимо прочего объединяет молодых представителей чикагского авангарда.
Отдельные инструментальные партии оркестротеч-ных аранжировок имеют так называемые «выписки» из партий «необязательных» инструментов, отмечаемые мелкими нотами. Подобные рукописные работы раньше делались для гастролирующих солистов-вокалистов, часто выступавших с непредвиденными по составу аккомпанирующими ансамблями, или для артистов, нуждавшихся в музыкальном сопровождении.
Конечно, оркестротечная аранжировка связана с определенным фактурным и гармоническим «обеднением» звучания, когда произведение, задуманное для состава-максимума, исполняется в составе-минимуме. Зато она делает доступным исполнение многих произведений средствами не только различных по составу оркестров, но и инструментальными ансамблями.
Понятие «аранжировка», кроме обозначенных видов, подразумевает также еще возможность музыкального монтажа, попурри, в котором популярные мелодии или фрагменты известных произведений соединяются друг с другом довольно грубым образом при помощи так называемых связок. В джазе и эстрадной музыке подобные работы называются medley (англ. смесь, мешанина).
Следует обратить внимание на аранжировки, которые существенно изменяют содержание и стиль оригинала и при этом, к сожалению, чаще всего не в лучшую сторону. Подобная практика предлагает уже хорошо знакомую музыку в совершенно новом облике и требует очень осторожного подхода и такта.
В последние годы очень бурно развивается компьютерная аранжировка, или аранжировка-композиция — arrangement composition. Она требует от аранжировщика не только музыкальных знаний,
но и навыков звукоинженера и звукооператора, так как здесь он имеет дело не с нотами и музыкантами-исполнителями, а непосредственно со звуком. Современные музыкальные компьютерные программы имеют широкий спектр наиболее распространенных гармонических, ритмических и фактурных формул-моделей (англ., pattern formation). Их использование позволяет избежать рутинной работы и ставит «написание» массовых аранжировок на конвейер. Однако перед талантливым мыслящим аранжировщиком здесь открываются неограниченные творческие возможности. В этом смысле заслуживают внимания компьютерные аранжировки Э. Артемьева, Г. Гараняна и А. Козлова.
Каково же будущее джазовой аранжировки? Вероятно, здесь можно выделить несколько тенденций, которые уже достаточно ясно просматриваются на современном этапе:
1 ) многие джазовые композиторы и аранжировщики, испытавшие плодотворное влияние великих композиторов академической музыки, вероятно, будут вести исследования в этой области и впредь;
2) границы между импровизацией, композицией и аранжировкой будут становиться все более размытыми и менее определенными;
3) глобальные перспективы мировой музыки и разнообразные академические, этнические и коммерческие течения откроют путь к обновлению мелодии, гармонии, ритма, тембра, импровизационных элементов и драматургических особенностей джаза;
4) форма и структура композиции останутся главными условиями, ограничивающими и сдерживающими джазовую аранжировку.
ЛИТЕРАТУРА
1. Конен В. Третий пласт: Новые массовые жан- 2. Sterns M. The Story of Jazz. New York-London, ры в музыке XX века. М.,1994. 1956.
Аранжировка(музыка) — Простая английская Википедия, бесплатная энциклопедия
Аранжировка музыкальной композиции — это переработка музыкального произведения таким образом, что оно может воспроизводиться на другом инструменте или комбинации инструментов, отличном от оригинала. Например, песня, написанная для одного голоса в сопровождении фортепиано, может быть аранжирована так, чтобы ее можно было петь по частям хором, или пьеса для скрипки может быть аранжирована так, чтобы ее можно было вместо этого играть на кларнете. Аранжировщиком может быть сам композитор или кто-то другой.
В истории музыки композиторы часто публиковали свои сочинения, говоря, что музыку можно играть или петь на различных инструментах.
Например, когда английские композиторы публиковали мадригалы в конце XVI века, они часто заявляли, что их могут петь певцы или играть на альтах («подходит для голосов, как для альтов»). В период классической музыки композитор мог издать сонату, заявив, что ее можно сыграть на скрипке, флейте или флейте. Это помогло продать больше копий, потому что скрипачи, флейтисты и магнитофоны могли захотеть купить музыку.В некотором смысле это не совсем аранжировка, потому что в музыку не было внесено никаких изменений.
Однако, когда музыка для скрипки или виолончели аранжирована так, что ее можно играть на альте, могут потребоваться некоторые изменения, поскольку альт может играть в другой тональности, или некоторые аккорды могут быть более неудобными, чем они были изначально написаны . Это договоренность.
На популярном произведении, таком как « Полет шмеля » Римского-Корсакова, можно играть практически на любом мелодическом инструменте: скрипке, ксилофоне, тубе и т. Д.
Это все договоренности.
Когда пьеса для хора и оркестра печатается для использования членами хора, оркестровая партия печатается на двух нотоносцах, чтобы ее можно было играть на фортепиано во время репетиций. Это еще один вид аранжировки.
В истории музыки многие композиторы выполняли аранжировки на музыку, написанную другими. Они сделали это для того, чтобы узнать о музыкальной композиции, а также для того, чтобы уметь играть на ней на другом инструменте. Например, Иоганн Себастьян Бах аранжировал четыре концерта Вивальди так, чтобы их можно было сыграть на органе.
Аранжировки часто делают люди, играющие на инструментах, для которых не было написано много музыки. Люди, играющие на альте, гитаре, тубе и т. Д., Часто аранжируют другую музыку так, чтобы у них был более широкий репертуар (больше музыки для игры).
Иногда композиторы вносили изменения в оркестровку произведений для оркестра, написанных другими. Возможно, они сделали это, потому что инструменты изменились с момента написания музыки, или просто потому, что они думали, что могут сделать это лучше.
Например, Моцарт сделал аранжировку Handels Messiah , добавив такие инструменты, как кларнеты, которых Гендель не знал бы. Римский-Корсаков делал аранжировки опер Мусоргского, думая, что он их улучшает.
Иногда принимаются меры, потому что игрок имеет определенную инвалидность. Сирил Смит, пианист, у которого была только одна рука, играл на фортепиано дуэтами со своей женой Филлис Селлик. Они устроили фортепианные дуэты так, чтобы их можно было играть в три руки.
Иногда создаются аранжировки из хорошо известных классических произведений, в которых музыка «взбудоражена» или звучит так, чтобы звучать более популярно для представлений в кино или театрах.Иногда музыканты думают, что это нехорошо. Иногда небольшие вокальные группы, такие как Swingle Singers, делают беззаботные версии произведений Баха и других.
- Словарь музыки и музыкантов New Groves, изд. Стэнли Сэди; Лондон 1980 г .; ISBN 1-56159-174-2
Расположение | музыка | Britannica
Аранжировка , в музыке, традиционно, любая адаптация композиции к другому носителю, отличному от того, для которого она была написана изначально, с сохранением общего характера оригинала.
Это слово часто использовалось как синоним транскрипции, хотя последнее имело коннотацию обработки оригинала, как в виртуозных фортепианных транскрипциях И.С. Органные произведения Баха Ференца Листа, итальянского композитора-пианиста Ферруччо Бузони и других. В более поздние времена определения были почти полностью перевернуты: аранжировка означала музыкальную свободу в разработке или упрощении. В популярной музыке и джазе это слово часто используется как синоним «партитуры».
Подробнее по этой теме
аппаратура: аранжировка и транскрипция
Практика, которая широко использовалась в 20-м веке, но никоим образом не ограничивалась им, заключалась в написании аранжировок и транскрипций….
Аранжировки вокальных произведений сыграли решающую роль в ранней истории инструментальной музыки. Таким образом, вокальная полифония позднего средневековья и эпохи Возрождения, включая мотеты, шансоны и части мессы, была интабулирована (транскрибирована так, чтобы предлагать положение пальцев, а не высоту звука) для использования клавишниками и лютнистами, что позволило им исполнять индивидуально музыку, написанную для нескольких певцов.
В период барокко ( c. 1600–1750) интерес к аранжировке снизился, возможно, из-за возросшего значения инструментальной музыки и ослабевающего значения вокального письма.Бах, который аранжировал многие скрипичные концерты Антонио Вивальди для клавесина и органа, был заметным исключением.
В 19 веке, когда акцент был сделан на фортепиано, аранжировки снова стали популярными. Лист записывал песни Шуберта, а также сцены из музыкальных драм Вагнера. Брамс написал для оркестра аранжировку своих собственных вариаций на тему Гайдна, первоначально для двух фортепиано, и «Чаконы» Баха из партиты ре минор для скрипки, которую он переделал в фортепианный этюд для левых. рука.В 20-м веке Арнольд Шенберг, в свою очередь, создал сложные оркестровые аранжировки музыки Баха, Георга Матиаса Монна и Брамса, которые фактически превратились в перекомпозиции, в отличие от популярных аранжировок Баха Стоковски, Респиги и других, которые пользовались значительной модой в те времена.
эпоха до Второй мировой войны.
Фортепианные аранжировки, в частности, партитур из оперы и балета давно зарекомендовали себя при подготовке спектаклей.Перформансы с проблемно записанными ранними партитурами часто несут в себе все признаки очень субъективной аранжировки.
Что такое договоренность?
С первых дней существования Беркли курсы по организации занятий были основным элементом учебной программы. С годами в Беркли приезжали студенты, ищущие навыки аранжировки для большого бэнда, оркестра, небольшого ансамбля и даже сольных инструментов. Многие использовали свои навыки аранжировки для успешной карьеры, составляя диаграммы для лучших артистов и поп-оркестров.Бесчисленное количество выпускников музыкального образования написали обильные аранжировки для школьной сцены, маршевых и концертных ансамблей, а также хоров. Недавняя тенденция среди сторонних агентов по лицензированию и музыкальных издателей ставит эти и другие действия под угрозу.
Места и артисты уже давно платят организациям, занимающимся правами на исполнение, таким как ASCAP и BMI, за лицензии на публичное исполнение музыки. Но теперь некоторые издатели требуют вторую лицензию для каждой выполненной договоренности.
Эти издатели заняли позицию, что каждая песня, исполняемая вживую, требует предварительного одобрения издателя для исполнения этой конкретной аранжировки.Это включает в себя ноты, ритмы, темп и задействованные инструменты. Если довести до крайности, такая позиция может положить конец живому джазу и року в том виде, в каком мы их знаем.
Новые лицензии и сборы
Организаторы уже борются на рынке, как описано на сайте www.peopleforfairmusiclicensing.com. «После более чем 80 лет установившейся деловой практики некоторые издатели теперь требуют приобретения лицензий на печать и уплаты гонораров за создание и использование аранжировки песни.Этот взнос должен быть уплачен за каждое исполнение этой песни.
Этот сбор часто дополняет приобретение лицензии на механическое использование и сборы, уплачиваемые организациям, занимающимся правами на исполнение (BMI, ASCAP, SESAC и другие). «Эти сборы не являются справедливыми, разумными, предсказуемыми или прозрачными. Также не является обязательным предоставление лицензии на печать, как в случае лицензии на механическое производство. В наши дни, когда программы по искусству и финансирование сокращаются, а симфонические оркестры цепляются за жизнь, непомерные гонорары, взимаемые издателями, оказывают разрушительное воздействие на хоры, группы, оркестры, корпус барабанов и горна, аранжировщиков, артистов и других работающих. в сообществе исполнительских искусств.В соответствии с Законом США об авторском праве авторское право на композицию определяется двумя компонентами: мелодией и лирикой. Однако существует бесчисленное множество способов исполнения композиции. Темп, мелодические ритмы, тональность, гармония, жанр, грув, форма и инструменты — все это элементы аранжировки: выбор, сделанный одним человеком или группой людей.
Независимо от того, исполняется ли песня сольным певцом или исполнителем на диджериду, выбор в пользу этого является «аранжировкой».
Если исходная композиция была изменена для живого или записанного исполнения — бессознательно или в результате импровизации, возникшие в результате, — полученные изменения составляют новую аранжировку.
Вы говорите, что хотите свертку
Требование лицензии на аранжировку доходит до того, что угрожает даже тем группам, которые пытаются точно воссоздать каверы на существующие записи. Случай, связанный с трибьют-группой «Битлз» Classical Mystery Tour, показывает, насколько запутанным может стать этот вопрос. В течение 22 лет группа исполняла песни Beatles с оркестрами по всей Америке в абсолютно точных транскрипциях партий и оригинальных оркестровок с записей Beatles.
Лидер Classical Mystery Tour, Джеймс Оуэн, получил письменное подтверждение от Sony / ATV, что, поскольку в песнях не было принципиальных изменений и шоу было концертом, а не театральной постановкой, использование группой материала Beatles было покрыто в рамках выступления.
лицензии. Это лицензии, которые имеют площадки с ASCAP, BMI и SESAC, и музыканты долгое время считали, что они позволяют им исполнять каверы. В иске против SONY / ATV, Tresóna Multimedia, LLC и других ответчиков Оуэнс утверждает, что его бизнесу наносится ущерб.
Согласно иску, поданному в центральном округе Калифорнии, компания Tresóna, добиваясь вознаграждения для владельцев авторских прав на музыку, связалась с оркестрами, с которыми группа Оуэнса была приглашена для выступления. Они заявили, что Оуэнс и компания будут играть нелицензированные аранжировки, и что оркестр должен будет заплатить гонорар в размере 2200 долларов за каждое исполнение транскрипций Classical Mystery.
Документы в иске содержат утверждение Тресоны о том, что «только исключительный владелец музыкального произведения имеет право лицензировать создание производного произведения, включающего ранее существовавшее музыкальное произведение» [курсив добавлен].Но аранжировки, которые Classical Mystery Tour исполняет с оркестрами, не являются «производными произведениями», они являются оригиналами.
Во встречном иске юристы Sony выступили против Оуэна, заявив: «Sony явно занимает позицию, согласно которой право на публичное исполнение произведений Битлз НЕ включает право транскрибировать СУЩЕСТВУЮЩИЕ аранжировки на звукозаписях».
Возникает вопрос: если заведения платят лицензионный сбор за публичное исполнение музыки, защищенной авторским правом, могут ли артисты исполнять музыку в своем собственном стиле или в стиле оригинального исполнителя? По словам SONY и Tresóna, ответ отрицательный.
Эта проблема не ограничивается профессионалами на больших площадках. Студенты также становятся мишенью. Тресона подал иски против школьных музыкальных директоров за использование аранжировок поп-песен студенческими коллективами и хорами. Дело, возбужденное компанией Tresóna Multimedia, LLC против Бретта Кэрролла (Бербанк, Калифорния, руководитель хора средней школы) и Ассоциации вокальной музыки средней школы Бербанка, было рассмотрено Апелляционным судом девятого округа.
Короче говоря, Тресона подал в суд на ответчиков за выступления на вокальных конкурсах и сбор средств хора на песни «(I’ve Had) the Time of My Life» и «Hotel California» в аранжировке Джоша Грина.Тресона проиграл дело, но только по формальным причинам: у них не было права подавать иск. Кэрролл сопротивлялся и победил, но какой ценой? Гонорары адвокатов в таких случаях могут легко превысить 100 000 долларов. Другие стороны, не в состоянии оплатить такие судебные издержки, не сражались, как Кэрролл. Волнуются школьные и общественные коллективы. И это правильно.
В статье, опубликованной 4 мая 2018 года в газете The Morning Call в Лихай-Вэлли, штат Пенсильвания, подробно рассказывается об отмене концертной дани Дэвида Боуи Симфоническим оркестром Аллентауна после того, как в пресс-релизе представителей оркестра говорится, что Тресона «поставила под сомнение права человека. промоутер шоу о музыке Боуи.Временный исполнительный директор оркестра сказал, что промоутер концерта «изначально сказал, что не было проблем с использованием этой музыки в шоу».
Позже в статье говорится, что концерт
«отказался сообщить, связывался ли с ним Тресона», а представитель Тресоны заявил, что его организация «не контактировала с промоутером по поводу концерта в Аллентауне».
Что произошло на самом деле, неясно, но для средней школы, общественных и профессиональных исполнительских организаций экономическая прибыль невелика, и многие работают без прибыли, просто из любви к творчеству.Статус любителя или студента не является правовой защитой.
В группе риска и профессиональные аранжировщики, создающие графики для различных ансамблей. Они рискуют быть обвиненными в нарушении прав издательских компаний, которые договорились об исключительных правах на продажу нот.
Если закон не будет разъяснен, организатору может потребоваться оплатить лицензионный сбор перед написанием диаграммы. Кроме того, исполняющая организация будет платить аранжировщику плюс гонорар за выполнение каждой диаграммы, плюс лицензионные сборы организациям, занимающимся правами исполнения.
Для некоторых организаций это может сделать стоимость представления живых выступлений непомерно высокой.
Требуются действия Конгресса
АдвокатДжонатан Минкофф утверждает, что ответ состоит в том, чтобы принять меры, подпадающие под действие принудительной лицензии. «Конгресс понял, что нет настоящего права записывать песню без аранжировки», — говорит Минкофф. «Живым исполнителям нужна такая же защита. Конгресс не имел в виду запретить все импровизации в кавер-версиях.Право на исполнение всегда включало подразумеваемое право на организацию.
«Теперь это право находится под угрозой, поэтому Конгрессу необходимо сделать это прямо в законе. В настоящее время потенциально риску подвергаются все группы и хоры. Конгресс должен сделать две простые вещи: во-первых, разъяснить, что выступление включает аранжировку; и, во-вторых, создать обязательное право на аранжировку музыки, которое соответствует существующему обязательному праву на запись.
«Создав принудительную лицензию на все виды использования, композиторы и издатели получат новый источник дохода, а аранжировщики смогут выйти из тени и стать легальными.Все выиграют ».
Искусство аранжировки песни
Представьте, что я дал вам подсолнух, дюжину гвоздик, а затем попросил вас сложить из них букет. Что бы ты сделал?
После нескольких странных взглядов, я представляю, что вы поместили подсолнух в центр, а более мелкие цветы окружили его, чтобы поддерживать его. Не то чтобы это правильный ответ, но он очевиден.
А что, если бы я дал вам дюжину разных цветов — разной формы и цвета — и попросил вас разложить их.
Не так просто, правда?
Это подводит меня к первому и наиболее важному пункту об аранжировке:
Найди свой центральный предмет
Это может быть горькая пилюля, которую стоит проглотить, особенно если ты знаешь, сколько времени и сил ушло на то, чтобы получить эти слоистые хлопки как следует … Но не все звуки в вашем миксе заслуживают внимания.
Фактически, прожектор действительно достаточно велик, чтобы сосредоточить внимание на одном или двух элементах одновременно.
Представьте, если бы каждый фоновый персонаж пытался говорить через Тома Круза.Было бы «Миссия невыполнима» пройти, не теряя рассудка. Проще и эффективнее принимать решения по аранжировке, если вы заранее решите, какие треки наиболее важны и что поддержит те немногие.
Я не могу этого особо подчеркнуть: хорошая аранжировка — это взять центральную часть вашей песни и построить вокруг нее рамку.
К концу этой статьи вы узнаете:
- Три типа аранжировки и почему вы не должны верить мифу о том, что аранжировка — это всего лишь порядок разделов в вашей песне
- Почему аранжировка в музыке важен, и как это соотносится с вашей целью номер один как продюсера (которая заканчивает песни, верно?)
- Когда вам следует подумать об аранжировке песни
- Сдвиг мышления, который превратит вашу петлю в аранжированную песню каждый раз, и наконец.
.. - Гипербиты Шесть ключей к лучшей аранжировке
..Самый большой миф об аранжировке песни
Что такое аранжировка? С одной стороны, это очевидно. Аранжировка — это течение песни от начала до конца. В нем есть разделы: такие как вступление, куплет, наращивание, припев, разбивка, падение и завершение.
И конечно, это расположение в традиционном смысле. Это аранжировка различных движений в вашей музыке. Несомненно, вы должны принимать эти решения, когда пишете аранжировку для песни.Мы расскажем, как это сделать.
Но если вы верите, что это все, что нужно для аранжировки, вам не хватает целой основы для создания красивых композиций. Аранжировка — это способ взглянуть на ваш трек под разными углами, чтобы убрать лишнее и поддержать то, что уже работает. Простой выбор порядка разделов не гарантирует, что песня привлечет внимание слушателя.
На самом деле существует три типа аранжировки, и необходимо принять активное решение обо всех трех, чтобы ваш трек соответствовал той музыке, которую вы любите.
Первое (и наиболее знакомое) — это структурная компоновка, которая представляет собой движение энергии, фрагментов и переходов в вашей музыке.
Далее идет инструментальная аранжировка — как ноты, аккорды и мелодии распределяются между различными инструментами в вашем ансамбле. Помните, это может измениться по ходу вашего трека! Перенос мелодической линии с вокала на синтезатор может по-новому и освежить ее.
Наконец, существует пространственная организация, при которой звуки размещаются в вашем миксе, определяя их громкость, панораму и ощущение присутствия.Вот этот список в виде красивых маркированных пунктов, чтобы сделать это как можно проще.
Структурное расположение
Инструментальное расположение
Пространственное расположение
Это очень много, поэтому давайте продолжим попытки упростить это. В конце концов, аранжировка решает три вещи:
Flow
Озвучивание
Mix
Важность аранжировки в музыке
Был ли у вас когда-нибудь друг рассказывал вам историю, которая, как он клялся, была веселой? Он построен на деталях, которые вы совершенно упускаете из виду, и только после того, как они будут готовы, вы поймете, что упустили изюминку.
Все мы знаем, что будет дальше: «Аа… я думаю, ты должен был быть там».
Сравните это с переживанием внутренней шутки, где даже тон голоса или жест руки могут вернуть поток воспоминаний о какой-то нелепой ситуации, которую вы пережили вместе.
В этом разница между плохо реализованной идеей и хорошо отточенной аранжировкой.
Когда я писал о том, почему динамика в музыке является ключом к эмоциональному воспроизведению, я хотел показать, сколько разных слов в нашем музыкальном словаре указывают на эту скрытую, лежащую в основе тему.Таким же образом я хочу, чтобы вы заменили слово «аранжировка» новым словом, которое поможет вам сосредоточиться на действии. Возьмите свои мысленные словари и напишите это: «Аранжировка» — это все о «прибытии».
Time To Arrange
До сих пор мы говорили об аранжировке песни, но я хочу быть более конкретным. Песню делает ее аранжировка. В этой статье я хочу показать вам, как превратить идею в песню.
Если вы занимались музыкой дольше одного дня, вы знаете, сколько решений нужно принять в процессе.
Лучшие продюсеры создали систему, позволяющую работать над этими решениями и придерживаться их. Вы не хотите думать о структурной аранжировке после того, как записали финальный вокал. И серьезно, вам не нужно увлекаться деталями аранжировки микса, когда вы разрабатываете последовательность аккордов.
Вот методология Hyperbits, определяющая, когда вам следует организовать, на основе трех типов, которые мы определили.
Голос (инструменты)
Определение того, какие инструменты несут мелодию, аккорды и гармонию, может быть первым в процессе или в самом конце.Важно знать, что доступны оба варианта, но вам все равно нужно принять решение, будь то на этапе зачатия или когда остальная часть пути будет построена.
Некоторым продюсерам нравится начинать с простого фортепианного патча для построения своих аккордов. Другие предпочитают сначала позаботиться о звуковом дизайне. Получил сладко звучащий полисинт? Идите и положите несколько аккордов. Я предпочитаю то, что лучше всего подходит вам и вашему рабочему процессу.
При этом в какой-то момент вам нужно будет принимать решения по озвучиванию, и звуковой дизайн на ранних этапах процесса имеет свои преимущества.Если вы решите использовать эти аккорды на многосинте, звучащем в стиле 80-х, а не на рояле Rhodes, это изменит направление и атмосферу вашего трека.
Мне нравится принимать решения и действовать быстро, но вам нужно будет найти то, что лучше всего подходит для вас. Просто помните, что распределение мелодии и гармонии между инструментами — это то место, где встречаются звуковой дизайн и аранжировка, и это нельзя упускать из виду.
Поток (структура)
Вам следует подумать об организации потока, когда у вас будет сформирована основная идея.Может быть, это петля из 8-ми тактов, последовательность аккордов и мелодия или энергичная фраза, из которой получится отличный удар.
Прямо сейчас у вас нет песни. У вас есть идея, которая очень интересна. Но для того, чтобы это была песня, ей нужен другой раздел. У вас есть B, теперь вам нужен A.
Ниже мы рассмотрим изменение мышления, которое позволит вам взять любой фрагмент музыки и создать его копию, но об этом чуть позже.
Те, кто меня знает, будут знать, что будет дальше, но это настолько важно, что стоит упомянуть еще раз.И опять.
Для того, чтобы создавать отличную музыку, нужна ссылка.
Использование проверенных форм на удивление освобождает. На самом деле намного проще создавать свежую и изобретательную музыку в рамках ограничений, чем пытаться изобретать велосипед каждый раз, когда вы пишете. Ссылка так же проста, как перетаскивание песни, которая вам нравится, в DAW, деформация ее в соответствии с темпом вашей песни и добавление флажков или маркеров в начале каждого нового раздела.
Необязательно четко придерживаться каждого такта, но пусть это будет ориентиром для структуры вашей песни.Как только у вас будет структура, над которой нужно работать, мы можем легко взять эту идею и реконструировать способ ее развития.
Если честно, существуют сотни, если не тысячи сообщений в блогах о том, чтобы «выйти из цикла».
Так или иначе, все они предлагают вариант именно того, что мы только что предложили.
Тем не менее, не переусердствуйте. Перетащите этот эталонный трек прямо в DAW, измените свой BPM и составьте для себя руководство. Будет много (и я имею в виду множество) возможностей отклониться от этой структурной карты позже в процессе производства.
Mix (Space)
Расположение элементов в треке для создания связного микса выходит за рамки данной статьи, но это происходит после того, как поток и голос установлены. Другими словами, вы микшируете, как только закончите песню.
Если вы еще не могли сказать, я просто помешан на искусстве микширования. Я потратил годы на изучение того, что делает отличное сочетание, и требуется время, чтобы научить необходимым методам и техническим навыкам. Если вы находитесь в точке, где поток и голосовые решения начинают приниматься естественным образом, вы многому научитесь из нашего Mix Master Flow и мастер-класса.Если вы ищете что-то, что следует за путешествием песни от композиции до сведения, наши курсы от начала до конца дадут вам прекрасное представление о том, как все эти различные типы аранжировки работают вместе.
Сдвиг мышления для превращения петель в песни
Вот уроки, которые я постоянно переучиваю в своей карьере музыкального продюсера:
Легче убрать то, что уже есть, чем пытаться добавить то, чего нет .
Фильтрация частот синтезатора с использованием редуктивного эквалайзера, нажатие на кнопку отключения звука…это простые действия, но в 9 раз из 10 они более эффективны для создания запаса и пространства в миксе, чем усиление или добавление новых звуков.
Тот же принцип применяется к компоновке. Уменьшайте, не добавляйте.
Это методология, известная как вычитающее сопоставление, и ее использовали все, от больного Гейтса до Денниса ДеСантоса из Ableton.
Построенная вами петля в конечном итоге станет вашим финальным припевом. Скопируйте и вставьте его, чтобы у вас было 3-4 минуты материала.Держите его на полную мощность для этого последнего припева, но для других ваших частей ОТКЛЮЧАЙТЕ столько треков, сколько сможете.
Когда у вас есть голый скелет с несколькими общими элементами, вы можете добавить новый инструмент, если хотите. Этим простым ходом вы проложили себе путь в секцию A для секции B, которую вы уже построили.
Помните: договоренность — это прибытие. Вот где самое интересное — переходы, нарастания и создание напряжения для полного высвобождения частоты.
Вычитающая договоренность.Это образ мышления, который позволит вам превратить любую идею в песню, и он требует работы в обратном направлении от идеи, которая у вас есть, путем удаления треков до тех пор, пока у вас не будет строительных лесов, на которых можно повесить нарост.
Гипербиты Шесть ключей к лучшей аранжировке
Аранжировка — один из самых важных навыков, который нужно развивать как продюсер, потому что он охватывает все, от микширования до того, как вы приходите к идее, которая изначально вдохновляла вас. Вот наши шесть ключей к созданию лучших аранжировок.
1. Хорошая аранжировка — это та аранжировка, в которой песня заканчивается слишком рано.
Лучше говорить о том, что секунда была завершена слишком рано, чем тянуть секунду слишком долго. Вы бы предпочли, чтобы ваш слушатель немедленно перемотал назад, или потерял бы интерес из-за того, что задержался с вами? Ваши песни должны быть короче, проще и по существу.
2. Я говорил это раньше и скажу еще как минимум тысячу раз. Ссылайтесь на другую музыку. Это только поможет. Я серьезно к этому отношусь. Чтобы сослаться на одну из моих любимых книг, вы должны «Украсть как художник».
3. Используйте разную динамику для перемещения между секциями. Сдержанный, строгий стих будет более впечатляющим, чем если бы все было громко и громко с первого такта. И в этом плане динамика потрясающая.
4. Рискните и попробуйте что-нибудь новенькое. Вы должны сделать это для себя. Может быть, это смелый шаг в звуковом дизайне для перехода, новый способ использования синтезатора или эффекта … это не просто способ сохранить свежесть и интересность ваших аранжировок, но способ сохранить интерес к написанию.
процесс.Посмотрите наш пост о преодолении ограничивающих убеждений в создании музыки, где вы узнаете о столкновении с творческим риском.
5. Используйте повторение в своих интересах. Серьезно. При достаточном повторении все может стать основной мелодией или мотивом песни. Это один из самых мощных, рудиментарных, но недооцененных инструментов в производстве музыки. Повторите фразу. Повторите это с небольшими вариациями. Повторите это на другом инструменте. Эти движения создадут в вашей музыке притяжение призыв и отклик.
6.С другой стороны, включение разовых мероприятий абсолютно необходимо для поддержания интереса слушателя и создания особых, запоминающихся моментов в аранжировке. Это может быть однократная вокальная отбивка, чудовищное наполнение барабана, каскадная задержка дублирования… варианты бесконечны. Найдите что-то, что подходит для вашего трека, и уделите ему особое внимание деталям, которых они заслуживают.
Когда все сказано и сделано, хорошая аранжировка — это та аранжировка, которая делает шаг вперед, чтобы послание в вашей музыке просвечивало.
Скорее всего, потребуется несколько итераций, чтобы добиться правильного результата, но если вы сосредоточитесь на вычитании, чтобы освободить место для того, что действительно желательно, вы не ошибетесь. Требуется практика и, прежде всего, нужно заканчивать песни, чтобы привыкнуть доверять своему инстинкту и действовать быстро.
Вскоре вы обнаружите, что аранжировка становится неотъемлемой частью вашего рабочего процесса, от первоначальной идеи до сведения. Я надеюсь, что этот пост даст вам твердый план, как начать это делать, и, в свою очередь, поможет вам закончить больше музыки.
Чтобы узнать больше о быстром завершении музыки, просмотрите видео ниже.
Улучшит ли аранжировка песни для фортепиано мои общие аранжировки?
Аранжировка для фортепиано — что-то из основных? или необходимая или фундаментальная для аранжировки в оркестре или любом другом жанре с несколькими инструментами?
Вы имеете в виду для фортепиано или для фортепиано ? Базовые навыки игры на клавиатуре требуются от всех музыкальных специальностей в университете (или, по крайней мере, это было требованием степени в мое время), так что да, я бы сказал, что способность аранжировать песню для фортепиано с сокращением — это своего рода «базовая, или необходимая, или фундаментальные навыки, которыми должны обладать все музыканты.
Фортепиано очень линейное и визуальное, поэтому это отличный первый инструмент для начинающих. Аранжировка на клавиатуре ( на фортепиано ) может помочь вам увидеть мелодические и гармонические интервалы таким образом, который иначе невозможен (например) на трубе или кларнете.
Нравится, чему вы можете научиться, просто аранжируя музыку для фортепиано?
Опять же, вы имеете в виду на или на фортепиано ? На это может ответить мой первый абзац. Я добавлю, что как только вы достигнете среднего уровня уроков игры на фортепиано, вы научитесь различным техникам игры на басу и инверсиям аккордов.Эти знания необходимы любому хорошему композитору / аранжировщику.
Как аранжировка на фортепиано повысит мою способность к аранжировке?
Я считаю, что это зависит от вас и от вашего понимания того, как работает фортепианная музыка и как думают пианисты. Если вы подойдете к фортепиано с гитарным складом ума, это будет похоже на попытку гитариста играть на клавишах.
Во многом как когда пианист, который не понимает гитары, пытается играть на гитаре на своей клавиатуре с помощью VST / плагина.
Я хочу сказать, что если вы используете клавиатуру, чтобы визуализировать свою музыку по-новому, то да, это определенно поможет вам увидеть эти интервалы, нанесенные перед вами. Однако, если вы пишете для пианиста для исполнения своей работы, то сначала вы должны изучить другие фортепианные аранжировки, чтобы попытаться понять точку зрения исполнителя.
Секрет аранжировки музыки: положите инструмент!
Аранжировка — это искусство взять музыкальное произведение и сделать его своим — или взять мелодию и добавить под нее различные инструменты, такие как ритм-секция или даже целая валторная секция.«Аранжировка» — это конечный результат объединения всех инструментов во время этого музыкального произведения.
Самостоятельно аранжировав музыку, вы можете взять известную мелодию или песню и превратить ее в нечто совершенно иное, отражающее ваши собственные музыкальные влияния и имеющее лучший вкус.
Возьмем, к примеру, караван Герцога Эллингтона . Многие люди записали множество различных версий этого популярного джазового стандарта — каждая из этих версий была «аранжирована» так, чтобы звучать определенным образом, использовать определенные инструменты и иметь определенную атмосферу.Сам Эллингтон много раз записывал именно эту песню, и каждая версия была аранжирована совершенно по-своему:
Дюк Эллингтон и его оркестр:
Дюк Эллингтон, Чарльз Мингус и Макс Роуч:
Оба экземпляра имеют одинаковую композицию, но совершенно разные аранжировки.
Так в чем секрет по-настоящему великолепной музыкальной аранжировки? Что ж, сначала нам нужно взглянуть на самую большую ловушку, в которую попадают новички-аранжировщики…
Как самому аранжировать музыку
Многие люди садятся за пианино , чтобы аранжировать музыку.
Почему? Просто потому, что пианино предлагает очень визуальный подход, а также позволяет аранжировщику играть с гармонией, мелодией и ритмом так, как ни один другой инструмент.
Например, вы можете играть мелодию одной рукой, пытаясь разобрать аккорды или басовую партию другой. Однако, каким бы полезным ни было пианино для аранжировщика, у него также есть несколько недостатков, которые обязательно нужно учитывать.
Перелистка для различных инструментов
Один из моих преподавателей аранжировки настаивал, что «на фортепиано все звучит хорошо» .Я действительно не понимал, что он имел в виду, пока не попробовал свои силы в задании, над которым он нам поручил работать, а именно в создании партий валторны для определенной песни. Все, что я придумал для фортепиано, звучало довольно мило, гармонии звучали хорошо и отлично сочетались с мелодией… пока я не вложил все в Sibelius и не услышал, как это играет настоящая валторна! Некоторые из клавиш, которые мне нравились на фортепиано, звучали ужасно между трубами и тромбонами.
Фортепиано — отличная отправная точка, но в конечном итоге вы будете полагаться на свои уши , когда будете аранжировать более сложные произведения.
Выйдите за пределы своих ограничений
Это подводит меня ко второму основному недостатку использования фортепиано для аранжировки: вы будете ограничены своими музыкальными способностями. Если вы не феноменальный пианист, сидение за пианино для аранжировки значительно ухудшит вашу способность писать то, что вы на самом деле слышите в своей голове, поскольку вам может быть трудно перевести это на фортепиано или любой другой инструмент.
Хотя на самом деле я сам пианист, в некотором смысле я также имел непосредственный опыт решения этой проблемы.Когда я заканчивал дипломную работу, часть моего проекта заключалась в аранжировке нескольких пьес, написанных для фортепиано соло, чтобы исполнить их дуэтами на разных инструментах. Я выбрал для работы одну из работ — A La Antigua Эрнесто Лекуоны:
.
Моя работа заключалась в том, чтобы превратить это произведение в дуэт для фортепиано и контрабаса. Так что мне пришлось придумать басовую партию и перестроить фортепиано так, чтобы оно не дублировало басовую линию и звучало иначе, чем оригинал.Вот что я придумал:
Я написал всю эту аранжировку, сидя за компьютером, без фортепиано. Что это дало мне, так это партия фортепьяно, которая в итоге оказалась довольно сложной в определенных областях!
Например, эти две меры:
Изначально я написал мелодическую линию для правой руки целиком в 6-х частях, что оказалось совершенно невозможным, чтобы сыграть, не испортив фразировку, которую я пытался достичь! Поэтому я решил убрать часть шестых интервалов и оставить только все остальные шестые.Это было по-прежнему сложно выполнять, и нужно было тщательно практиковаться, но дело в том, что если бы я сидел за пианино, я бы, вероятно, вообще не придумал бы 6-й интервал, поскольку они были бы нелегкими.
выступил на месте, пока я аранжировал.
Отступление от пианино (или от любого другого инструмента, который вы используете) на самом деле может привести к большему творчеству , так как вы можете более полно использовать свои идеи и свои уши, не ограничиваясь механикой инструмента и своими способностями уровень с ним.
Как только я понял, насколько полезно было записать эту аранжировку вне моего инструмента, я в конце концов использовал эту технику для всех других аранжировок, которые будут включены в мой дипломный проект.
Аранжировка без фортепиано
Итак, если вы не можете уверенно сесть за пианино и аранжировать музыку, что вам делать? Сядьте за компьютер или за стол с листом бумаги и карандашом. Хотя использование инструмента для аранжировки дает немедленное вознаграждение, поскольку вы можете проигрывать свои собственные идеи и мгновенно их слышать, у этой техники есть свои недостатки.Если вы знакомы с такими программами для записи нот, как Sibelius или Finale, я настоятельно рекомендую вам использовать их, так как вы сможете точно так же использовать функцию воспроизведения, чтобы услышать свои идеи прямо сейчас.
Используете ли вы компьютер или предпочитаете старую школу с ручкой и бумагой, при аранжировке важно использовать уши, чтобы попытаться записать звуки, которые вы слышите в уме.
В чем разница между композицией и аранжировкой?
Вы, наверное, слышали эти термины раньше, и между ними есть много различий. У каждого из терминов также есть разные аспекты.В этой статье я расскажу о различиях между композициями и аранжировками, а также о различиях, которые могут лежать в каждой из этих двух категорий. Проще говоря:
Композиции — это музыкальные произведения, задуманные как законченное произведение, написанное для определенного инструмента или группы инструментов. Как правило, композиции следует воспроизводить так, как они написаны, потому что это то, что задумал композитор. Нюансы выражения передаются рамкам пьесы, и все, начиная от нот, ритма и всех других аспектов, соответствует задумке композитора.
Как актер в кино, вы привнесете в композицию свой собственный уникальный голос, и это будет то, что отличает ваше исполнение от других.
Аранжировки — это музыкальные произведения, изначально написанные для одного инструмента или группы инструментов, а затем переписанные для другого инструмента. Аранжировки также могут быть музыкальными произведениями, которые упрощены или приукрашены по сравнению с их первоначальной формой без изменения инструментария. Отличным примером этого может быть, если музыкальное произведение, изначально написанное для фортепиано, затем транскрибируется для всего оркестра.Есть несколько разных причин для аранжировки, но в целом правила одни и те же — это интерпретации музыки, которые иногда создают совершенно новую музыкальную эстетику из оригинала. В современной поп-музыке это называется ремиксом.
Аранжировки иногда побуждают игрока приукрашивать, упрощать или импровизировать с музыкой перед ним. Некоторые аранжировки написаны без учета строгих правил, поэтому это дает музыкантам возможность выражать себя способами, которые могут быть недоступны в композициях.
В то время как некоторые аранжировки представляют собой упрощенные версии известных произведений, другие представляют собой сильно стилизованные технические демонстрации.
Транскрипции — это форма аранжировки, которая обычно предназначена для воспроизведения так, как написано. Это музыкальные отрывки, взятые из одного инструмента (или группы инструментов) и тщательно переписанные для другого инструмента. Прекрасный тому пример — «Картинки с выставки» Мусоргского. Первоначально эта пьеса была написана для фортепиано соло, но позже была переведена Морисом Равелем для симфонического оркестра.Сегодня оркестровая версия звучит гораздо шире, чем оригинальная фортепианная версия! Некоторые транскрипции являются приукрашиванием оригинальных композиций, таких как Парафразы этюдов Шопена Леопольда Годовского.
Вам нужно убедиться, что вы знаете, является ли изучаемое вами произведение транскрипцией или аранжировкой, потому что иногда есть фундаментальная разница в том, как вы подходите к ним.