Работы художника: описание, плюсы, минусы, где получить

Содержание

ГБУК «Московская государственная картинная галерея Василия Нестеренко»: Выставки

ВЫСТАВКА «ЖИВОПИСЬ ВАСИЛИЯ НЕСТЕРЕНКО»

Дорогие друзья!

Если у вас нет возможности посетить картинную галерею Василия Нестеренко, мы предлагаем вам посмотреть работы художника, которые сейчас находятся на экспонировании в выставочном зале «Домик Чехова» в онлайн формате.

Подобный формат виртуальных выставок хорошо знаком постоянным посетителям сайта и соц.сетей галереи Василия Нестеренко.

Представляем вашему вниманию виртуальную выставку «Живопись Василия Нестеренко» собранную на основе экспозиции в выставочном зале «Домик Чехова», некоторые картины показаны в галерее и на сайте впервые, так как данные работы художника совершенно новые, они закончены или полностью написаны в 2020-21 году.

/


Юбилейная персональная выставка Народного художника России, академика Российской академии художеств Василия Нестеренко «О России с любовью»

Дорогие друзья!

С 16 февраля — 6 марта 2022 года в выставочных залах Российской академии художеств будет проходить Юбилейная персональная выставка Народного художника России, академика Российской академии художеств Василия Нестеренко «О России с любовью». 

Выставка «О России с любовью» – это творческий отчёт художника за последние пять лет. На выставке будут представлены новые произведения, многие из которых ещё ни разу не экспонировались. Это своего рода интрига для его коллег-художников и почитателей его творчества, хорошо знакомых со многими его произведениями. Но на этой выставке они увидят только новые работы, смогут почувствовать, чем жил художник эти пять лет, как материализовались его впечатления и стремления, в какие произведения вылились его творческие поиски.

На выставке будут представлены эскизы и проекты мозаик Главного храма Вооруженных Сил России в парке «Патриот». Эта поистине титаническая работа заняла почти половину этих пяти лет.

Другой уникальный проект художника  –  творческий отчёт о поездке в Сирию, где он увидел последствия войны на древней библейской земле, нелёгкую жизнь Российской армии в самом средоточии конфликта, который на слуху у всего мира. Многометровое полотно о наших солдатах и офицерах, триптих «Сирийская земля» и бесценные натурные зарисовки позволят зрителю самому почувствовать вкус истории, которая творится прямо на глазах.

Значительная часть выставки посвящена пейзажной серии мастера «Рубежи России». На этот раз зрители увидят полотна, созданные во время уникальных путешествий художника в труднодоступные, но от этого ещё более манящие места России. Посетители выставки перенесутся на Камчатку, увидят вулканы и лавовые поля, вспомнят о легендарной «Земле Санникова», попадут на вершину Эльбруса, окажутся в тундре Новой Земли, лицом к лицу встретят обитателей Арктики и Тихого океана. А ещё Якутия, Белое море, Амурский Край!

Юбилейная выставка «О России с любовью», приуроченная к 55-летию художника и 35-летию его активной творческой деятельности. 

Место проведения: Выставочные залы Российской академии художеств (Москва, Пречистенка, 21).
Вход в здание музея возможен только при предъявлении QR-кода, а также документа, удостоверяющего личность.

Подробности о выставке можно узнать на сайте Российской академии художеств.


В Московской духовной академии открылась выставка «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных Сил Российской Федерации»

Дорогие друзья!

В Московской духовной академии открылась выставка «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных Сил Российской Федерации» народного художника России, академика, члена Президиума Российской академии художеств Василия Нестеренко.

В экспозиции впервые собраны эскизы росписей храма, которые рассказывают о творческом поиске художника Василия Игоревича Нестеренко.

Выставка «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных Сил Российской Федерации» открыта до 22 января 2022 года. Она доступна для осмотра на административном этаже Академии. 

Предлагаем посмотреть видео с открытия выставки «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных Сил Российской Федерации».

Подробнее о выставке вы можете узнать на сайте Московской духовной академии.


Выставка «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных сил Российской Федерации» в Орле

Дорогие друзья!

С 8 по 26 сентября 2021г. в БУК ОО «Областной выставочный центр» будет проходить выставка «Эскизы росписей Главного храма Вооруженных сил Российской Федерации». Автор экспозиции – Народный художник России, Академик, член Президиума Российской академии художеств Василий Игоревич Нестеренко. Посетители смогут увидеть 20 картин выдающегося русского художника. В 2018 году Василий Игоревич Нестеренко начал большую работу над эскизами к храму Вооруженных сил Российской Федерации. Храм построен в честь Воскресения Христова и посвящен 75-летию Победы в Великой Отечественной войне, а также – ратным подвигам русского народа во всех войнах. Стены храма украшены росписями с батальными сценами из военной истории и текстами из Священного писания. При изготовлении мозаичных панно использовались кусочки стеклянной смальты. Образ Спаса Нерукотворного в центральном куполе храма – самое большое изображение лика Христа, выполненное в мозаике. В главном храме Вооруженных сил стараниями Василия Нестеренко и его собратьев по цеху написана величественная повесть об исторической судьбе страны. Божьей милостью и творческим озарением создан удивительно гармоничный ансамбль.

Подробности о выставке можно узнать на сайте «Областного выставочного центра»и на сайте Российской Академии Художеств.

В Туле представят пейзажи Василия Нестеренко

Дорогие друзья!

4 августа 2021 года в ГУК ТО «Тульское музейное объединение» в Выставочном зале Тулы состоится открытие новой экспозиции «Василий Нестеренко. Живопись».

Туляки и гости города увидят 24 пейзажа Василия Игоревича, выполненных в период с 1993 по 2011 год.

Выставка работает по 31 августа 2021 года, возрастная категория: 0+

Подробнее о выставке можно узнать на официальном сайте музея и в соц.сетях музея – ВКонтакте, 

Фотоотчет с открытия выставки «О, русская земля!»

Дорогие друзья!

1 апреля состоялось торжественное открытие выставки «О, русская земля!» Народного художника России Василия Нестеренко в Мордовском республиканском музее изобразительных искусств им. С.Д. Эрьзи. Выставка будет проходить в музее до 30 мая 2021 года.

Предлагаем вам посмотреть как прошло открытие выставки «О, русская земля!» в репортажах местного телевидения на YouTube канале Василия Нестеренко.

А так же посмотреть фотографии с открытия выставки и подробно ознакомиться со всеми деталями в статье на официальном сайте музея изобразительных искусств им. С.Д. Эрьзи.



 

ВЫСТАВКА «О, РУССКАЯ ЗЕМЛЯ!» 

Дорогие друзья!

С 1 апреля по 30 мая в Выставочном зале МРМИИ им. С.Д. Эрьзи (г. Саранск, ул. Советская, 29) будет работать персональная выставка народного художника России, действительного члена Российской академии художеств Василия Нестеренко. Около пятидесяти картин Василий Игоревич отобрал для саранского зрителя, и все они пронизаны единым чувством любви к Родине, восхищения славной историей России, красотою её бескрайних просторов, преклонения перед талантом россиян. Патриотизм автора подчёркивается названием выставки – «О, русская земля!». Она организована совместно с Московской государственной картинной галереей Василия Нестеренко.  

Подробнее о выставке можно узнать на сайте «Мордовского республиканского музея изобразительных искусств им. С.Д. Эрьзи».


ХУДОЖЕСТВЕННО-ПРОМЫШЛЕННАЯ ВЫСТАВКА-ФОРУМ «УНИКАЛЬНАЯ РОССИЯ»

Дорогие друзья!

С 28 января по 14 февраля 2021 года в Выставочном центре «Гостиный двор» состоится Художественно-промышленная выставка-форум «Уникальная Россия».

На выставке будут представлены более 30 фото и арт-проектов: живопись, скульптура, архитектура, декоративно-прикладное искусство, народные художественные промыслы, ювелирное и православное искусство, антиквариат.

Первая неделя будет представлена обсуждению уникальности России, как страны и как цивилизации.

Вторая неделя представлена социальными программами и проектами российских корпораций и некоммерческих организаций.
Третья неделя – показ мод российских модельеров и концертная программа о России.

Подробнее о художественно-промышленной выставке-форуме можно узнать на официальной сайте выставки «Уникальная Россия».



ВИРТУАЛЬНАЯ ПАНОРАМНАЯ ЭКСКУРСИЯ ПО ЮБИЛЕЙНОЙ ВЫСТАВКЕ ВАСИЛИЯ НЕСТЕРЕНКО «НАША СЛАВА – РУССКАЯ ДЕРЖАВА!»


Дорогие друзья!

В 2017 году в Москве в Манеже прошла юбилейная выставка народного художника России, члена Российской академии художеств Василия Нестеренко «Наша слава – Русская держава!», приуроченная к 50-летию художника и 35-летию его творческой деятельности.

На выставке было представлено более тысячи работ – исторические и батальные сцены, портреты, пейзажи, храмовая роспись.

Мы приглашаем всех желающих посетить виртуальную панорамную экскурсию по юбилейной выставке Василия Нестеренко «Наша слава – Русская держава!» в Манеже.

 

3D ВЫСТАВКА «НУ ЧТО ТЕБЕ СКАЗАТЬ ПРО САХАЛИН?»

Дорогие друзья!

В центральном офисе Страхового Дома ВСК размещена персональная выставка народного художника России, академика Российской академии художеств Василия Нестеренко. Вставка под название «Ну что тебе сказать про Сахалин?».

Экспозиция включает в себя цикл пейзажей сделанных по мотивам поездки Василия Игоревича на Сахалин и Курилы.

Выставка воссоздана в 3D формате.


ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ «Я ТАК ХОЧУ УВИДЕТЬ МОРЕ..!»

Дорогие друзья!

5 ноября в Ростовском областном музее изобразительных искусств состоялось торжественное открытие персональной выставки Василия Нестеренко «Я так хочу увидеть море..!».

Посетить выставку в Ростовском музее можно с 6 ноября по 2 декабря 2020 года. 

Выставка «Я так хочу увидеть море..!» познакомит всех желающих с вдохновляющими пейзажами народного художника России, Академика Российской академии художеств Василия Игоревича Нестеренко.
Пейзаж — наряду с другими жанрами является одним из аспектов творчества Василия Нестеренко.
Как прекрасно море в любое время года, море бывает спокойным или буйным, теплым или холодным, сдержанным или диким. Вода одна из четырех стихий с огромной силой и мощью. Все это можно увидеть в картинах Василия Нестеренко.

Подробную информацию о проведении выставки и музее, вы можете узнать на сайте Ростовского областного музея изобразительных искусств.



В рамках Дней Москвы в Нижегородской области выставка Василия Нестеренко «О, Русская земля!»


г. Нижний Новгород

Художественная выставка «О, Русская земля!» представляет творчество выдающегося современного живописца действительного члена Академии художеств РФ, народного художника РФ Василия Игоревича Нестеренко.  Выставка организована в программе празднования Дней Москвы в Нижегородской области, она представляет более сорока полотен художника.


 Василий Нестеренко пишет в реалистической манере русской классической живописи и работает в разных жанрах. И прежде всего он является мастером больших сюжетно-тематических картин, посвященных важнейшим событиям истории России. Масштаб и значимость  этих событий автор подчеркивает поразительными форматами своих программных полотен, мастерством изображения героев в динамике реальной жизни. Исторические события и герои, благодаря профессиональным качествам художника, оказываются со зрителем в одном временном измерении. Героическое прошлое становится достоверным и осязаемым.

Картины В.И. Нестеренко несут в себе большое идейное, патриотическое, духовное содержание. Они посвящены истории православной  святости, подвигам русского оружия, завоеваниям великих правителей. При их созерцании происходит углубление в историю, в осознание ее сложностей и противоречий, величия исторических героев, могущества властителей России и привлекательности простых людей.

География выставок В.И. Нестеренко обширна. В Нижнем Новгороде его выставка состоится уже во второй раз. Зрительский интерес к его творчеству необычайно высок.


   
«Игумен земли русской», 265х200 см,

холст, масло, 2005 г.
 Образ Спасителя в терновом венце,
70х55 см, дерево, масло, 2000 г.
       
«Монашеское благословение», 
240х160 см, холст, масло, 2016 г.
 » Алена», 190х110 см, холст, масло,
1994

Выставка произведений Василия Нестеренко «Россия. Исторические и духовные рубежи»
г. Калуга 

Василия Игоревича Нестеренко называют «художником русской идеи», проводником русского и православного в современное общество нашей страны и мира в целом. Его картины глубоко патриотичны, пронизаны любовью к России, к ее удивительной природе, историческим памятникам и святыням. Это яркий мастер, обладающий многогранным талантом, индивидуальностью, созвучной современности. Будучи художником классического направления, имея полное академическое образование, он смело берется за крупномасштабные произведения в различных жанрах. В списке его работ исторические полотна, храмовые росписи, портреты, пейзажи натюрморты. Каждая его работа уникальна и, как отмечают зрители, дарит мощную положительную энергетику.

Вниманию калужских зрителей будут представлены полотна, отражающие природу Дальнего Востока и Алтая, частично вошедших в цикл «Рубежи России», а также новый цикл работ «Сирийская земля».
Как известно, произведения художника отражают его внутренний мир. Что значит для Василия Нестеренко любить свою Родину? Всем своим творчеством он отвечает на этот вопрос: любить свою страну — это значит знать ее историю, географию, уважать и любить народ, населяющий ее. Кроме удивительных пейзажей Сахалина и Алтая, на выставке «Россия. Исторические и духовные рубежи» представлены портреты, запечатлевшие образы русских людей — «Хранитель Алтая», «Наедине с собой», триптих «Эхо прошедшей войны». В триптих «Эхо прошедшей войны» вошли картины «Непокоренный» с изображением героя Великой Отечественной войны 1941-1945 гг. Юрия Александровича Фомичева, прошедшего под огнем от Сталинграда до Кенисберга и «Сестра милосердия» с изображением отважной медсестры Лидии Сергеевны Бушуевой. Триптих «Эхо прошедшей войны» – это поклонение художника героям минувшей войны.
Дань защитникам интересов России в настоящее время автор воздал в цикле картин «Сирийская земля», размещенных в отдельном зале музея. Художник получил уникальную возможность узнать о войне в 
Представленные на выставке произведения талантливого художника Василия Нестеренко позволяют ощутить связь времен и поколений нашей страны, осознать величие и масштабы России, проникнуться ее героическим духом и глубочайшей национальной духовностью.

                                        
Сестра милосердия, 250х170 см,
холст, масло, 2010 г.
  Наедине с собой,180х100 см,
холст, масло, 1995 г.
  В горах Сахалина, 150х110 см,
холст, масло, 2010 г.
       
Русский Шикотан, 250х180 см,
холст,  масло, 2010 г.
 
 Бия, 150х270 см,
холст, масло, 2017 г.
  Хранитель Алтая, 150х270 см, 
холст, масло, 2017 г.
                             
Древняя Пальмира, 260х180 см,
холст, масло, 2017 г.
  Возвращение к жизни, 270х190 см, 
холст, масло, 2017 г.
  Новая Пальмира, 260х180 см
холст, масло, 2017 г.

Выставка живописи Василия Нестеренко «Море…»

Выставочный зал «Домик Чехова»
10 июля 2018 г. — 14 октября 2018 г.

Василия Нестеренко знают как выдающегося мастера монументальных исторических полотен и храмовых росписей. Он восстанавливал изображения во вновь отстроенном Храме Христа Спасителя в Москве, его кисти принадлежат росписи в Успенском Кафедральном соборе в Дмитрове, в Храме Пантелеймона Целителя на Афоне, в залах Иерусалимской Патриархии, в Храме Живоначальной Троицы на Борисовских прудах, в недавно построенном Храме Святого Праведного воина Феодора Ушакова в Южном Бутово др. Широко известен художник и как создатель военно-исторических картин. Такие полотна как «Отстоим Севастополь!», «Мы русские – с нами Бог!», «Гибель нашествия», «Избавление от смуты» и новейшее «Письмо недругам России» стали знаковыми в жизни страны. 

Однако Василий Нестеренко также тонкий и чувствительный лирик, поэтически воспринимающий действительность. Он может неожиданно удивить зрителей нежным пейзажем или проникновенным портретом. 
В этот раз в Выставочном зале «Домик Чехова» на Малой Дмитровке автор делает зрителю замечательный подарок: подборку картин с изображением моря. Море у него разное: теплое и холодное, соленое и пресное (наше славное море Байкал), спокойное и штормящее, святое и обычное, ласковое и кроткое… Любовь к морю у художника особая, внутренняя стихия творца очень близка к стихии воды. Картин с изображением моря у Василия Нестеренко большое количество. Самые первые его работы были посвящены Черному морю, Крымскому полуострову, в Америке он писал омывающие ее океаны, поездки по Европе добавили виды Средиземного, Северного и Балтийского морей, затем последовали пейзажи Афона, с омывающим его Эгейским морем. После поездок по Сибири и Дальнему Востоку он изобразил Тихий океан, Охотское и Берингово море, потрясающую красоту Байкала.  На эти картины, как и на морскую стихию, можно смотреть бесконечно…

         
На дальних рубежах, 150х270 см,
холст, масло, 2009 г.
  Курильский залив, 130х200 см,
холст, масло, 2009 г.
  Стражи Сахалина, 130х230 см
холст, масло, 2009 г.
         
Майорка, 150х250 см,
холст, масло, 2016 г.
  Остров Корфу, 45х65 см,
холст. масло, 2003 г.
  Тихий океан, 180х280 см,
холст, масло, 2015 г.

Выставка «Василий Нестеренко. Живопись»
г. Новосибирск
С 18 мая по 5 августа 2018 г. в Новосибирском государственном художественном музее пройдет выставка работ Народного художника России, академика Российской академии художеств Василия Нестеренко.
Россия – главная и любимая тема творчества Василия Нестеренко. На выставке будут представлены живописные произведения мастера, написанные в разные периоды и в разных жанрах. Это — исторические полотна, картины духовного содержания, портреты наших современников. В экспозицию вошли такие известные картины как «Клятва князя Пожарского», «Молитва Сусанина», посвященные эпохе Смутного времени, цикл «Времена года», портреты Василия Ланового и Святослава Бэлзы.
Одновременно с этим в залах Новосибирского государственного художественного музея будут представлены картины Василия Нестеренко, написанные им в зарубежных поездках. Часть из них относится к периоду обучения и стажировке в Америке, часть – к тому времени, когда мы после 70-летнего перерыва вновь получили возможность свободно путешествовать по Европе. Отдельный зал будет посвящен святому для всех Православных людей месту – Афону, земному уделу Богородицы.
                                  

Клятва Князя Пожарского, 260х196 см,
холст, масло, 2008

 

Молитва Сусанина, 270х200 см,
холст, масло, 2009

     
   

Заокские дали, 150х200 см, холст,
масло, 2002

 
 

Утро на Афоне, 72х110,
холст, масло, 1998


Выставка «Женщины России. красота, любовь и верность»

г. Москва, выставочный зал «Домик Чехова»

В выставочном зале «домик Чехова» начала свою работу новая экспозиция  работ Василия Нестеренко «Женщины России. Красота, любовь и верность». Выставка посвящена прекрасному облику русской женщины и всему тому, что ассоциируется с ней: нежности, духовности, природе, началу весны. Приглашаем вас посетить выставочный зал «Домик Чехова» и окунуться в спокойную умиротворяющую красоту живописи Василия Нестеренко.


                          
   Весна, 90х110 см, холст, масло, 2010
 
  Русская Мадонна, диаметр 150 см, холст,
масло, 2005
                                       
Полевые цветы, 150х110 см, холст,
масло, 2008
  Алена, 190х110 см, холст, масло, 1994

Выставка «Русская зима»

г. Москва, выставочный зал «Домик Чехова»
08.02.2018 — 11.03.2018

Выставка произведений народного художника России Василия Нестеренко «Русская зима» посвящена красоте родной природы в зимнюю пору.
Мастер известен как приверженец реалистического направления в живописи. Его пейзажи, выполненные на высочайшем профессиональном уровне, духовно наполненные, воздействуют на зрителя исподволь, но мощно, пробуждая глубинные чувства и забытые эмоции. Талант и мастерство художника заключены в том, что он умело схватывает момент и ракурс того или иного природного явления и воссоздает это редкое состояние природы на полотне, давая возможность зрителю ощутить себя присутствующим в том месте, где это происходит. Картины никого не оставят равнодушным, виды природы России прекрасны в любое время года, а зимние особенно волшебны и чарующи.
Для зрителя, знакомого с творчеством Василия Нестеренко это будет радостная встреча, давно ожидаемая и желанная. Те же, кто увидит картины впервые, откроют для себя новый источник радости и вдохновения

                             
Зимний багрянец, 150х200 см,
 холст, масло, 2003
  Солнце на соснах, 150х110 см,
холст, масло, 2003
     
Канун Рождества, 84х70 см,
холст, масло, 1999
  Студеный закат, 60х90 см, холст,
масло, 2003

«Персональная выставка Василия Нестеренко»

г. Москва, зал культурного центра Академии ФСБ РФ
21.02.2018 — 23.03.2018
«Сирийская земля» выставка произведений Василия Нестеренко, выполненных по итогам творческой командировки в Сирийскую Арабскую республику.

г. Москва, выставочный зал «Домик Чехова»
06.12.2017 — 06.02.2018


Триптих «Сирийская земля», холст, масло, 2017 г.

В выставочном зале «Домик Чехова» на Малой Дмитровке будут выставлены масштабные полотна Народного художника Российской Федерации, академика Российской академии художеств  Василия Нестеренко, выполненных им по итогам творческой командировки в Сирийскую Арабскую республику.
Выставка называется «Сирийская земля» и является особенной среди мероприятий, проводимых Московской государственной картинной галереей Василия Нестеренко. Эта выставка – о войне. О той войне, которая совсем недавно прошла по Сирии и где все еще несут свою тяжелую службу наши солдаты.
Василий Нестеренко получил уникальную возможность узнать об этой войне не из привезенного материала и не со слов побывавших там людей, а увидеть все своими глазами. За время, которое было ему предоставлено Министерством обороны, он сумел побывать в освобожденных городах, где только начинает налаживаться мирная жизнь и куда возвращаются люди, пожить в гарнизонах с нашими военными, прочувствовать их нелегкую повседневную жизнь. Он смог уговорить командование разрешить ему участвовать в полете в дальний гарнизон, который располагался непосредственно на границе с позициями ИГИЛ и где шли боевые действия. Там и родилась идея центральной картины этой выставки «Письмо недругам России». Эта картина напоминает нам о знаменитой картине И.Е.Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». Разное время, разные персонажи, а враги у России все те же. И меньше их не становится. И как в былые времена воюют с ними представители всех народов нашей страны.
Побывал художник и в жемчужине Востока – многострадальной Пальмире. Этот варварски разрушенный древний город предстанет перед зрителем в триптихе «Сирийская земля». Мы увидим, что стало с древним полисом и во что превратили бандиты новый современный город, построенный рядом.
Помимо этих монументальных полотен на выставке будут представлены другие работы мастера, написанные, благодаря впечатлениям, полученным в результате этой опасной, но интересной командировки.


Василий Нестеренко, «Письмо недругам России», 270х500 см, холст, масло, 2017 г.


Василий Нестеренко, триптих «Сирийская земля», холст, масло , 2017 г. Правая часть «Древняя Пальмира», 260х180 см, центральная часть «Возвращение к жизни» 270х190 см, «»Новая Пальмира», 260х180 см.

Выставка произведений народного художника РФ Василия Нестеренко «Василий Нестеренко. Пейзажи»

г. Москва, выставочный зал «Домик Чехова»
01.11.2017 -03.12.2017

Василий Нестеренко непревзойденный мастер пейзажа. Зрители имеют замечательную возможность насладится великолепными видами Русского Севера в пору белых ночей, знойными крымскими пейзажами, городскими зарисовками, сделанными в зарубежных поездках и изображениями православных мест.

                         
«Вид на деревню Малы под Изборском»,
 70х140 см, холст, масло, 1995 г.
  «Белые ночи. Великий Устюг»,
 50х70 см, холст, масло, 1988 г.
   «Старый Гурзуф», 44х70 см,
 холст, масло, 1989 г
         
«Подмосковное лето», 70х84 см,
холст, масло, 1997 г.
  «Осень в Псково-Печорском монастыре»
70х85 см, холст, масло, 1995 г.
  «Солнечная терраса», 65х80 см, 
холст, масло, 2001 г.


Выставка произведений народного художника РФ Василия Нестеренко «Россия. История и современность»

г. Майкоп, Северо-Кавказский филиал Государственного музея искусства народов Востока
12.10.2017 — 06.11.2017


Россия — главная тема творчества Василия Нестеренко. Всю силу своего таланта он направляет на создание многомерного образа Родины. На двух этажах здания Северо-Кавказского филиала музея Востока размещено более 50 живописных и графических работ, написанных художником в разные периоды и в различных жанрах, повествующих о России как о государстве: с ее историческим прошлым и настоящим, уникальной природой и людьми. Василий Игоревич Нестеренко является общепризнанным лидером современного искусства. Его творчество реалистично и правдиво. Оно заслуженно пользуется большим спросом у зрителей, так как мощно воздействует на душу и разум, заставляя ощутить философское звучание бытия, почувствовать принадлежность к своей стране, ощутить патриотический подъем и сопричастность с миром. Оно востребовано не только в нашей стране, но и за рубежом, потому что повествует об общечеловеческих ценностях. С большим успехом Василий Нестеренко выставлялся в Америке, Франции, Японии, Китае и Ватикане. Проведение выездной выставки сопряжено с большими трудностями. но не смотря на это, Василий Нестеренко разместил в данной экспозиции два эпических полотна «Мы, Русские – с нами Бог!» и «Гибель нашествия», что наверняка будет оценено зрителями по достоинству. Не часто картины такого масштаба и такого содержания удается увидеть зрителям, не проживающим в столице. Также, из исторического цикла, демонстрируются полотна «Москва встречает героев Полтавы», «Молитва Сусанина», «Клятва князя Пожарского» и эскиз картины «Триумф Российского флота». Из портретов представлен экспрессивный и мощный «Владимир Маторин в роли Бориса Годунова», философский «Наедине с собой», новейший «Хранитель Алтая» и несколько других. Без сомнения наполнят зрителей восторгом пейзажи мастера. Их как всегда на выставках Василия Нестеренко много. Красота природы – любимейшая тема творчества художника. В целом, выставка призвана создать у зрителей обобщенный образ России, это рассказ о ее становлении, развитии и жизни сегодня, а также как можно полнее ознакомить с творчеством признанного мастера – народного художника России Василия Нестеренко. 

 Москва встречает героев Полтавы                                          Владимир Маторин в роли Бориса Годунова
 194х150 см, холст, масло, 1997 г                 260х185 см, холст, масло, 2004 г.
                                                                                      
Экспозиция полотен Василия Нестеренко, переданных в дар городу Москве в «Домике Чехова»
г. Москва, выставочный зал «Домик Чехова»
25.08.2017 — 29.10.2017

С 25 августа в выставочном зале «Домик Чехова» на Малой Дмитровке (д. 29 стр. 4) начала свою работу выставка произведений народного художника России Василия Нестеренко. В экспозицию вошли полотна, которые Василий Игоревич передал в дар городу Москве. Всего передано 36 предметов искусства. Это  и картины, которые не вошли в экспозицию, и эскизы росписей храмов, и картоны росписей. На выставке экспонируется часть переданной коллекции: триптих «Эхо войны», портрет патриарха Тихона, «Афонский Старец», «Монашеское благословение» и прекрасные виды Святой Горы Афон.

        
Монашеское благословение  Афонский старец     Святитель Тихон
240х160 см, холст, масло, 2016 г. 150х110 см, холст, масло, 1998 г. 110х90 см, холст, масло, 2001 г.

     
      

  

    Святая гора      Скит Святой Анны  Вид на Старый Русик
из Почаевской келлии
    170х125 см, холст, масло, 2016 г.  100х130 см, холст, масло, 1997 г.  70х50 см, холст, масло, 2016 г

   
    Ивирон Крещенский Снег на
Старом Русике
    Скит Старый Русик
 60х80 см, холст, масло, 2016 г.  150х220 см, холст, масло. 2016 г.  120х150 см, холст, масло, 1997 г.
 
 
 
    Вечерняя молитва     Берег спасения     Утро на Афоне
    140х230 см, холст, масло, 2016 г.     140х260 см, холст, масло, 2016 г.  72х110 см, холст, масло, 1998 г.

 

В Ярославле представили работы художника-монументалиста Бориса Анисимова- Яррег

В центральном зале Союза художников представили работы Бориса Анисимова.

Живопись, графика, картины на библейские сюжеты в необычной технике – рельефный рисунок акрилом… Экспозиция работ ярославского художника-монументалиста Бориса Анисимова – дань его памяти.

Борис Павлович ушел из жизни в 2018-м, в июне этого года ему исполнилось бы 70. К юбилею, который впервые отмечается без него, приурочена мемориальная выставка.

В выставочных залах на улице Максимова Ярославля поселились грусть и светлые воспоминания. 

– Если мастер живописи талантлив, его работы не пылятся в забвении на полке, а продолжают жить, радуя зрителя. Своим творческим трудом Борис Павлович создал яркие образцы искусства, выполнил ряд общественно значимых объектов не только в России, но и в Казахстане, где жил до 1996 года. Его монументально-декоративные произведения – мозаики, витражи, росписи, сграффито, гобелены – до сих пор украшают здания и интерьеры, являются частью культурного наследия соседней страны, – рассказывает председатель Ярославского отделения Союза художников России Александр Александров.

Борис Павлович был не чужд философии. Он размышлял о природе человеческой цивилизации и развитии мировой культуры, как видно из его работ в технике горячей эмали. Особенно впечатляет созданный в соавторстве с Игорем Трейвусом цикл «Библейские сюжеты». 

Вечные истины прочитываются в произведениях, выполненных путем наложения рельефных изображений акрилом.

Борис Анисимов родом из Новосибирска. Он окончил Алма-Атинское художественное училище по специальности «театральный художник», а затем знаменитую Строгановку по направлению «монументально-декоративная живопись». 

Работал в Казахстане, но в середине 1990-х с семьей переехал в Россию, где ему пришлось, по сути, начинать свой творческий путь с чистого листа. И он подтвердил свой высочайший профессионализм: вошел в правление Ярославской областной организации Союза художников России, неоднократно участвовал в выставках самого высокого уровня. В качестве востребованного дизайнера создал свою студию, стал лауреатом Российской национальной премии «Виктория» и победителем Всероссийской выставки-конкурса «Дизайн- 2003».

– Он обладал безупречным вкусом, был тонким, вдумчивым художником. Работал в разных направлениях искусства, занимался интерьерами. Многолетний опыт, талант и эрудиция Бориса Анисимова позволяли ему блестяще решать масштабные художественные задачи. Сосредоточившись на проектной деятельности, Борис Павлович не прекращал работать творчески – в станковой графике и горячей эмали. Мне посчастливилось быть близко знакомым с ним и его семьей, и меня увлекали его творческие проекты, радовали его человеческие качества. Нельзя было не восхититься его редким самообладанием и хладнокровием, – делится Александр Александров.

С ним любили работать архитекторы, считая высоким профессионалом, обладателем «абсолютного слуха» на цвет и форму, на целостность компоновки элементов интерьера и в итоге – на гармонию и красоту. И не случайно в восстановлении уникального памятника архитектуры – замка Понизовкиных в поселке Красный Профинтерн – есть и его заслуга.

А для Марии, Евгении и Александры Анисимовых он был самым дорогим человеком на свете.

– Отец был нашим преданным другом, примером во всем. Талантливый художник, успешный дизайнер и уважаемый человек, он вкладывал душу и знания в каждую работу и в нас – его дочерей, – говорит Александра Анисимова. 

Фото Анны Соловьевой

Посмотрите на новые работы стрит-художников на улицах Тюмени — Strelka Mag

В июле в Тюмени в четвертый раз прошел фестиваль уличного искусства «Морфология улиц». Его темой стала синестезия — феномен, при котором сигналы разных органов чувств смешиваются между собой. Например, музыка приобретает цвет. В этом году художники создали в городе целый арт-квартал. Strelka Mag рассказывает как снова изменились тюменские улицы.

 

Панно из серии «Архитектура»

До того, как стать мозаичистом, Светлана Растебина была архитектором. Потом она основала свою студию Rastebina, а в 2019 году сделала панно для фестиваля Burning Man. Художница создала первую мозаику в истории «Морфологии улиц».

В произведении Светлана с помощницей Марией Шахрай сделали упор на цветовую гамму. Таким образом работа соотносится с темой фестиваля «Синестезия». Мозаика выполнена в градациях ультрамаринового цвета. По словам художниц, для них этот цвет обозначает море, небо и чистоту.

 

Ласка

Произведения московской художницы Антонии Лев можно увидеть в разных городах России, Грузии и Великобритании. «Я задумывала, что моя работа будет находиться в ласковых отношениях с окружающей средой», — говорит Антония. Прежде чем начать рисовать, художница изучила Тюмень по Google-картам и собрала информацию о том, какие цвета доминируют в окружении рисунка.

Вместо привычных для себя кислотных цветов Антония использовала теплые кремовые оттенки. Надписи и квадраты на рисунке перекликаются с городскими вывесками и рекламой. «Эта стена должна эмоционально смягчать людей, проходящих мимо. Мне бы хотелось, чтобы в их душе возникало чувство ласки, которого многим из нас не хватает», — объясняет художница.

 

работа Ивана Симонова

Московский художник Иван Симонов рисовал на Бали, в Стамбуле, Праге, Санкт-Петербурге и Калининграде. В его работах соединяются традиции уличного искусства и фотографии.

В рамках «Морфологии улиц» Иван создал трехчастный рисунок на заброшенном ларьке. Когда-то сооружение было остановкой, но затем рядом построили новую станцию. Старый павильон превратилась в ларек с прессой, а последние десять лет не используется. Рядом с бывшей остановкой собираются местные жители, чтобы выпить, пообщаться и обсудить районные новости.

«Район считается криминальным и в основном тут неблагополучные группы граждан. Многие из прохожих говорили “о, да это же Серега” или “о, да это же Ванек”», — рассказывает художник.

Вторая сторона объекта изображает персонажа, которого, как говорит Иван, «ласково и с любовью прозвали “бичара”». Греческое слово «синестезия» состоит из двух основ: «ощущение» и «вместе». Художник интерпретирует это понятие как необходимость единения и пытается найти точки соприкосновения, объединяющие разных людей. «Как сказал один из местных постоянных зрителей: “Правильно, бичары что же, не люди? Люди!”» — делится Иван.

 

мурал в переходе

JON — уличный художник из Калининграда, работавший в Екатеринбурге, Питере, Кронштадте, Москве, Берлине и Барселоне. Его мурал основан на феномене сенсорной перегрузки, когда органы чувств слишком активно стимулируются окружающей средой.

Изображение моря контрастирует с центральной частью работы. По задумке художника, сначала зритель погружается в спокойное состояние. «Взгляд пробегает по морскому пейзажу, затем останавливается на главной части, где находится кульминационная сцена с яркими цветами, нагромождением фигур и элементов, символизирующих перегрузку», — объясняет JON.

 

Фуга

Валентин Бобров родился в Челябинске, его произведения можно увидеть в Челябинске, Ростове-на-Дону, Санкт-Петербурге и Нижнем Новгороде. Уже 10 лет он рисует под псевдонимом «5307».

Работа 5307 представляет собой визуализацию музыкальной формы. Художник изобразил хроместезию — вид синестезии, при котором перед глазами человека от услышанных звуков непроизвольно возникают цвета.

 

Вечера

Илья Мозги — уличный художник из Шадринска. Участвовал в фестивалях «Стенограффия» и «Карт-бланш» в Екатеринбурге, «Место» в Нижнем Новгороде, Urban Morfoginezis в Москве.

Илье досталось пространство в одном из многоэтажных дворов Тюмени. Опираясь на воспоминания из детства, Илья воспроизвел маркеры эпохи 90-х: cоседей на лавке, звуки хитов русской эстрады из припаркованной «девятки». Центральная часть работы — название песни «Как упоительны в России вечера» группы «Белый орёл».

Главный символ 1990-х на мурале — музыкальный проигрыватель для персонального компьютера «Winamp 1», который выпустили в июне 1997 года. Программа перестала обновляться в 2018 году. «Юность закончилась с эпохой Winamp’a», — говорит художник.

 

Без названия

Оля INEY создает картины, фанерные панно и муралы в контрастной и насыщенной цветовой палитре. Для «Морфологии улиц» художница расписала один из корпусов Тюменского Индустриального Университета. Площадь работы составила 425 квадратных метров.

«Меня вдохновляет архитектура: авангард, конструктивизм, советский модернизм и другие близкие по стилю направления», — рассказывает Оля. Прежде чем приступить к эскизу, художница собрала информацию про архитектуру Тюмени. Вдохновившись городом, Оля смоделировала пространство, составленное из ярких геометрических форм с искаженной перспективой. Вглядевшись в абстрактный паттерн, можно увидеть двери, балконы, облицовочный кирпич, крыши, лестницы и форточки на окнах.

 

Долбёжка

Андрей Давыдов работает под псевдонимом Снег и мечтает открыть в Тюмени мастерские для художников. Он участник уличного фестиваля Вечерний Urban и бывший волонтер «Морфологии».

На работе Андрея изображен парящий дятел. «Думаю, что многим знакома теория про 10 000 часов. Чтобы стать профессионалом в какой-либо сфере, вам нужно запастись терпением примерно на этот промежуток времени. Дятел прежде всего птица. А значит, кроме стучания в одну точку, эта птица ещё может летать. Ей не стоит забывать про крылья. Мне кажется, что мы допускаем ошибку, когда идентифицируем себя только через профессиональную деятельность. Жизнь шире, глубже и богаче», — объясняет художник.

 

Смешанные чувства

Подольский художник Роман Kreemos рисует на улицах уже 13 лет. Его работы отличаются использованием типографики и геометрических композиций.

Работа Романа посвящена чувствам, которые человек не всегда может проанализировать. В таком состоянии находится героиня мурала. «Неизвестно, кто она и в какой именно момент жизни мы её застали. Это визуальная метафора чувственного восприятия. Поза закрыта, чувства, представленные шрифтовой композицией, обволакивают ее и отворачивают от внешнего мира», — рассказывает художник.

 

Оборачиваемость

Иван АСТРО — уральский художник, живущий и работающий в Москве. Его муралы находятся в Германии, Финляндии, Индонезии, Таиланде, Израиле.

Эскиз его работы создавался в паре с другим участником фестиваля Романом Kreemos (его мурал расположен на улице Северной, 9). Хоть нам и не удалось сделать работы рядом, они сохранили связь. Я испытал удовольствие, отвлекаясь от строгой абстракции и вновь обращаясь к живописному фигуративу», — рассказывает про свой мурал Иван.

 

Такая тишина, что хочется шептать

На работе художницы Александры Мельниковой для «Морфологии улиц» изображен затерянный в городе сельский домик в окружении сада на фоне заката. Этот образ должен служить напоминанием об истоках первого сибирского города и фразе «Тюмень — столица деревень».

«Ещё десятилетие назад это было даже обидно, не дотягивал город до современных городских стандартов качества, а сейчас звучит очень трогательно. Это сельский ренессанс», — говорит Любовь.

В окнах видны шторы в горошек, а во дворе стоит сельская пара, которая вышла во двор за малиной к вечернему чаю после работы. Домик огорожен характерным для Тюмени зеленым забором, на который нанесены рисунки и надписи — это намек на расцвет уличного искусства в городе. Этот элемент также представляет собой отсылку к тюменскому деревянному зодчеству и городскому наличнику.

«Жизнь в таком домике в наше время — настоящая романтика, в окружении вишни, с растущим во дворе базиликом, мятой и неспешными разговорами на закате по вечерам. Больше не нужно заниматься сенокосом или заводить хозяйство. Село — это символ тесной связи с природой. Это тишина, шелест листьев, пение птиц», — объясняет Любовь.

 

муралы-тотем

Алина и Стёпа Айфо — уличные художники из Екатеринбурга. Они создают в уличном пространстве муралы-тотемы, которые встречаются в городах России и Израиля. Работы Алины и Стёпы завершили арт-квартал на улице Северной.

«Во время пандемии получил популярность формат альтернативных показов мод, рассчитанных на онлайн-зрителей. Некоторые из этих событий представляют собой настоящие произведения искусства. Эти мероприятия вдохновили нас на создание новой серии работ», — рассказывают художники.

Мурал в Тюмени состоит из четырех частей: первая и третья называются Parade MMXXI и связаны с одноименным показом Celine, вторая и четвертая носят имя Jungle red — так называлась коллекция Moschino.

 

мурал на основе 3D-сканов

Московский уличный художник Никита Ходак рисует в жанре urban contemporary art. В своем творчестве он использует машинное обучение, печать и AR-анимацию. Работы Никиты можно увидеть в городах России, Финляндии, Испании и Германии.

Тюменский мурал создан на основе 3D-сканов людей, обработанных нейросетью. Рисунок является маркером для запуска AR-анимации, её можно увидеть в приложении Artivive, наведя камеру телефона на произведение.

Третьяковка воспроизвела уничтоженные работы художника Юрия Пименова

Третьяковская галерея откроет осенний сезон большой персональной выставкой Юрия Пименова, где, конечно же, будет выставлена его самая известная работа «Новая Москва», изображающая почти ренуаровскую девушку за рулем кабриолета.

Настоящим открытием проекта станут работы, которые художник собственноручно уничтожил. Теперь их воспроизведут на металле по фотографиям 1920-х годов.

Всего на выставке представят более 170 произведений: 85 живописных картин, а также графику, афиши и мультимедийную инсталляцию с изображением гигантского панно, которое некогда произвело фурор в Нью-Йорке.

Поразительно, но это первая персональная выставка прославленного живописца, сценографа, писателя и педагога Юрия Пименова в Третьяковской галерее. Музей, что называется, созрел, чтобы по-новому прочитать творчество этого легендарного автора, любимого как советской, так и современной публикой. Проект откроется 8 сентября и простоит аж до 9 января, чтобы его успели посетить все желающие. Выставку  открыли бы и на большой срок (масштабная и готовилась долго), но графику нельзя показывать более четырех месяцев.

– Пришел момент, когда мы достигли такого уровня знаний про советский период, что можем не делить его на черное и белое, – говорит директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова. – После серии выставок, посвященных периоду оттепели и застоя, мы начала по-другому писать и исследовать советское искусство. Мы иначе относимся и к творчеству Пименова. Созрела кураторская мысль.

Юрия Пименова широкая публика знает по картинам, наполненным светом и легкостью, нотками французского импрессионизма, такова и его «Новая Москва» (1937 год). Однако Пименов, в отличие от многих других художников, очень полярный автор.

Его творчество можно разделить на три периода. До второй половины 1920-х годов он близок к авангарду, его живопись наполнена экспрессией, контрастными цветами, фигуры угловаты и графичны. Но в 1931-м художник переживает переломный момент, после которого его стиль резко трансформируется. Тогда его художественный язык становится совсем другим – в нем появляется тот самый свет, романтизм, легкость и радость.

В 50-60-х он снова меняется – в его творчестве больше плакатности, при этом в фокусе его зрения все равно главное – человеческий подход к сюжету: он пишет то, что волнует всех и каждого. Даже путешествуя по Италии, он рисует не пейзажи, а людей, причем так, чтобы мотивы были созвучны сознанию того времени – периода застоя, когда надежда на светлое будущее, появившаяся в годы оттепели, померкла.

– Пименов все время менялся, отражая эпоху в тот самый момент, когда он пишет, – продолжает рассказ Трегулова. – Трудно представить, что это автор «Новый Москвы» в 23 года написал картину «Даешь тяжелую индустрию», представленную на Венецианской биеннале. Она стала самым ярким отражением второй половины 1920-х годов – эпохи индустриализации. А потом произошел возврат к фигуративности. Он раньше многих отреагировал на мировую тенденцию ухода от авангарда в реалистическое искусство, еще до того, как был закрыт ОСТ (Общество художников-станковистов) постановлением ЦК ВКП(б) 1932 года. Пименов входил туда, как и Дейнека, и тоже ушел еще до роспуска объединения.

Однако после радикального творческого переворота художник стал уничтожать свои ранние работы. Он даже забрал многие из музеев, предложив взамен новые. Всего было уничтожено 12 произведений, в основном это были масштабные панно. 8 из них будут воспроизведены на металле специально для персональной выставки в Третьяковке по фотографиям из старой прессы и каталогов. Благо, такие документальные материалы сохранились, поскольку творчество Пименова во все времена приковывало внимание публики, им восхищались, его ругали, но о нем всегда говорили.

Особый раздел выставки будет посвящен панно размером 9 на 14 метров, которое было представлено на международной выставке в Нью-Йорке 1939 года. Тогда панно вызвало большой резонанс, однако оно служило скорее фоном для модели проекта Дворца Советов Бориса Иофана. Дворец со 100-метровой фигурой Ленина наверху должен был стать центром новой советской Москвы и самым высоким зданием в мире (высотой 415м). Его планировали возвести на месте взорванного храма Христа Спасителя.

Панно Пименова после выставки в Нью-Йорке показывалось лишь однажды – в 1994 году в Русском музее, где оно хранится в фондах по сей день. По состоянию сохранности его невозможно привезти в Москву, но сотрудники петербургского музея сделали детальную фото- и видеосъемку, на основе которой создан фильм. Его и покажут в Третьяковке.

Помимо этого будет представлена графика, плакаты, иллюстрации и театральные эскизы Пименова. Он с юности «болел» театром и всю жизнь работал как театральный художник, сотрудничая с разными сценами по всей стране. Это не столь известная, но очень важная страница его творческой биографии. Он также работал в кино. Особо ценным экспонатом выставки станет афиша к фильму «Пышка» – дебютной картины режиссера Михаила Ромма, которая также стала дебютом для Фаины Раневской и Пименова (это была его первая афиша). Этот раздел, получивший название «Таинственный мир зрелищ» (так же называется книга художника о театре), станет финальным на выставке.

В экспозиции будут представлены работы из 22 музейных и частных собраний России, Белоруссии и Латвии. Заполучить работы из-за рубежа было непросто, подчеркнула Трегулова, но без них выставка не была бы полной. Кроме того, к открытию будет издан каталог и отдельная книга одного из кураторов выставки Елены Воронович о картине «Новая Москва».

специфика, материалы и особенности творчества – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

УДК 75.042.021 (045)

ПРОЦЕСС РАБОТЫ ХУДОЖНИКА-АНИМАЛИСТА: СПЕЦИФИКА, МАТЕРИАЛЫ И ОСОБЕННОСТИ ТВОРЧЕСТВА

2009 И.В.Портнова

Московский педагогический государственный университет

Статья поступила в редакцию 08.06.2009

В статье рассматривается процесс работы художника-анималиста над образом животного, анализируются конкретные этапы творчества, работа мастера над законченным произведением в материале, подчеркиваются специфические свойства тех или иных скульптурных материалов, интересующих художника-анималиста. Дается анализ метода работы графика и скульптора в их характерных чертах.

Ключевые слова: анималистический жанр, анималистика, метод работы, наброски, этюды, натурный образ, культ природы.

В связи с интересом современного искусствознания к проблемам отечественного искусства, в частности, к вопросам жанра, высвечивается проблема жанровой специфики анималистического искусства XX века. В 20 — 30-е годы XX столетия складывается московская школа анималистики. В.Ватагин и И.Ефимов были первыми художниками, которые обратились к отображению образа животного в скульптуре. В 1930 — 50-е к ним присоединились: Д.Горлов, А.Кардашев, С.Чураков, П.Баландин, Д.Цап-лин, А.Сотников, П.Кожин. Большой вклад в развитие графического искусства и, прежде всего детской книжной анималистической иллюстрации внесли художники В.Ватагин, А.Комаров, В.Белашев, Е.Чарушин и другие. Об искусстве анималистики стали говорить, в печати появились публикации, отмечающие несомненные успехи развития этого искусства, в особенности скульптуры. Анималистическая скульптура и графика стали интересным и своеобразным явлением времени.

Постановка художниками-анималистами жанровых вопросов важна как в теоретическом плане -для определения специфики, особенностей жанра, так и в практическом — в качестве предпосылки к созданию полноценного образа животного. Можно сказать, анималистический жанр к концу 1960-х годов приобрел ту объективную оценку в отечественном искусстве, значимость которой еще не была выявлена в XIX веке. Формирование анималистической школы XX века было закономерным явлением. Имея непосредственный опыт предшественников, художники-анималисты XX века выработали свой взгляд на натуру и методы художественного воплощения. Художественно-теоретические взгляды мастеров складываются в стройную систему суждений, убеждений, учений. Впервые анималисты XX века посмотрели на многообразный природный мир целостным взглядом, сформулировав подходы к его изображению. Животное теперь в центре внимания

Портнова Ирина Васильевна, кандидат искусствоведения, докторант кафедры истории художественной культуры. Email: [email protected] т

художника. Оно выступает самостоятельным объектом анализа. В XX веке формируется экологическое мышление, в основе которого лежит этическое и эстетическое отношение к природе как уникальной ценности. Природа становится выразителем красоты, добра, она сливается с нравственным миром человека, выступает как критерий человеческих ценностей. Не случайно во второй половине XX века получает распространение теория «родственного внимания» М.Пришвина, которая подразумевает глубину проникновения в жизнь зверей, птиц и растений. Тонкое понимание природы и животных оформилось в целостную систему взглядов у художников: В.Ватагина, И.Ефимова, Д.Гор-лова, Б.Ворбьева и других мастеров. Исследовательский интерес человека в XX веке привел к тому, что границы взаимодействия между человеком и природой становятся все более тесными, а понимание животного все более личностным и конкретным. Взгляды художников-анималистов на мир природы и животных непосредственным образом повлияли на их метод работы, который предполагает две группы вопросов. Первая связана с особенностями изображения животного в графике. Вторая группа вопросов касается изображения животного в скульптуре, особенностей работы ваятеля в различных материалах.

Художник-анималист уделяет большое внимание графике, так как рисунок является основой построения всякого образа, в том числе анималистического. Такой подход, прежде всего, обусловлен стремлением обосновать необходимость для художника иметь известный минимум знаний о животном. Только досконально изучив свою модель, можно приступить к ее образной интерпретации. Животное в данном случае является сложным объектом, работа с которым требует большого умения и самых разнообразных навыков.

Первый, важный этап изучения животного — знание его строения (анатомических данных). Анатомия животных отличается не меньшей сложностью, чем анатомия человека. Чтобы правильно передать позу животного, верно изобразить его движение, необходимо знать соотношение основных частей

скелета-черепа, позвоночника, грудной клетки, переднего и заднего пояса конечностей и т.д. Анималисты обычно придают этому большое значение. Так И.Ефи-мов пишет: «Я очень много изучаю анатомию… Люблю скелеты и вижу в них большую красоту, — в них только самое необходимое и видна в них мудрость создания»1. От анатомически точного знания формы животного и расположения будет зависеть передача достоверности их в рисунке, реальность самого изображения. Еще одним условием успеха работы художника-анималиста является осведомленность в характере покрова животных. В.Ватагин рекомендует знакомиться со структурой меха у зверей на живой натуре, ибо шерсть на чучелах деформирована, а оперение же птиц целесообразнее изучать на неподвижных объектах. Полученные знания анатомии животных необходимо учитывать в рисунке с живой натуры.

Рисунок с живой натуры является самым важным и ответственным этапом работы художника-анималиста. Именно от него зависит дальнейший успех и степень проявленного мастерства. По этому поводу художник В.Ватагин пишет: «Чтобы хорошо узнать животное, необходимо в течение длительного времени наблюдать его, многократно зарисовывать в смене различных поз и движений, рассматривать вблизи его физиономию, глаза, нос, устройство ушей, когти, лапки или копыта, уяснить особенности шерсти животного, как выявляется в них скрытая от газ скелет и мускулатура, как эти живые формы переходят из одной в другую при поворотах или движении, в походке или беге».2 Только прямое соприкосновение с живой природой, натурой даст художнику живое впечатление, позволит увидеть образ всеобъемлющим и конкретным. В работе анималиста дистанция между натурой и глазом художника сокращается. Чем теснее мастер использует метод наблюдения и натурного анализа, тем точнее будет изображение. «Для художника особенно ценно то, что замечено им самим, что его рукой зарисовано на бумаге и тем самым закреплено в памяти. Чем богаче данные впечатления, тем успешнее будет творческая работа»3 — писал В.Ватагин

Рисунок с живой натуры вырабатывает такие качества как наблюдательность, острота глаза, быстрота руки, зрительная память, которые важны в работе любого художника. Об этом говорит и Ефимов, сравнивая процесс рисования с натуры двигающегося зверя со скоростным спуском с горы. И в том и в другом случае «решают доли секунды»4. Опора на живую реальность способствует жизненности любого рисунка. Для анималиста она является основным способом постижения модели. В рассуждениях мастеров о необходимости серьезного знания, изучения

1 Ефимов И. С. Об искусстве и художниках. — М: 1977. — С.87, 94.

2 Ватагин В.А. Зоопарк — школа художника-анималиста. Московский зоопарк. — М: 1961. — С.434.

3 Там же. — С.433.

4 Ефимов И. С. Об искусстве и художниках…. — С.85.

живой натуры заключена принципиальная мысль, касающаяся работы художника-анималиста.

Процесс работы анималиста при всей общности с характером труда представителей других жанров (портрета, пейзажа, и т.д.) отличается неизменной ценностью и необходимостью натурных этапов рисования модели. Особенности работы анималиста проистекают также из характера самой модели, не только подвижной и часто меняющей свое положение, но в отличие от человека не способной позировать. Все это повышает удельный вес подготовительного рисунка во всех его разновидностях (наброски, зарисовки, этюды). Здесь первостепенную роль играет набросок, являющийся самым скорым способом закрепления на бумаге первых впечатлений и поэтому незаменимым в рисовании подвижной модели. Их роль в творческом процессе отчетливо выступает при сопоставлении с фотографией, которая дает художнику много возможностей познакомиться с животным миром, но фиксирует виденное со всеми мелкими подробностями и может отвлечь внимание художника от главного. Именно метод работы с натуры воспитывает глаз, помогает из увиденного выделить существенное. В данном процессе первостепенную роль играют заповедники и зоопарки. В заповедниках художник-анималист наблюдает зверя в среде обитания, максимально приближенной к естественной. Он может зарисовать его в панорамном виде, на фоне ландшафта и с близкого расстояния, подчеркнув свободу движений и естественность поз. Зоопарк открывает иной характер натуры. Ввиду ограниченности животного в пространстве здесь мастер получает возможность более конкретного и длительного его изучения. По выражению Ватагина «зоопарк — школа мастерства и пройти подобную школу можно только в зоопарке, где художнику приходится использовать условия неволи животного, когда оно не может скрыться от глаз наблюдателя»5.

Выделяя этап наблюдения и рисования животных с натуры в качестве основного метода познания объекта, художник всякий раз подчеркивает его значение в работе анималиста. Ведущая роль этого процесса определяется не только познавательными целями, Но и связана с мировоззренческими взглядами мастеров на животный мир — поисками гармонии и совершенства в натуре. Натурный этап работы важен тем, что именно он ложится в основу художественного образа. При всей общности натурных этапов, методы работы в графике и скульптуре все же различны. Художник-график непосредственно в самой натуре видит решение образа. Он в меньшей степени склонен к размышлениям, раздумьям. Сами наброски, зарисовки, этюды как этапы творческого пути приобретают самостоятельную ценность. Художник подчеркивает выразительность линии, штриха, пятна. Надо сказать, что интерес к творческой «кухне» художника стал возможен в XX веке в

5 Ватагин В.А. Зоопарк — школа…. — С.434.

связи с характерной для этого времени эстетизацией собственно подготовительного материала. Подготовительный графический материал для скульптурного образа помогает художнику в поисках композиционного замысла, выборе модели, типе композиции, материала, в котором будет решено произведение. Иногда замысел рождается в процессе рисования, мастер подмечает интересный момент движения того или иного животного, выразительность его фигуры. Наброски, зарисовки у анималиста выступают в двух аспектах: уточняющие замысел скульптуры: от замысла к наброскам) и формирующие замысел (от набросков к замыслу). В первом случае роль набросков и зарисовок ограничена подготовительным этапом работы. Во втором случае роль набросков не сводится к подготовительным этапам работы. Во время рисования художник замечает один или несколько интересных с его точки зрения вариантов, которые могли бы быть воплощены в скульптуре. Из них он выбирает один, наиболее выразительный.

Скульптурные анималистические модели — еще один этап творческого процесса. Они помогают воплотить творческую идею в реальность. Животное как носитель ярко выраженной моторной энергии органично мыслится в скульптуре. Художник подчеркивает двигательную пластику зверя в объеме, чувствует его энергию, «наполненность» самих форм. Кроме того, скульптурный эскиз уже дает первое представление о модели. Скульптор как бы знакомится с героем своего будущего скульптурного произведения. Когда художника устраивает пластический вариант этюда, выполненного в глине или гипсе, он переносит его в конечный материал — дерево, камень, бронзу. Однако этот перенос отличен от той практики, которая сложилась в русской скульптуре XIX века, предполагающей некое соавторство формовщика и скульптора. Художник-анималист склонен все этапы работы выполнять самостоятельно. Особенно тщательно он подходит к выбору материала, который призван усилить характерные черты модели и в то же время выявить свои собственные, только ему присущие свойства, свою красоту. Только в этом случае полностью сохраняется индивидуальный почерк мастера. Такая трактовка высвобождает природную силу материала. Отсюда вытекает общая черта, присущая творчеству анималистов, — интерес к естественным качествам материала, его особенностям. Художники любят работать в твердых материалах, которые позволяют добиться зрительной весомости объемов.

Один из самых предпочтительных материалов в творчестве анималиста — дерево. Это пластически-гибкий скульптурный материал, ближе всего отвечающий характеру анималистического образа. Дерево — единственный материал, который имеет цилиндрическую форму, по своей природе претендующий на округлость, соответствующую тем или иным объемам животного. В дереве также заключаются большие возможности для построения форм, рас-

считанных на силуэт и движение. Так вертикальный блок дерева определяет образный строй статичных скульптур, а изгиб слоев древесины подсказывает решение динамичных композиций. Пластика животного как бы сливается с природной пластикой материала, обладающей к тому же богатой фактурно-стью. Чтобы подчеркнуть выразительность объемов зверя, усилить светотень на поверхности скульптуры анималисты используют приемы тонирования дерева. Русское искусство всегда располагало многочисленными образцами пластической обработки этого материала. Пластичность дерева, богатство его текстуры позволяло создавать станковые, декоративные произведения и скульптуру малых форм. Интерес к дереву, отчасти забытый в XIX веке, в следующем столетии вновь возобновляется. В первое десятилетие XX века он был связан с общим процессом «станковизации» искусства, интересом к пластическим свойствам скульптурных материалов и обращением к опыту народного творчества. Культ дерева как материала по-своему поощряет искусств модерна, для которого тема природы и природного была одной из самых близких.

Другой скульптурный материал — камень, используемый анималистами, подобно дереву способствует созданию компактных и в большей степени мало расчлененных композиций с обобщением форм и отсутствием мелких деталей. Однако в камене нет живой теплоты дерева, поэтому в нем не может быть воссоздана теплая поверхность млекопитающих. Камень привлекает скульптора-анималиста своей твердостью, в котором он видит выражение силы животного, крепости его мускулатуры и цельности всех форм.

В XIX веке особой популярностью пользовалась бронзовая анималистика. Динамичные сюжетные композиции П.Клодта, Е.Лансере, А.Обера, Н.Либериха отличались богатством светотеневой моделировки, свойственной бронзе, рассчитанной на передачу более сложного, чем в дереве или камне силуэта, активного движения, более пространственной композиции. Мускульные формы животных органично отражаются в подвижной бликующей поверхности бронзы. Образы оказываются художественно выверены и точны.

У художников-анималистов есть опыт непосредственного воплощения образа в материале. Первоначально угадав позу зверя в дереве, камне, анималист постепенно освобождает ее, все более и более конкретизируя образ. В этом отношении многие анималисты предпочитают работать в твердых материалах. Скульпторы XX века С.Эрьзя, С.Коненков, анималисты В.Ватагин, Н.Фокин, С.Чураков, С.Лоик. А.Буров, А.Цветков хорошо знали данный метод. Каждый из них с большой долей тщательности подходил к конечным этапам работы, заботясь о законченности своих произведений. В.Ватагин отмечал: «Поверхность скульптуры должна быть плотной и напряженной. Законченная скульптура должна обладать полнотой формы и

6

иметь характер монументальной целостности» . Б.Воробьев также считал: «Прежде всего, какого бы размера ни было произведение скульптуры, оно должно обладать всем комплексом свойств и средств, создающих собственно скульптуру, Оно должно заставить зрителя почувствовать простран-ственность, глубину, напряженность формы, состояния и вес изображаемого»7. Художники, работающие в дереве, тяготеют к декоративной отточенности формы, ее эстетической выявленности. Их работам присущи простота и пластическая ясность. Через изображение единичного художник приходит к выражению общего, видит в природе гармонию, не стремясь к ее видоизменению. Такова точка отсчета и основополагающий принцип в работе В.Ватагина, А.Кардашева. Ватагин говорил: «Зверь так красив, что хочется изобразить его ничего не прибавляя и не убавляя»8. Цветков, Лоик, Фокин кардинально не меняя натуру, тем не менее стремятся к ее большей обобщенности, пытаясь достичь полноты формы. При такой трактовке высвобождается природная сила материала, а некоторая ее тяжеловесность принимается за величавость и фольклорное своеобразие. И.Ефимов больше склонен к изображению натуры в видоизмененном виде, называя себя «сказочником, украсителем жизни»9. Заостряя характерные формы животного, он приводит их к некой изобразительно-выразительной формуле. В своих записках Ефимов признается: «Я мог сказать: никогда не делаю с натуры принципиально. Портретист я плохой. Я привык строить собственные образы. Не люблю жестко подчиняться. Мне свойственна игра, не Фидий или Пракситель, а как вазовый живописец, сидящий на солнышке и легко вкомпоновывающий

любую композицию в любой геометрический отре-

10

зок» .

В этом процессе Ефимов большую роль отводит творческому воображению, развитию зрительной памяти. Метод работы в материале у него иной. Он чаще пользуется склеенными блоками. Во что он пишет: «Я вообще не люблю подчинять себя насильно найденному случайному куску дерева и из него «освобождать», что в нем уже вписано. Я обыкновенно заранее хочу видеть скульптуру определенной формы и ростом и нахожу коряги или заказываю каменные куски. Скульптура вовсе не должна быть из оного блока. «Прозрачность» вещи не противоречит монументальности»11.Д.Горлов также видит возможность преобразования натуры. О подходе Горлова к образу животного Ватагин гово-

6 Ватагин В.А. Как лепить животных // Художник. — 1962. -№5. — С.12.

7 Художники об искусстве керамики // Советская художественная керамика 1954 — 1964 / Сост. В.А.Попов, К.Н.Пруслина. — М: 1974. — С.33, 34.

8 Рябинин Б.С. Зверопоклонник Ватагин // Б.Рябинин. Вглядываясь в жизнь. — Свердловск: 1972. — С.201.

9 Ефимов И.С. Об искусстве и худож… — С. 73, 122.

10 Там же. — С.. 90, 91.

11 Там же. — С.97, 118, 124.

рил: «Он выражает зверя иначе, чем он сделан в природе. Зоологичности у него мало, у меня больше.

Он находит какую-нибудь одну черту и эту черту

12

развивает» .

Из различного понимания скульптурного образа и процесса работы над ним у художников наблюдается соответствующий взгляд на творческий замысел. У Ватагина, Чуракова, Кардашева натура и материал, выступая соавторами природы, определяют особенности процесса работы и в целом, характер скульптурного произведения. У Ефимова существенную роль играет творческое воображение, когда «вещи рождаются сразу «осенением», например, стоя у прибоя («Кошка») или среди поля цветущей ржи («Петух»)»13. Метод работы Ефимова, Горлова близок работе художника-декоратора и монументалиста, решающих другие задачи. П.Кожин об этом говорит: «Различие между станковой и декоративно-монументальной формами заключается в степени обобщения. А степень эта определяется характером темы, материалом и назначением вещи. Если скульптура бытует в непосредственной близости к человеку, особенно в интерьере, то ей присуще пластическое выражение формы более тщательное и детализованное. Если скульптура по своему месту в интерьере и тем более в экстерьере имеет характер пластических символов или более соотносима с архитектурой, чем существует сама по себе, то в этом случае требуется наибольшая степень обобщения. Образно-пластический подход, имеющий в основе органическую конструктивность, должен быть и в

14 о

вещи утилитарного назначения» . Здесь роль творческого воображения оказывается существенней, чем натурно-воспроизводящая форма изображения. Художественное воображение приводит к изменению первообраза — натуры. Измененная модель наделяется новыми декоративными чертами. Декоративность становится основным принципом художественного образа, главным свойством скульптуры. Она определяется ее композиционно-пластическим решением и назначением. Поскольку монументально-декоративная скульптура синтезирует с другими видами искусств, прежде всего с архитектурой, она меньше, чем станковая скульптура изображает предметный мир и меньше индивидуализирует образ. Декоративная анималистическая композиция соединяет в себе два важных качества. С одной стороны, монументальность подразумевает выражение большой и возвышенной идеи, с другой стороны декоративность художественно организует произведение, выступая приоритетным началом в этом виде скульптуры. Натурный этап, являющийся первоочередным в работе графика и скульптора-станковиста здесь также значим. Именно на этом этапе складываются первые впечатления, изучается натура, про-

12 Выступление на вечере, посвященном творчеству Горлова Д. 1945. — РГАЛИ. Ф.2780, оп. 1, е.х. 64. — С.15.

13 ЕфимовИ.С. Об искусстве и худож.. — С. 79, 91.

14 Художники об искусстве керамики. — С.121.

исходит рождение замысла. В работе художника-монументалиста и декоратора оказывается важным значение эскизных проектов, в которых мастер творчески перерабатывает натуру в соответствии с концепцией будущего образа, уделяя большое внимание композиции произведения. В работах монументально-декоративного характера животное должно быть органично вписано в окружающее пространство, соизмеримо с ним, силуэтно выражено и, в конечном счете, содержать черты необходимой декоративности. Все эти качества, намеченные в графическом эскизе, претворяются в скульптурном.

В скульптуре малых форм скульптурный эскиз как таковой теряет свое значение. Исходя из натурных источников анималист сразу экспериментирует в материале. Значение материала в этом виде скульптуры оказывается очень важным. Разнообразные по своим свойствам материалы обогащают образ, делают его оригинальным и неповторимым. В.Ватагин по этому поводу замечает: «Удачно выбранный материал, хорошо обработанный, выявляет присущую ему красоту и в большей мере увеличивает эффект скульптурного произведения. И, наоборот, материал, не соответствующий композиции или плохо обработанный, может испортить впечатление от скульптуры»15. Д.Горлов продолжает мысль: «Мне хочется внутренне понять тот или иной материал, и «вытащить» из него то, что могу. Если человек материала не чувствует, он в нем никакого стиля не сделает»16. Чтобы сохранить природную красоту материала, необходимо знание определенных технологических процессов. Материалы, используемые в малой анималистической пластике, разнообразнее и технология их сложнее. В них возможно представить все эстетическое богатство флоры и фауны. По выражению Горлова «материал тождественен инструменту в музыке: у каждого свой голос, так же как у скрипки, виолончели, фортепиано»17. Цвето-пластическая функция скульптуры малых форм -основная. Анималистов XX века все больше привлекает керамика, так как в ней заключены большие декоративные возможности. Ефимов отмечал: «Драгоценное свойство керамики в том, что она прием-

18

лет сотрудничество живописи и скульптуры» . Е.А.Малышева также видит в керамике единство формы и цвета. Она пишет: «Когда мне хочется что-то выполнить, я вижу свою форму же так, как если бы она была расписана. Сама по себе глина, да еще расписанная — богатство для декоративных замыслов: Ритм пауз и аккордов, выпуклостей и углублений, пятен и линий, цветовых раскатов и сплавленных полив, драгоценность самого материала, который после обжига приобретает блеск и теплоту са-

» 19 г,

моцветных камней» . Эксперименты с материалом

15 Ватагин В.А. Изображение животного. — М: 1957. — С.135.

16 Выступление на вечере, посвященном творчеству Горлова Д…. — С.15.

17 Художники об искусстве керамики. — С.79.

18 Там же. — С. 105.

обнажают исполнительский почерк мастера, как бы приоткрывают «тайну» создания произведения. Это обнаруживается не только на известных этапах обжига, но и в образной структуре законченного произведения: в передаче текучей формы или шероховатой поверхности, фактурности глиняного пласта. Такое рождение формы как бы на глазах у зрителя мобилизует его внимание и симпатию, делает анималистический образ особенно привлекательным. В целом, синтетический язык керамики позволяет выразить идею единства, красоты природного мира. Уникальность этого материала состоит в том, что он содержит в себе большой диапазон художественных возможностей, которые дает художнику обожженная глина. Поскольку технологический процесс производства изделий малой пластики предполагает серийность, перед художником встает задача сохранить первоначальный облик скульптуры, ее стилистику, эстетические качества.

Таким образом, при всем различии подходов, художники обнаруживают общий интерес к различным материалам, говоря словами Ефимова видят выразительность «в прохладе фарфора, звонкости медного листа, косом срезе торца дубовой коло-ды»20. Данный принцип обусловливает высокую значимость материала и профессионализм скульптора. Отношение к материалу как к природному данному, взгляд на него с технологической точки зрения, с одной стороны, и близость к натуре, с другой, определили особенности процесса работы художника-анималиста. Последовательное, конкретное изложение методов работы мастеров XX века по созданию образа животного в искусстве имеет немаловажное значение в практике современных художников. Являясь своего рода справочным материалом, публикации опытных мастеров выступают ориентиром в выборе подхода к изображению животного, способствуют достижению правдивости и достоверности образа. Общность эстетических, этических и научных взглядов обусловлена самим предметом изображения, заключающем в себе элементы красоты и сложной «организации», требующей серьезного изучения. Художники справедливо сконцентрировали внимание на важном этапе в практике анималиста — работе с натуры, изучение которой создает необходимые условия для успешного решения творческих задач (от замысла до законченного произведения). Эксперимент, поиск в материале только тогда правомерен, когда он имеет крепкую опору на реальность, как говорил Ефимов «сначала нужно

21

знать, а потом изменять» .

В целом, сформированные художниками идеи, в определенной части уникальные, будучи адекватными их художественной практике, позволяют в высокой степени корректности поставить ряд существенных проблем творческого метода художника-анималиста.

19 Художники об искусстве керамики. — С.. 165.

20 Ефимов И. С. Об искусстве и художниках… — С.119.

21 Там же. — С. 94.

ANIMAL-PAINTER’S PROCESS OF WORK: SPECIFIC CHARACTERS AND FEATURES OF CREATION

©2009 I.V.Portnova°

Moscow pedagogical state university

The article deals with the work process of an animal painter, his specific stages of creation, the work of a master. It also analyses the specific properties of various sculptural materials, interesting for an animal painter, as well as a sculptor’s method of work and its characteristic features.

The keywords: animalistic genre, animalistica, work method, sketches, studies, full-scale means, cult of nature.

o

Portnova Irina Vasilyevna, Cand. Sc. in Art studies, doctoral candidate of the department History of artistic culture. E-mail: [email protected] ru

Итальянский художник приступил к работе на одном из городских фасадов

#НОРИЛЬСК. «Таймырский телеграф» – Работы по преображению зданий – часть программы Норильского фестиваля уличных искусств «АРкТика», который стартует в эту пятницу. Организаторы – Агентство развития Норильска при поддержке «Норникеля», муниципалитета и участии Итальянского института культуры при посольстве Италии в РФ.

Основная группа уличных художников прилетела в Норильск неделю назад. Их работы на фасадах уже приобретают законченный вид. На торце Красноярской, 3, Алексей Соколов изобразит главных представителей таймырской фауны – северных оленей. Егор Кошелев напишет картину «Удачный гол» на фасаде подстанции на Кирова, 27а. В Кайеркане Алексей Михеев и Денис Шевчук изобразят символ района – сову – на торце Норильской, 20.


А на фасаде Красноярской, 4, появятся белые медведи. Точнее, медведица с медвежонком. Над картиной будет работать итальянский художник Сильва Лигама. Накануне он прилетел в Норильск, а сегодня начал наносить на стену эскиз.
33-летний Сильва Лигама родился на Сицилии. Окончил Академию изящных искусств в Катании, изучал классическую живопись. Но это ему быстро наскучило. В стрит-арте он увидел новые возможности рисования.

«Монументальной живописью я начал заниматься четыре года назад, – рассказал Сильва «Таймырскому телеграфу». – И понял для себя настоящую силу современного искусства. Через живопись можно сознательно менять и дополнять окружающую среду. Уличное искусство способно изменить не только пространство вокруг, но и мир самого художника. По-моему, стрит-арт – настоящая революция нашего времени. Искусство выходит из музеев в массы. Ты можешь наслаждаться им, просто идя в магазин или гуляя, то есть живя своей обычной жизнью. Думаю, уличное искусство должно быть простым. Не глупым, а простым, доступным для масс. Тогда твои мысли будут донесены до большего количества людей».

В 2017 году Сильва отправился в путешествие по Сицилии. Неотъемлемая часть сицилийского ландшафта – древние руины: дома, склады, конюшни, убежища. Они и стали объектами творчества Сильвы Лигамы. С помощью живописи он сделал, как написано на личном сайте художника , «серию радикальных трансформативных вмешательств». Древние камни в прямом и переносном смысле заиграли новыми красками.


Приезд в Норильск для Сильвы – первое путешествие не только за Полярный круг, но и за пределы Европы. По словам художника, это интересная возможность для творческого развития.

«Мне нравятся такие ландшафты, как в Норильске, – говорит он. – Я люблю такой стиль и индустриальную архитектуру, много работал с подобными стенами в моей стране. Норильск – молодой город. Я вижу, что он развивается, и люди тоже. Отчасти поэтому темой своей картины выбрал медведицу с медвежонком: ребенок олицетворяет будущее. Медведица с медвежонком, мать и ребенок – символ заботы, материнской любви. И именно белый медведь – символ вашего города».

Кроме того, Сильва узнал, что недавно в окрестностях Норильска впервые за 40 лет вновь обнаружили этого краснокнижного зверя – хозяина Арктики, и считает это тоже символичным.


Для уличных стен Сильва Лигама использует кварцевые краски. Говорит, что они хорошо ложатся и при этом устойчивы к осадкам. Совсем скоро мы увидим результаты его творчества. А посмотреть другие работы художника можно в его инстаграме.

Николай Щипко

23 июля, 2019

Последние новости

Похожие новости

работы художника Бориса Студенцова из Великого Устюга можно увидеть в Вологде

В Доме Корбакова открылась выставка великоустюгского художника Бориса Студенцова «Земля, на которой живу». Она приурочена к 60-летнему юбилею автора, который он отметил в прошлом году.

Член Союза художников России представил более 60 произведений, написанных маслом и акварелью в разные годы. Борис Анатольевич родился и живет в Великом Устюге. Великолепные архитектурные ансамбли старинного русского города, гармонично вписанные в природную среду, набережная с величавой рекой и высоким небом – излюбленные темы творчества Студенцова.

Художник работает в разных жанрах живописи: пейзаж, натюрморт, портретная и сюжетно-бытовая картина.

Заглавная картина выставки – «Великий Устюг. Лето 1917 года» (2019 – 2020) является прекрасным образцом живописного «ретроспективного» опыта художника, в котором он размышляет над исторической судьбой своего края. «Вспоминая прошлое и опираясь на старые снимки, музейные исследования, исторические документы, загорелся идеей показать, каким был Великий Устюг до революции, в 1917 году. Я создал панораму своего родного города в ретроспективе – на ней изображены храмы и дома, в том числе и те, которых сейчас нет, – рассказал Борис Студенцов. – Сложнее всего было представить открывающийся вид с отдаленной точки – как бы с высоты птичьего полета или колокольни одного из храмов».

Еще один ретроспективный пейзаж посвящен ледоходу – это природное явление устюжане ждут каждый год с некоторыми опасениями. «Я показал ледоход благополучный и торжествующий. Великий Устюг в лучах солнца, чайка летит прямо к свету – ожидается, что все будет хорошо. На картине также изображены не существующие ныне храмы, посвященные Варлааму Хутынскому и Иоанну Богослову, как дань памяти этим утраченным святыням».

Среди произведений Бориса Студенцова совсем немного «пасмурных» работ, в большинстве своём они наполнены светом. Не только солнечным. Свет души художника и бесконечная любовь к родному городу и его жителям – в каждой картине. Он отмечает, что использует разные световые эффекты, к примеру, мотив луча света – такое явление можно наблюдать в природе, когда сквозь облака и тучи просвечивает солнце. Также в картинах встречается мотив блуждающих теней – когда участки ландшафта частично освещены или, наоборот, затемнены.

«Очень люблю бывать в старинных русских городах. В том числе и в Вологде. А также в Пскове, Новгороде, Костроме, Ростове, Суздале. Южных пейзажей у меня нет, только северные – простые и привычные, душевные и милые сердцу. Неоднократно был в селе Ферапонтово в Кирилловском районе, вдохновлялся архитектурой и фресками. Об этом месте я создал целый цикл работ».

Цветочные букеты пышные садовые пионы и гладиолусы, нежные полевые ромашки и васильки привлекают мастера своей очаровательной недолговечностью и возможностью запечатлеть миг их наивысшей их красоты. В своей работе «Роман о розе» художник, наблюдая за жизненным циклом прекрасных цветов, размышляет над философскими вопросами, связанными с цветением и увяданием, целью и смыслом.

Портреты интересны художнику возможностью создания лирического образа через помещение личности в определенную историческую и бытовую ситуацию, через костюм и окружающие человека значимые предметы и интерьеры. 

Помимо занятий собственным творчеством Борис Студенцов более 30 лет передает свой опыт и учит живописи юных устюжан в детской художественной школе. Полюбоваться северными пейзажами художника и познакомиться с его взглядом на старинный русский город Великий Устюг вологжане смогут до 14 марта в Доме Корбакова (ул. Октябрьская, 13).

Кристина Страмова

12 привычек высокоэффективных художников: от творческих упражнений до жизни в самолете

Что делает одних художников более успешными, чем другие? Талант, удача и трудолюбие, безусловно, играют определенную роль, но есть и другие, более тонкие привычки, которые, кажется, есть у многих великих людей. Мы спросили 11 художников об их рабочих буднях и о том, как они строят свою жизнь, чтобы увидеть, как эти повседневные ритуалы, большие и маленькие, заставляют их работать. Ниже приведены 12 привычек, которые помогают этим художникам создавать свои лучшие работы.

1. Живите в режиме полета

Режим полета. Предоставлено Apple.

Марта Рослер называет это «эффектом третьего пространства» — рабочей средой, контролируемой настолько, что «мир сжимается вокруг меня до размера пузыря, не отвлекаясь ни на мою повседневную жизнь, ни на окружающую среду, ни на людей». Одно место, где она испытывает это чувство, это аэропорты. «Одно из моих наиболее цитируемых эссе я написал в основном в аэропорту Атланты в 1980 или 1981 году. Я часто обнаруживала, что могу сконцентрироваться в аэропортах, но только в том случае, если зал ожидания не переполнен или если я могу сесть за место, где есть столики», — говорит она.

Конечно, полет сам по себе обеспечивает еще более полное сдерживание. «Меня меньше всего отвлекают в самолетах, — говорит художник Хэнк Уиллис Томас. Он говорит, что даже дома: «Иногда я имитирую это, отключая телефон и интернет».

 

2. Представьте, что вас нет на месте

Фото предоставлено Wikimedia Commons.

Легко сосредоточиться на работе, когда все думают, что тебя нет в городе. «Я только что отправил ответ об отсутствии на работе на свой адрес электронной почты», — говорит художник Джордж Кондо.«Обычно я просто выбираю случайные даты, когда я предположительно вернусь». Действительно, по состоянию на август автоответчик Кондо говорит, что он «не работает в студии до 4 июля».

 

3. Принятие фонового шума

Штаб-квартира Национального общественного радио. Сол Лоэб/AFP/Getty Images.

Почему NPR играет круглосуточно во многих студиях? «В создании картины нет саундтрека», — говорит художник и писатель Уолтер Робинсон. «Это не то, что вам нужно построить из слов, как, скажем, художественную критику, на что я потратил много времени.Вот почему так много артистов слушают разговорное радио во время работы. Робинсон, однако, на самом деле предпочитает аудиокниги или Bloomberg NPR. («Общественное радио кажется мне невыносимо обывательским».)

Звук радио также может способствовать священному «третьему пространству» Рослера. «Мне нравится фоновый шум или саундтрек, — говорит она. «Я рассматриваю все это как управляемую шумовую завесу, изолирующую меня от окружающей неуправляемой вселенной».

Другие исполнители предпочитают музыку, хотя, кажется, им не всегда важно, какая именно.Художник Анхель Отеро говорит, что он «всегда» включен: «Джаз, сальса, босса-нова, трип-хоп, хип-хоп — в зависимости от настроения». Condo, тем временем, каждый день проигрывает один и тот же компакт-диск John Coltrane Live in Sweden . «Я просто захожу и нажимаю на нее, и она воспроизводится снова и снова, а на следующий день я делаю то же самое».

 

4. Следите за новостями, даже если они плохие

Александра Белл, Подросток с обещанием (2017). Изображение предоставлено художником.

Да, даже когда это плохо — особенно когда это плохо — художники могут учиться на коммуникативных методах, используемых СМИ.«Я нашел новости вдохновляющими как из-за их способности манипулировать нашими эмоциями посредством избирательного представления информации, так и из-за соблазнительной формы, в которой она представлена», — говорит Уиллис Томас. «Меня также вдохновляют наш президент и многие наши лидеры. Они напоминают мне, почему я делаю то, что делаю, и почему мне нужно делать и знать больше».

 

5. Администрируйте в утренние часы.

Тим Юд перепечатывает картину Патриции Хайсмит « Талантливый мистер Рипли » (июль 2017 г.) в галерее Кристин Тирни, Нью-Йорк.

Привычка, наиболее распространенная среди художников, — это обязательство отвечать на электронные письма первым делом с утра, а затем больше о них не думать. «Я просыпаюсь рано и отвечаю на электронные письма, но в остальное время стараюсь работать более творчески», — говорит Ширин Нешат.

Если не научиться разделять эти два аспекта работы художника, говорит Зои Бакман, «административная сторона художественной практики может затмить создание художественной практики».

«Это моя форма прокрастинации, — говорит Бетти Томпкинс.«Утром я пишу электронные письма, гуляю, общаюсь в социальных сетях и выполняю поручения». Во второй половине дня она готова рисовать и рисовать.

 

6. Творчески заниматься спортом

Маринелла Сенаторе, Формы протеста: память и празднование, часть II. Выступление Грэм 2 из школы Марты Грэм. Предоставлено Музеем Квинса. Фото Стефани Бергер.

Физические упражнения уже давно ассоциируются с улучшением умственной деятельности, и нет никаких причин, по которым к ним нельзя подходить творчески.«Я тренируюсь с индийскими булавами и иранскими миэлами несколько раз в неделю, — говорит художник Билли Чайлдиш (оба представляют собой конусообразные гири, последний восходит к Персидской империи), — а также молитву и йогу».

«Больше всего меня вдохновляет изучение африканских танцев, которым я занимаюсь уже много лет, — говорит Нешат. «Это стало моим тайным ритуалом».

 

7. Будьте самостоятельны и последовательны

Полли Апфельбаум собирает Mojo Jojo в Художественном музее Переса, Майами, 2013 год.Изображение © ПАММ.

Художественное творчество часто является занятием в одиночестве, требующим достаточной самодисциплины, чтобы структурировать собственное время. «Я постоянно работаю по восемь часов в день, и если мне не удается это в течение дня, я компенсирую это вечером», — говорит Лиза Лу. «Это очень похоже на то, чтобы быть спортсменом: вы тренируетесь в любых условиях. Просто приходите в студию, что бы вы ни хотели».

Для ответственных эта свобода может быть чудесным упрощением — некого винить, если работа не сделана, но и не перед кем отчитываться.«У меня всегда был очень самодельный способ работы — никаких сложных технологий, очень мало помощников в студии», — говорит Полли Апфельбаум. «Так что я всегда могу взять и пойти и нести работу сам».

8. Хватит заниматься искусством

Барнетт Ньюман, 1951 г. Фото: Ханс Намут © Hans Namuth Estate, 1991 © Фонд Барнетта Ньюмана/Общество прав художников (ARS), 2013, Нью-Йорк.

«Барнетт Ньюман жаловался, что его жена Аннали не понимает, что он работает, когда он сидит в кресле, смотрит в окно и курит», — говорит Уолтер Робинсон.«Он моя модель».

Исследования показали, что творчество обычно возникает, когда мы не пытаемся, поэтому важно позволять себе время от времени отвлекаться от работы. «Летом я выхожу на задний двор и играю с растениями, чтобы напомнить себе о циклах большого мира», — говорит Рослер.

Как и Ньюман и Робинсон, Кондо говорит, что часто просто «сидит и смотрит». Когда это устареет, он может «взять в руки гитару или виолу да гамба, пока краска сохнет.

«Я редко, очень редко работаю по выходным», — добавляет Бакман. «Мне нужны выходные, чтобы быть мамой, другом, человеком, потому что в этих ролях достаточно творчества, и их тоже нужно развивать».

9. Выйти замуж за подходящего человека

Ширин Нешат и ее муж, писатель Шоджа Азари, сотрудничают во многих проектах. Фото Славена Влашича/Getty Images.

Мы продуктивны ровно настолько, насколько продуктивны окружающие нас люди, показывают социальные науки, поэтому важно мудро выбирать себе партнеров.«Мой первый муж был требовательным в отношении домашнего хозяйства, — говорит Томпкинс. «Я бы посоветовал иметь партнера, который искренне поддерживает то, что вы делаете, и уважает как ваше время, так и ваше пространство, чтобы побыть одному».

Нешат разделяет это мнение, говоря, что ее муж и сотрудник, Шоджа Азари, является первым, к кому она обращается, когда у нее возникают проблемы с работой: «Он знает меня и мою работу лучше, чем кто-либо, кого я знаю, и обычно он очень прямолинеен. и всегда очень полезно».

10. Читайте книги — их много

Выдержки из списка чтения Ширин Нешат.

«Я читаю столько, сколько могу, потому что это помогает мне расслабиться и отвлечься от собственной работы», — говорит Нешат. «Я стараюсь не отставать от новых писателей. В данный момент я читаю « О красоте » Зэди Смит и « Americanah » Чимаманды Нгози Адичи».

Другие художники черпают вдохновение в истории. Чайлдиш читает Ведану, «древнеиндийский путь самопознания», в то время как Отеро любит листать редкие старые каталоги выставок.

«В последнее время я смотрю на XIX век, конец века, на проблемы, с которыми сталкивались художники, в частности, на борьбу женщин, и замечаю, как много изменилось, а что нет», — говорит Лиза Лу.

 

11. Нечетные часы работы

Художник за работой. Фото RODNAE Productions, общественное достояние Pexels.

Бакман чувствительна к смене часовых поясов, но во время путешествия из Лондона в Нью-Йорк она обнаруживает, что это может работать ей на пользу. «Я просыпаюсь на рассвете, медитирую, а затем иду в студию на несколько часов, пока никто не проснется», — говорит она. «В такие моменты я чувствую себя очень хорошо, и у меня появляется большая ясность. Я чувствую себя неудержимым, но спокойным, и мне часто хочется жить в таком ритме.

12. Доверяйте своим инстинктам

Билли Чайлдиш в своей мастерской. Предоставлено художником.

«Я могу рисовать и давать интервью одновременно, потому что я не рисую этой частью своего мозга», — говорит Чайлдиш. «Когда я иду рисовать, я должен подчиняться картине, а не своим желаниям».

«Что бы ни пришло на ум, это хорошо», — говорит Кондо. «Не думай, прежде чем работать, работай, прежде чем думать».


Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Заявление артиста Руководство — Собираемся вместе

Художники могут отправить свое заявление артиста на профессиональную проверку. Правила представления GYST, примеры заявлений артиста и советы по написанию находятся ниже:

Что такое заявление артиста?

  1. Общее введение в вашу работу, часть работы или конкретный проект.
  2. Он должен начинаться с основных идей работы в обзоре из двух или трех предложений или короткого абзаца.
  3. Во втором абзаце следует подробно описать, как эти вопросы или идеи представлены в работе.
  4. Если вы пишете заявление на всю страницу, вы можете указать некоторые из следующих пунктов:
    • Почему вы создали произведение и его историю.
    • Ваше общее видение.
    • Что вы ожидаете от своей аудитории и как они отреагируют.
    • Как ваша текущая работа связана с вашей предыдущей работой.
    • Где ваша работа соответствует современному искусству.
    • Как ваша работа вписывается в историю художественной практики.
    • Как ваша работа вписывается в групповую выставку или серию ваших проектов.
    • Источники и вдохновение для ваших изображений.
    • Художники, оказавшие на вас влияние, или то, как ваша работа соотносится с работами других художников. Другие влияния.
    • Как эта работа вписывается в серию или большую часть работ.
    • Как определенная техника важна для работы.
    • Ваша философия создания искусства или происхождения произведения.
  5. Последний абзац должен резюмировать наиболее важные моменты заявления.

Чем НЕ является заявление художника:

  1. Напыщенность, написание заявления о своей роли в мире.
  2. Грандиозные и пустые выражения и штампы о вашей работе и взглядах.
  3. Технический и полный жаргона.
  4. Длинные диссертации или объяснения.
  5. Беседы о материалах и методах, которые вы использовали.
  6. Стихи или проза.
  7. Народные анекдоты о каком-то важном событии в вашей жизни.
  8. Ничего о вашем детстве или семье, если только это не имеет отношения к вашей работе.
  9. Не хвастовство и не пресс-релиз.

Зачем писать заявление художника?

  1. Написание заявления художника может быть хорошим способом прояснить свое мнение о своей работе.
  2. Галерейный дилер, куратор, доцент или общественность могут получить доступ к вашему описанию вашей работы, написанному вашими словами.Это может быть хорошо и для рецензента.
  3. Полезно при написании предложения для выставки или проекта.
  4. Часто требуется при подаче заявки на финансирование.
  5. Часто требуется при поступлении в аспирантуру.
  6. Может быть хорошей идеей включить заявление художника, когда ваши слайды запрашиваются для рецензирования или ваша работа включена в библиотеку слайдов колледжа или университета.
  7. Хорошо обращаться, когда вы готовите лекцию приглашенного художника, или кто-то другой читает лекцию или пишет о вашей работе.
  8. Полезно, когда вы претендуете на должность преподавателя.
  9. Хорошая идея, когда пишется пресс-релиз.
  10. Полезно, когда кто-то пишет о вашей работе в каталоге или журнале.
  11. Полезно, когда кто-то другой пишет биографию для программной брошюры.
  12. Это хороший способ представить свою работу покупателям. Часто чем больше покупатель знает о вашей работе, тем больше он интересуется тем, что вы делаете, и покупкой работы.

Типы заявлений исполнителя, которые могут вам понадобиться.

  1. Заявление на всю страницу: Это заявление вы будете использовать чаще всего; в нем говорится в целом о вашей работе, методах, которые вы, возможно, использовали, истории вашей работы и т. д. Он также может включать конкретные примеры вашей текущей работы или проекта.
  2. Краткое заявление: более короткое заявление, включающее вышеуказанное в сокращенной форме или относящееся к конкретному проекту.
  3. Краткое описание проекта. Очень краткое описание конкретного проекта, который вы представляете.
  4. Биография: часто краткое описание вашей карьеры художника и ваших основных достижений.

Как мне это написать?

  1. Чаще всего это зависит от контекста, в котором оно появляется. Кто ваш читатель? Какие предположения вы можете сделать об их знаниях?
    • Эмоциональный тон
    • Теоретический (но не сверху)
    • академический (но не сухой)
    • Analytic
    • Analytic
    • антагонистика
    • Professional
    • Professional
    • Спросите себя «чем вы пытаетесь сказать в работе?» «Что влияет на мою работу?» «Как мои методы работы (методы, стиль, формальные решения) поддерживают содержание моей работы?» «Какие конкретные примеры этого есть в моей работе?» «Вызывает ли это утверждение какие-либо образы?»
    • Используйте текстовый процессор, чтобы вы могли вносить изменения и часто обновлять его.Вы должны сохранить более старые копии, чтобы вы могли обратиться к ним, если вам нужно будет написать или рассказать о своей старой работе или если у вас будет ретроспектива.
    • Обращайтесь к себе от первого лица, а не как к «художнику». Пусть это исходит от вас. Сделайте его единичным, а не общим и отражающим вас и вашу работу.
    • Говорите ясно и прямо, кратко и по делу.
    • Длина не должна превышать одной страницы.
    • Используйте шрифт размером не менее 10–12 точек. Некоторым людям трудно читать очень мелкий шрифт.
    • Высказывания художника обычно пишутся через один интервал.
    • Не используйте причудливые шрифты или сложное форматирование. Информация должна удивлять их, а не графический дизайн.

Соображения:

  1. Кто ваша аудитория? Для какого уровня вы пишете?
  2. Для чего будет использоваться ваше заявление?
  3. Что говорит ваше заявление о вас как о художнике и профессионале?

Стиль :

  1. Будьте честны.
  2. Попробуйте записать собственный голос.
  3. Избегайте повторения фраз и слов. Ищите предложения, в которых говорится то же самое, что вы говорили раньше, но по-другому. Выберите лучшее из двух.
  4. Меняйте структуру и длину предложений. Длина предложения должна соответствовать сложности идеи.
  5. Организация деталей важна. Важные идеи должны быть в конце каждого предложения для акцента.

Куда его девать?

  1. В папке перед галереей с вашим резюме, списком работ и прошлыми обзорами или статьями о вашей работе.
  2. Вы можете повесить его на стену в обычном размере или в увеличенном виде в качестве поучительного высказывания.
  3. Включите его в программу перформанса, скрининга или панели.
  4. В пакете приложений гранта, на который вы претендуете.
  5. Раздайте всем, кому, по вашему мнению, будет полезна эта информация.

Модификация и уничтожение произведений художников — Права художников

В прошлом художники в Соединенных Штатах практически не имели права защищать свои произведения от искажения, уничтожения или неправильного присвоения в случаях модификации их произведений.В 1990 году Конгресс внес поправки в Закон об авторском праве 1976 года, включив в него Закон о правах художников-художников (раздел 106A), который предусматривает права на указание авторства и физическую целостность определенных произведений искусства. Эти права (известные как «личные неимущественные права») распространяются только на «произведения изобразительного искусства», в том числе: 200 копий или меньше, которые подписаны и пронумерованы автором, или, в случае скульптуры, в нескольких отливках, вырезаны или изготовлены, скульптуры из двухсот или меньше, которые последовательно пронумерованы автором и имеют подпись или другой опознавательный знак автора, или;

  • неподвижное фотографическое изображение, созданное только для целей выставки, существующее в единственном экземпляре, подписанном автором, или в ограниченном тираже в 200 или менее экземпляров, подписанных и пронумерованных автором.

  • Раздел 106A озаглавлен «Права некоторых авторов на атрибуцию и целостность» и конкретно признает, что авторы произведения изобразительного искусства имеют право:

    • заявлять об авторстве этого произведения;

    • для предотвращения использования его или ее имени в качестве автора любого произведения изобразительного искусства, которое он или она не создавали;

    • для предотвращения использования его или ее имени в качестве автора изобразительного искусства в случае искажения, искажения или иной модификации произведения, которые могут нанести ущерб его или ее чести или репутации; и

    • для предотвращения любого преднамеренного искажения, искажения или другой модификации этой работы, которая могла бы нанести ущерб его чести или репутации; и

    • для предотвращения любого уничтожения произведения признанного авторитета, и любое преднамеренное или грубо небрежное уничтожение этого произведения является нарушением этого права.

    Для произведений, созданных 1 декабря 1990 года или позднее, неимущественные права VARA предоставляются на всю жизнь автора. Работы, созданные до этой даты, но все еще принадлежащие автору на эту дату, истекают одновременно с авторскими правами.

    Согласно закону VARA, в отличие от нарушения авторских прав, художник может подать иск в федеральный суд, даже если его работа не зарегистрирована в Бюро регистрации авторских прав. Однако, поскольку бремя доказывания на художнике уменьшается, а сумма денежного возмещения может возрасти, если произведение искусства зарегистрировано до нарушения, художник должен зарегистрировать свои авторские права как можно скорее.Художники должны понимать, что, хотя VARA устанавливает конкретные федеральные основания для действий, законы штатов часто обеспечивают дополнительную защиту.

    Полный текст Закона о правах художников-художников можно найти здесь.

    Картер против Хелмсли-Спир, Инк. — Художники подали в суд на владельцев за то, что они убрали заказанные ими скульптуры для конкретных мест.

    Гарсия против Google —Актриса не предъявляет авторских прав на видеоклип с ее исполнением, который позже был изменен и использован в более длинном фильме.

    Келли против Чикагского паркового округа — Келли возражал против реконфигурации Чикагскими парками его скульптуры из цветов под названием «Wildflower Works».

    Клейнман против города Сан-Маркос —Сан-Маркос потребовал от Кляйнмана удалить произведение искусства, сделанное из списанной машины, за нарушение закона об утилизированной машине.

    Серра против Управления общих служб США — Серре было поручено создать скульптуру для площади рядом с федеральным офисным комплексом.Правительство решило перенести работу, и Серра заявил о своих правах VARA.

    Войнарович против Американской семейной ассоциации —Войнарович пытался остановить брошюру Американской семейной ассоциации, в которой осуждалось финансирование NEA работ Войнаровича. В брошюру вошли кадры из фильма.

    Искусство повторения: 10 лучших мастеров узоров

    Повторяющиеся формы и правильное расположение использовались в искусстве с древних времен. Простое повторение одной и той же единицы снова и снова создает новые нарративы и интерпретации.От искусства, вдохновленного древними архитектурными узорами, до развития сериализации в оп- и поп-арте, мы выделяем 10 художников-паттернов, которые использовали повторение в своем искусстве, каждый по-своему.

    Густав Климт, Древо жизни , 1910-11 гг.

    1.

    Густав Климт

    Густав Климт, известный своим витиеватым декоративным стилем и использованием роскошной позолоты, часто использовал узоры в своих работах. Мотивы были вдохновлены византийским, греческим и египетским искусством.Например, в «Поцелуй » (1907–1908) плоские участки неправильной формы составляют всю картину. Тело мужчины создано с использованием повторяющегося мотива прямоугольника, а тело женщины состоит из кругов. В карикатурах на выполнение фриза для столовой Дома Стокле в Брюсселе (1910-11) мы видим повторяющийся закрученный мотив, составляющий Древо Жизни. Фигура с левой стороны дерева носит платье с треугольными узорами, в то время как фигура справа, посреди объятий, имеет несколько разных форм на своей одежде: круги, квадраты и треугольники.Фактически, даже сусальное золото, которое Климт так часто использовал в своих картинах, создает ослепительный узор, ясно видимый в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I » (1907).

    М.К. Эшер, Гексагональная мозаика с животными: Исследование регулярного деления плоскости с рептилиями  (1939)

    2.

    М.С. Эшер

    Голландский художник М.К. Эшер пришел к своему фирменному стилю после поездки во дворец Альгамбра в Гранаде, Испания.Он тщательно скопировал геометрическую мозаику, покрывающую фасад дворца, и с этого момента его художественное произведение стало гораздо более формально изобретательным. Он начал развивать искусство, следуя принципам тесселяции (покрытие плоскости одной или несколькими геометрическими фигурами без наложений и пробелов). Сначала Эшер исследовал работу с основными узорами, но затем перешел к работе со всевозможными существами, напоминающими рыб, птиц, ящериц и насекомых, что проистекало из его любви к миру природы.Эшер расположил свои фигуры на плоской плоскости так, чтобы промежутки между его фигурами создавали другие узнаваемые формы. На этих изображениях зритель может выбрать тот или иной набор фигур на переднем плане по своему желанию.

    Анни Альберс, Без названия, 1969. Шелкография на бумаге. © Анни Альберс. Предоставлено Национальным музеем женщин в искусстве, дар Уоллеса и Вильгельмины Холладей.

    3.

    Анни Альберс

    Родившаяся в Берлине в 1899 году, Анни Альберс получила образование в Баухаусе в Веймаре, а затем переехала в Соединенные Штаты, где начала создавать выкройки для тканей массового производства.Альберс работал с поразительными геометрическими узорами и смелыми цветами, помогая стать пионером модернистского движения.

    Революционные «живописные плетения» Альберс находились под влиянием доколумбового искусства и текстиля, которые она изучала во время своих поездок в Мексику в 1930-х и 1940-х годах. И в своих тканях, и в своих принтах она создавала сложные узорчатые композиции, построенные на геометрических мотивах и повторяющихся элементах. После 40 лет создания своих культовых тканых работ Альберс начала заниматься гравюрой в 1963 году, как раз в то время, когда были популярны движения оп и поп-арт.На одной из ее сериграфий, Untitled (1969), мы видим характерную для ее гравюр жесткую геометрическую композицию. Сотни одинаковых бирюзово-синих треугольников расположены на красном фоне, и, вращая отдельные треугольники, Альберс активизировал композицию и выявил различные красные формы.

    Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962, трафаретная краска и акриловая краска на 2 холстах (Тейт) © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., 2015

    4.

    Энди Уорхол

    Легендарный поп-художник Энди Уорхол известен тем, что работал с повторением в своих шелкографиях, вдохновленных образами популярной культуры и массового производства, но также работал в широком диапазоне медиа, помимо гравюры, включая живопись, графику, скульптуру, фотографию, музыку и кино. . Он прославился своими повторяющимися изображениями банок из-под супа, бутылок из-под газировки, долларовых банкнот и портретов знаменитостей, включая Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Элвиса Пресли и Элизабет Тейлор.Он часто повторял одну и ту же картинку целиком, различая их разными цветами. По сути, Уорхол создавал свои собственные повторяющиеся узоры, и они стали одними из самых знаковых изображений 20-го века.

    Кит Харинг, фреска Туттомондо (1989) в церкви Сант-Антонио-Абате в Пизе, Италия

    5. Кит Харинг

    Феномен уличного искусства 1980-х годов Кит Харинг стал известен своими граффити-тегами со сцепленными телами, которыми он отмечал черные плакаты в метро Нью-Йорка.Вскоре он создал узнаваемый набор изображений и символов, которые он будет повторять снова и снова в виде загадочных и красочных узоров по всему городу Нью-Йорка, а также в своих картинах и гравюрах. Известные темы Харинга — это нарисованные линиями сияющие младенцы, лающие собаки и человеческие фигуры. С ростом своего общественного признания Харинг начал создавать крупномасштабные фрески, посвященные политическим и социальным проблемам (например, его фреска Crack is Wack 1986 года), всегда используя свою личную иконографию и повторение этих символов.

    Работа художника из Эвансвилля будет выставлена ​​в Государственном доме

    ЭВАНСВИЛЛ, Индиана (WFIE) — Картина художника из Эвансвилля скоро будет выставлена ​​в Государственном доме.

    Законодатели говорят, что Кэролин Рот из Эвансвилля была выбрана для украшения Государственного дома своими работами в рамках инициативы лейтенанта-губернатора Сюзанны Крауч и государственного казначея Келли Митчелл в рамках инициативы Hoosier Women Artists. В этом году из более чем 200 заявок было выбрано 44 произведения искусства.

    «Местные художники, такие как Кэролин, помогают вдохновлять творчество в наших городах», — сказал представитель штата.Венди Макнамара (Р-Эвансвилл). «В Юго-Западной Индиане искусство играет большую роль, поощряя туризм и торговлю и придавая характер нашим сообществам. Я очень горжусь тем, что работа Кэролайн была выбрана для выставки. Она представляет, почему поддержка искусства так важна в нашем штате».

    Работа Рота «Река снов» будет выставлена ​​в офисе Митчелла. Это ее первый раз, когда она подает заявку на эту наградную программу после того, как член семьи отправил ей онлайн-заявку. В ее картине используются многослойные принты и изображена бездельничающая кошка на фоне ярко-голубой реки.

    «Я занимаюсь искусством более 50 лет и специализируюсь в основном на живописи и гравюрах», — сказал Рот. «Меня всегда вдохновляли окружающие меня мелочи, даже если это просто мой кот, река, которую я проплыл, или цветы возле моего дома. Хотя я работал над этим произведением всего несколько месяцев, вдохновение для него собиралось всю мою жизнь».

    Рот — бывший преподаватель художественного факультета Университета Южной Индианы.

    «На протяжении десятилетий Кэролин вдохновляла студентов-художников в моей альма-матер, и она так много дала нашему местному художественному сообществу», — сказал член палаты представителей штата.Тим О’Брайен (Р-Эвансвилл). «Кэролин заслуживает этого признания, и я поздравляю ее с этим достижением».

    Рот и другие художники были удостоены чести на церемонии в Государственном доме в четверг, 3 марта, в рамках Месяца женской истории. Работы всех 44 художников будут выставлены в Государственном доме в течение года.

    «Если вам случится посетить Государственный дом, попробуйте воспользоваться моментом и посмотреть на работы Кэролайн», — сказал член палаты представителей штата Мэтт Хостеттлер (R-Patoka). «Ее произведение и другие произведения, выбранные для демонстрации в Капитолии, являются свидетельством обилия талантов и творчества во всем нашем штате.”

    Copyright 2022 WFIE. Все права защищены.

    Пикассо закрасил работу другого художника, а затем свою собственную, раскрывается новый образ | Наука

    AUSTIN— Под мазками кисти Пабло Пикассо, написанной маслом в 1902 году, La Miséreuse accroupie ( Крадущийся нищий ) скрывается работа другого художника из Барселоны, Испания. И основная работа, кажется, вдохновила некоторых артистов Пикассо. Горы на оригинальной картине — пейзажная сцена — стали контуром задней части предмета в работе Пикассо, на которой изображена присевшая женщина в плаще.

    Специалистам известно о скрытом изображении с 1992 года, когда с помощью рентгенографии впервые были исследованы нижележащие слои картины. Но новая работа с использованием современных методов обработки изображений раскрывает больше деталей не только об оригинальной картине, но и о картине Пикассо. Исследователи обнаружили еще один скрытый слой: под плащом женщины Пикассо нарисовал изображение ее руки, сжимающей кусок хлеба, о чем команда объявила сегодня на ежегодном собрании AAAS, которое публикует Science .

    Открытие позволяет нам «заглянуть в голову Пикассо и понять, как он принимал решения, когда рисовал холст», — говорит Марк Уолтон, специалист по культурному наследию из Северо-Западного университета в Эванстоне, штат Иллинойс, и ведущий исследователь. на учебе. «Он переработал, он трудился над покраской этого отдельного элемента, но в конце концов решил отказаться от него».

    Во время недавних работ по консервации в Художественной галерее Онтарио в Торонто, Канада, где находится La Miséreuse accroupie , реставратор Сандра Вебстер-Кук заметила цвета и текстуры, «проглядывающие сквозь линии трещин», которые не соответствовали тому, что находился на поверхности картины.Ей было интересно, было ли это частью лежащего в основе пейзажного изображения или это было что-то еще, поэтому она и куратор Кеннет Браммель попросили экспертов по неинвазивным методам визуализации копнуть глубже под поверхность картины.

    Пабло Пикассо создал La Miséreuse accroupie во время своего синего периода, когда он рисовал оттенками синего и сине-зеленого.

    © Picasso Estate

    Первым был Джон Делани, специалист по визуализации в Национальной художественной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия.C., который сделал снимки картины, используя гиперспектральную инфракрасную рефлектографию, метод, который включает в себя освещение объекта светом с разной длиной волны, некоторые из которых проникают глубже, чем другие. (Краска становится прозрачной при определенных длинах волн, в зависимости от того, из чего она сделана.) Проанализировав свет, отраженный от картины, он смог увидеть исходное изображение пейзажа, но он также впервые смог увидеть скрытую руку Пикассо. «Нам было очень интересно узнать, что Пикассо внес изменения в свою картину», — говорит Вебстер-Кук.

    Чтобы получить более детальное представление о скрытой руке, Уолтон и его коллеги проанализировали картину с помощью макрорентгенофлуоресцентного изображения. Прибор, просвечивающий картину рентгеновскими лучами, позволяет исследователям увидеть, какие химические элементы — свинец, кадмий, железо — присутствуют в разных частях картины не только на поверхности, но и в более глубоких слоях. И это полезно, потому что может открыть окно в неповерхностные слои и рассказать экспертам о цветах, используемых для их окраски. Например, в белой краске, которую использовал Пикассо, много свинца, и скрытая рука, окрашенная в белый цвет, была особенно видна на изображении, показывающем, где была применена краска на основе свинца.

    Исследователи установили рентгеновский флуоресцентный прибор для исследования нижних слоев картины Пабло Пикассо «Отверженность » .

    © Художественная галерея Онтарио (AGO)

    Этот тип изображения не нов, но инструменты. Раньше эту технику можно было проводить только в лаборатории, оснащенной дорогим оборудованием. Уолтон и его коллеги разработали «простой набор для самостоятельной сборки», который легко принести в художественную галерею и стоит всего 1000 долларов, при условии, что у исследователя уже есть портативный рентгеновский отражательный спектрометр (распространенный во многих учреждениях культурного наследия). , — говорит Уолтон).Многие учреждения «не хотят, чтобы произведение искусства путешествовало, поэтому теперь мы можем привнести технологии в музеи», — говорит он.

    Это «феноменальная» работа — как с точки зрения того, что она раскрывает о мастерстве Пикассо, так и с точки зрения развития новых технологий, — говорит Дженнифер Масс, специалист по культурному наследию из Центра научного анализа изящных искусств в Филадельфии, штат Пенсильвания, которая сделала аналогичные изображения. работал над еще одной картиной Пикассо, но не участвовал в новом исследовании. «Это настоящий прорыв в области того, что возможно внутри музея.»

    Это также вызвало новые направления расследования истории картины. Браммель, который 2 недели назад отправился в Барселону с исследовательской поездкой, пытается разгадать, кто нарисовал сцену, которую Пикассо замазал. Он выяснил, что на ней изображена место недалеко от Барселоны. А информация о том, какие краски использовались, которая сейчас компилируется с новыми данными, расскажет ему о палитре художника и о том, была ли это дневная или ночная сцена — информация, которая «будет ключевой для [help ] выяснить, кто это нарисовал и когда», — говорит он.

    Ознакомьтесь со всем нашим освещением AAAS 2018.

    Создание произведений искусства на основе работ другого художника — Художественная ассоциация Blackstone Valley

    Вам очень нравится произведение искусства, которое вы видели в галерее, но вы просто не можете позволить себе его цену. Законно ли для вас перекрашивать это произведение искусства, чтобы повесить его на стену? Что, если вы хотите начать выставлять его на художественных выставках или продавать самостоятельно?

    Каковы законные основания для создания произведений искусства на основе работ другого художника?

    Энди Уорхол / Мэрилин Монро и супы Кэмпбелл
    Примером многих людей является Энди Уорхол, известный художник, который создал серию работ на основе фотографии Мэрилин Монро, а затем на основе логотипов супа Кэмпбелл.Да, он сделал это. И это было НЕЗАКОННО. Фотография Мэрилин Монро была сделана фотографом для фильма «Ниагара». Логотипы Campbell Soup принадлежат Кэмпбеллу. Фотограф Монро отказался подавать в суд. Компания Campbell Soup подумывала о том, чтобы подать в суд, но решила, что им нравится реклама, и они сбавят обороты. Но затем Уорхол украл работу у Патриции Кофилд, фотографа-флориста, и когда она подала в суд, он понял, что может потерять все из-за своего беззаботного образа жизни. Поэтому он перестал воровать произведения искусства людей и сосредоточился на своих собственных изображениях.

    Авторское право существует, когда произведение создано
    Художнику, создавшему оригинальную картину или фотографию, не нужно ничего регистрировать, чтобы владеть своими авторскими правами. Они создали это. Они владеют им. Их цвета, ракурс и другие варианты делают эту версию уникальной. Другой художник не может прийти и скопировать эту работу, чтобы использовать или продать ее с целью получения прибыли. Это было бы получением прибыли от усилий оригинального художника без разрешения. Это было бы похоже на то, как если бы вы копировали «Гарри Поттер и Философский камень» и, возможно, меняли некоторые формулировки и продавали их как свои собственные.

    Что, если я узнаю, у кого я это взял?
    Было бы лучше, если бы вы выпустили Сара Поттл и Волшебный камень — по мотивам рассказа Дж. К. Роулинг ? Во всяком случае, это делает более очевидным, что вы знали, что крадете чужую работу, и делаете эту кражу вопиющей. Если кто-то другой сделал оригинальную работу, вам нужно разрешение от него, чтобы извлечь из нее прибыль. В противном случае в печатном мире это плагиат. В мире искусства это подделка.

    Как насчет произведений, на которые не распространяются авторские права?
    Авторские права не вечны.Если греческая урна изготовлена ​​в 2000 году до нашей эры, а вы рисуете прекрасный натюрморт с ней в наше время, это нормально. Оригинальный мастер уже давно потерял свои авторские права. Тем не менее, если вы знаете оригинального создателя рассматриваемой работы, считается правильным указать имя этого оригинального человека. Я не могу опубликовать Гордость и предубеждение и заявить, что это я написал, даже если это не защищено авторскими правами. У меня не должно быть возможности принести на художественную выставку произведение искусства с пометкой «Ночной дозор» , которое является точной копией знаменитой картины Рембрандта ван Рейна 1600-х годов, и заявить, что оно принадлежит мне.

    С другой стороны, если бы я пометил свою картину как написанную Рембрандтом ван Рейном и попытался продать ее, это было бы подделкой.

    Правильный путь в этих случаях — четко обозначить его как ВАША СОБСТВЕННАЯ ВЕРСИЯ как на лицевой, так и на оборотной стороне, чтобы не было путаницы. В заголовке вы должны четко обозначить его как «ПОСЛЕ ЛЕОНАРДА ДА ВИНЧИ» (или того художника, которого вы копируете), чтобы было ясно, что вы копируете его работу.

    Исторические примеры копирования произведений искусства
    Бывают случаи, когда единственная причина, по которой мы знаем об известной оригинальной картине в истории, которая с тех пор была утеряна, заключается в том, что студент-искусствовед позже точно скопировал ее, и эта копия у нас есть.Так, например, исследование Битва при Ангиари . Первоначально это сделал Леонардо да Винчи. Эта оригинальная работа была утеряна. Прежде чем он был утерян, Питер Пауль Рубенс сделал с него копию. Мы должны надеяться, что копия Рубенса была достаточно точной, поскольку это все, что у нас сейчас есть.

    Другое дело – Еврейская свадьба в Марокко . Первоначально это сделал Эжен Делакруа. Пьеру-Огюсту Ренуару было поручено создать его копию. Эта копия сейчас висит в Художественном музее Вустера.Ренуар не пытался претендовать на то, что картина принадлежит ему — его задачей, задолго до появления цифровой фотографии, было сохранение изображения.

    В наше время у нас ДЕЙСТВИТЕЛЬНО есть цифровые камеры, и мы можем легко зафиксировать точное состояние известных картин. Так что больше нет необходимости документировать их маслом и акварелью. Кроме того, проблемы с подделками довольно распространены. Тысячи и тысячи художников видят, как их доходы украдены у мошенников. Таким образом, в художественном произведении есть смысл, что человек, который «ворует» произведение другого художника, причиняет вред.

    Так что разумно, если вы хотите встать на путь копирования работ другого художника для демонстрации или продажи, действовать осторожно. Всегда удостоверяйтесь, что работа, о которой идет речь, полностью не защищена авторским правом. Если вы работаете с фотографией, убедитесь, что *фотография*, которую вы используете, не защищена авторскими правами. Например, украденные картины из музея Гардинера задокументированы только на редких фотографиях, принадлежащих этим фотографам. Несмотря на то, что сами картины старые, эти фотографии довольно бесценны и не могут быть использованы другими без разрешения.

    Если это старая картина, которую вы сами сфотографировали, и эта картина не защищена авторскими правами, это честная игра. Тем не менее, убедитесь, что вы явно и полностью указали оригинальную картину на лицевой и оборотной сторонах картины, а также в названии.

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.