человек либо художник, либо нет – Культура – Коммерсантъ
Перед открытием своей первой выставки в России ВЕРУШКА (Вера Лендорф) ответила на вопросы АННЫ ТОЛСТОВОЙ.
— Вы ведь начали заниматься искусством, а потом ушли в мир моды, почему?
— Это было ужасное время в Германии, после Гитлера. Мой отец был казнен за участие в заговоре против фюрера, но нацисты все еще были в силе — на нас смотрели как на семью предателей родины. В пятнадцать лет я была в глубокой депрессии, даже не зная, что это депрессия. Мне казалось, что если это и есть жизнь, то жить в этом мире нельзя. Поэтому я с удовольствием пошла в художественную школу, я любила рисовать, но дело даже не в этом — это было освобождение, освобождение от общеобразовательной школы. Школу я ненавидела: меня звали дочерью убийцы. Но это было ненадежное освобождение, и мама говорила мне: «Ты не сможешь зарабатывать на жизнь живописью, если ты не станешь знаменитым живописцем, денег у тебя не будет, ты должна найти другой способ заработка».
— Это и была мода?
— Нет, тогда я решила заниматься текстильным дизайном. Но вскоре обнаружила, что это ужасно плоское и скучное занятие: вы все время придумываете и повторяете узоры. Я представляла себе текстильную фабрику и думала, что это не для меня. Потом, в художественной школе ко мне стали иначе относиться: раньше меня дразнили уродиной и дылдой, а тут говорили, что я красива, что у меня прекрасные длинные ноги. Меня начали приглашать сниматься фотографы, я даже появилась на обложке немецкого журнала мод Constanze. И я уже подумывала, что это интересно. А потом я поехала во Флоренцию, чтобы продолжить занятия живописью. Хотела сбежать из Германии. И там, прямо на улице, меня нашел фотограф Уго Мулас — он вообще-то фотографировал людей искусства, а модой занимался лишь изредка. Уго Мулас был очарователен, сказал «пойдем со мной» и привел меня в палаццо Строцци — там представляли одну итальянскую коллекцию одежды. Так неожиданно я оказалась в мире моды. Это была совсем другая реальность: меня окружили красивые девушки в красивых платьях, и я подумала, что, наверное, смогла бы жить в этом мире.
— Вас сразу позвали на подиум?
— В палаццо Строцци я познакомилась с одной французской моделью, я ей понравилась, и она позвала меня в Париж. Я поехала в Париж, у меня появился контракт с модельным агентством. Поначалу не все шло гладко: я была очень высокая и худая девушка с совершенно детским лицом, хотя мне было уже восемнадцать. Представляете: длинное-длинное тело, маленькая головка и детское личико. Но потом мне попался американский агент, она сказала: «Приезжай в Америку — у нас любят высоких блондинок». Я и поехала в Нью-Йорк. И это оказалось ужасно: та женщина-агент меня просто не узнала, заявила, что внешность моя никуда не годится, и посоветовала стать брюнеткой. Я отправилась в самый дорогой салон, чтобы перекрасить волосы.
— Так начались ваши перевоплощения?
— Я делала множество фотопроб — ничего не получалось. Тогда мне пришлось вернуться обратно в Европу, в Италию, чтобы набраться опыта. И там я решила, что я стану совсем другим персонажем — я сделалась Верушкой, девушкой с далекого Востока, я не осмеливалась прямо говорить, что я из России, потому что ни слова не могла сказать по-русски, даже не знала, как будет «привет».
— Вас снимали практически все великие фотографы моды второй половины XX века. Вы чувствовали, что занимаетесь сотворчеством?
— Далеко не со всеми. Хельмут Ньютон сделал всего несколько снимков — у нас не сложилось длительного сотрудничества. Ирвин Пенн особо со мной не разговаривал: он хотел, чтобы ты оставалась всего лишь моделью — повернись налево, повернись направо, не болтай. Он ведь великий фотограф натюрмортов, и модель для него была чем-то вроде бутылки. Хотя после съемок наши отношения переходили в очень дружеские. По-настоящему творческая работа была у меня с Ричардом Аведоном. Но вообще-то модная фотография — это всегда работа в команде: гримеры, стилисты, дизайнеры — они тоже по-своему художники. Правда, поначалу ничего такого у нас, моделей, не было — макияж и прически приходилось делать самим.
— А как вы вернулись к «чистому» искусству?
— Потом я устала и от моды, вернулась в Германию, вела дневник, писала, рисовала.
Еще с Рубартелли я сделала теперь очень известную фотографию: каменная голова среди камней. Мой новый спутник, художник Хольгер Трюльцш, был просто зачарован тем снимком — вместе мы начали работать над серией снимков, где мое тело становилось холстом для живописи, этот проект растянулся на долгие годы.
— Кажется, что мир моды сегодня занимается тем, чем раньше занималось искусство: создает воображаемые миры, не имеющие ничего общего с реальностью. Зато современное искусство сосредоточилось на социальных и политических проблемах реальности. Вы же в своем искусстве продолжаете жить в воображаемом мире. Вам, наверное, трудно было пробиться на художественную сцену?
— О да, я была столь успешна в мире моды, что меня никто не воспринимал всерьез как художницу. Прошли многие годы, передо мной закрывалось столько дверей… Дескать, что она тут делает, эта модель? И надо сказать, мне до сих пор трудно. Так что я очень благодарна Московскому дому фотографии, правда. Я не в таком положении, чтобы выбирать между тем или этим музеем.
— Помимо фотографов вы ведь работали и со многими великими художниками XX века. С кем было интереснее всего?
— Для меня самым важным человеком оказался Сальвадор Дали, потому что он сумел показать мне, что тело может быть инструментом выражения само по себе. В том перформансе, когда я была вся облеплена кремом для бритья, я почувствовала себя живой скульптурой.
Энди Уорхол — ему нравилось, что я делаю, он ходил на все открытия моих выставок в Нью-Йорке, но с ним было непросто общаться. Он все время твердил: «О, это так красиво, так красиво!» Или: «Как ты это делаешь, чтобы оставаться такой красивой?» Дали был безумец, но он дарил мне идеи, с Уорхолом так не получалось. И потом, я тогда еще не понимала, что Уорхол — такой великий художник. Я тогда больше интересовалась Фрэнсисом Бэконом, любила его живопись.
— А Франческо Веццоли?
— Мы познакомились в Нью-Йорке — он сказал, что хочет сделать со мной перформанс на Венецианской биеннале. Я подумала, что Венецианская биеннале — это неплохо, особенно если у тебя трудности с попаданием на художественную сцену. Но он буквально запер меня в Венеции в доме на каком-то острове, ни с кем не познакомил, даже не пригласил меня на торжественный ужин после открытия, когда я там сидела и вышивала. А на следующий день моя фотография была во всех газетах — этакая дива. И он сказал: «О, ты сделал меня знаменитым».
— Кажется, все, с чем вы соприкасалась, начиная с «Blow-Up» Антониони, становилось культовым. Люди, произведения. У вас чутье на то, что станет культовым?
— Бойс говорил, это внутреннее решение человека — стать знаменитым. Нужно лишь очень сильно желать и стремиться к тому, чего ты хочешь. И, конечно, много зависит от удачи: надо встретить нужного человека в нужном месте в нужное время. И потом, многие великие художники остаются неизвестными и просто исчезают — может быть, о них вспомнят после смерти, может, нет.
— Вы говорите, что любите Фрэнсиса Бэкона. Его можно назвать художником, поставившим точку в истории портретной живописи. Ваша выставка называется «Автопортреты», но при этом вы все время прячетесь под разными масками. Почему портрет в его классическом понимании, психологический портрет, сегодня исчез?
— Когда мы работали вместе с Хольгером Трюльцшем, мы говорили, что наша главная цель — изгнать индивидуальность, оставить только женское тело как знак.
В этих работах у меня было ограниченное число поз, я стояла прямо, ровно и скованно, подражая египетским статуям. И я все время закрывала глаза, потому что глаза слишком живы — они все время выбивались из нашей маскировочной живописи. Конечно, исчезнуть было трудно — люди все равно знали, кто эта модель. Но, по крайней мере, таков был наш художественный манифест: убрать индивидуальность. Джек Николсон, с которым мы дружили, говорил: «Нет, Верушка, это не то — нам нравится, когда ты красавица». И это очень типичная реакция. Я думаю, сегодня не может быть одного-единственного портрета человека. Люди стараются придерживаться какого-то стиля: кто-то изображает хиппи, кто-то панка, кто-то светскую даму. Но это все поверхность. То, что внутри, все время изменяется. Конечно, что-то в нас остается неизменным. Но я всегда не то, что вы видите перед собой, я где-то в другом месте. Жизнь текуча, даже слова, которые вы пишете, они тоже меняются со временем. Знаете, у меня было военное и послевоенное детство — в нем не было игр и игрушек.
Так что смена масок — для меня это было чем-то вроде игры, возвращения в детство. Это ведь очень важно — вы должны получать настоящее удовольствие от того, что делаете.
— Вы все время скрывались под масками и даже под вымышленными именем. Почему вы решили рассказать вашу настоящую семейную историю только сейчас?
— Верушкой меня все же иногда называли в детстве. Кроме того, это звучало экзотично, особенно в годы холодной войны. Раньше в Германии были не те времена, чтобы говорить о моем отце, графе Генрихе фон Лендорфе, и о его двойной жизни: бункер «Вольфсшанце» был возле нашего замка Штайнорт, а отец участвовал в Сопротивлении, в заговоре Штауффенберга, в покушении на Гитлера. Это полностью изменило жизнь нашей семьи. Мать пережила чудовищную травму и стала говорить об этом лишь в последние годы — я записала на пленку много ее воспоминаний. Но я уверена, что мы должны рассказывать об этом, хотя бы чтобы этот кошмар не повторился.
Художник — это человек с оголенным нервом…
Из досье «МК»: А.
М. Шилов Народный художник СССР, академик Российской академии художеств, почетный член общественного совета по культуре при Патриархе, член общественного совета при ФСБ. Получил первую премию ФСБ в области культуры, за написание портретов разведчиков и пограничников. В 1992 году международным астрономическим союзом МАС безымянной планете было присвоено название «Шилов». Награжден 2 орденами за заслуги перед Отечеством, орденом Почета, а так же орденом Святого Александра Невского и т.д.
Знаменитый художник, один из немногих, кто в XXI веке неотступно следует канонам реализма, Александр Шилов, завален делами – на Александре Максовиче висит и художественная, и хозяйственная часть галереи. Но как только выдалась свободная минутка, художник выходит в галерею. Останавливается перед недавним портретом, написанным пастелью. Рядом со своими полотнами мастер буквально загорается.
– Александр Максович, пастель ведь это когда мелками по наждачке?
– Да, сложнейшая старинная техника, здесь все делается вот этими пальцами (демонстрирует ладонь).
– И что же здесь самое сложное?
– Самое сложное – заставить говорить глаза, сделать человека живым, что бы с ним можно было говорить. Посмотрите, вот скульптурный мраморный амур, парча… Я уже не говорю о том, что нужно выразить при абсолютном внешнем сходстве внутренний мир человека и превратить вот эти мелки в материальную живопись. Это то, над чем все мастера прошлого работали до последнего дня. Над мастерством. Потому что без величайшего мастерства и изучения анатомии невозможно выразить свою мысль и чувства, какой бы ты талантливый не был.
…На стене натюрморт и несколько женских портретов. Их глаза сверкают и будто бы следят за каждым шагом посетителей. Вопрос к юбиляру:
– А что вы «хватаете» первым в человеке, чтобы передать его душу?
– В портрете важно все. Но в основном это глаза и линия рта – через выражение в складках губ абсолютно точно передается внутренний мир человека.
Александр Максович мельком оглядывает свои творения и направляется к экспозиции «Они сражались за Родину».
Выставка объехала уже полмира, но люди не устают смотреть на портреты известных и неизвестных героев. За Родину сражались все – здесь с полотен глядят разведчики Вартанян, Блейк, Ботян, проникновенное лицо монахини Андрианы, которая попала на фронт в 19 лет и занималась прослушкой. Есть известные всей стране лица: Сергей Бондарчук, Ян Френкель, Владимир Этуш. А есть портреты совершенно простых, но от этого не менее мужественных людей. Вот пулеметчик без ног, на тележке. Он простой солдат, рядовой, защищая Псков, потерял обе ноги.
— Для меня великая честь писать ветеранов войны, разведчиков, контрразведчиков, героев, которые всю свою жизнь отдали для победы над фашизмом, — вдохновенно говорит художник. – На подвигах этих великих героев надо воспитывать будущих защитников отечества, иначе некому будет защищать нашу Родину!
– Где же вы находите этих известных и неизвестных героев войны?
– Люди знакомят. С матушкой Андрианой, например, меня познакомил один из разведчиков… Есть, допустим, новые мои работы (два пожилых генерала, ордена на груди, благородные седины, но у каждого – особенный взгляд.
Эти работы еще не вывешены, но Александр Максович показывает мне 2 портрета – прим.авт.). Они сделаны по просьбе Департамента контрразведки. Я написал Устинова Ивана Лаврентьевича, ему 94 года недавно исполнилось. И Иванова Леонида Георгиевич, ему 95. Но эти люди еще в строю, мужественные, у них прекрасная память… И благодаря им я очень много узнал о жизни спецслужб во время войны. Фактически они обеспечивали боеспособность армии. Завтра армии идти в бой, и они дух поднимали среди солдат и офицеров… Смотрели, во время ли привозят пищу, боекомплекты. И, конечно, вычисляли, когда немцы наших же пленных обученных забрасывали к нам, чтобы те сеяли панику и убеждали сдаваться. А сколько они сейчас предотвращают террористических актов! Народу просто не говорят, но их очень много. Я считаю, искусство тоже относится к безопасности страны, потому что все страны во все времена уделяли искусству и состоянию армии самое большое внимание. Потому что искусство – это идеология души человека, а какая душа, такой и народ!
Но галерея воспитывает своих посетителей не только живописью.
Звезды классического искусства не редко появляются в гостях и дают концерты у Шилова. Елена Образцова, Юрий Башмет, Светлана Безродная, Валентин Гафт, Наталья Бутман, Игорь Бутман, В. Моторин, А. Пахмутова, Ф. Добронравов, И. Кобзон…
– Потом мы проводим здесь вечера для детей обездоленных, физически ограниченных, — делится Александр Максович. – Они приезжают на колясках, привозят свои рисунки, несколько раз мы даже конкурсы делали. Они здесь себя так ощущают – плакать хочется. Думаешь, за что судьба невинных детей обижает …
– А вы сами не проводите мастер-классы?
– У меня физически не хватает времени. Я первую половину дня часов до трех-четырех работаю. А иначе мне жить нельзя – это мой воздух. Вообще, в искусство должны идти люди, которые без искусства не могут жить. Иначе, какой бы ни был талант, это бесполезно, потому что искусство предполагает еще и громадную самоотдачу. Каждый день нужно трудиться – изучать перспективу, анатомию, но для классического реалистического искусства.
Пока художник рассказывает, мимо проплывают женские лица – белокурые, темноволосые. Вроде бы современные женщины – а платья из прошлых веков… И атмосфера на картинах вневременная, будто под стекло убрали вырезанный из реальности фрагмент. Александр Максович делится секретом такого мощного эффекта:
– Это правильно, когда не видно кухни художника, полотно выходит как жизнь, заключенная в рамку. Тогда с портретом можно говорить. Тогда видишь, что он думает, страдает, переживает. Все его нутро выражено в абсолютном внешнем сходстве. К тому же, живопись материальна. Нет краски – есть материал. Одежда – шелк, бархат. Конечно, самое важное – выразить внутренний мир человека. Но при этом волосы должны быть – настоящие волосы. И кожа должна быть кожа… Молодая кожа – одно, старая – другое. Все предметы, которые есть на полотне, должны быть материально ощущаемы. И это создает иллюзию живого человека, с которым можно говорить.
Иллюзия жизни действительно непреодолима. Деревянный образ Христа, мраморные ангелочки, цветы, пыльный фолиант, шелк, бархат, – все это прописано с невероятной скрупулезностью, но ни единого мазка на полотне не видно.
– Как же…у вас это получается?
– Как говорил Репин: если хочешь создать что-то хорошее – смотри только на самое великое. Но сравнивать себя с великими и быть самоедом – это очень тяжело. Потому что самоед постоянно ищет недостатки в своем творчестве. Но, если он не видит огрехов, он будет самодовольный Нарцисс. Нужно стараться от картины к картине стараться быть все выше. Для этого надо избрать в своем творчестве икону недосягаемую и пытаться к ней расти. Иначе художник превращается в рядового ремесленника.
– Но у художника бывают хоть какие-то периоды удовлетворения?
– Что касается меня – чуть-чуть. Потом я прихожу в галерею, и так хочется выделить день, чтобы исправить свои ошибки в предыдущих полотнах.
Как объясняет Александр Шилов, рисунок – это три четверти того, что изображено на картине. Это и сходство, и композиция, это и психология, пропорции, анатомия, перспектива, объем. Остальное цвет.
– Если я пишу гимнастерку, я должен сделать так, чтобы под гимнастеркой было тело, — объясняет художник, очерчивая рукой линии там, где под тканью разведчика на картине прячутся крепкие плечи.
— Если я пишу волосы – надо чтобы под волосами была голова, череп и т.д.
– А то, что под черепом и еще глубже – в душе – вы тоже должны видеть?
– Художник должен быть человек с оголенным нервом. Он должен спиной чувствовать то, то пишет.
Вот, например, несчастный согбенный старик. Шилов писал его в Тверской области. На запыленном приемнике лежат потускневшие воинские награды. Он остался один. Жена умерла. На натюрморт на столе страшно смотреть – кружка с непонятного вида жидкостью, черствая горбушка, раздавленный коробок спичек. А его глаза? В них пустыня. Александр Максович узнал историю старика:
— Он был один, ему некому даже было привезти дров. Когда я его писал, он мне говорил: «Я этой зимой замерзну, потому что дрова никто не привозит, а у меня детей нет». И он действительно зимой замерз… Родина, которой он жизнь отдал, забыла про него. Я пишу, чтобы обратить внимание на таких людей.
Александр Шилов продолжает обход галереи – мимо проносятся в вихре венгерская цыганка Нана, портрет Валентина Распутина, серия лиц деревенских стариков.
В углу залы художник неожиданно останавливается.
– Вы знаете, я обычно показываю портрет тогда, когда уже в раму вставлю. Но всегда говорю: если увидите, что что-то не так, то говорите, не бойтесь. Я проверю, если вы правы – я обязательно исправлю, если нет – вы меня не уговорите.
– И действительно бывают те, кто просит что-то исправить?
– Вот знаменитый певец, Сергей Лемешев. Когда он увидел в первый раз себя, то осмотрел и говорит: «А знаете, нос не мой…» Я ему: «Как не ваш? Нет, извините, ваш!» Он начал обижаться, спорить со мной, говорит, «я 50 лет бреюсь, каждый день на себя в зеркало смотрю»… Но, во-первых, когда смотрят в зеркало, лицо переворачивается. И второе – когда бреются, на себя смотрят машинально. Я тоже бреюсь, но когда я начинаю писать портрет, я смотрю совершенно по-другому. Я оставил ему портрет на пару дней… Приезжаю домой (мы тогда в коммуналке с мамой жили). Она обижается, за то, что я ее кумира обидел… Но вскоре Сергей Лемешев звонит: «Саша, извините…нос-то, оказывается, мой!».
Действительно, великий Лемешев с другим носом был бы совсем другим человеком… Но не успеваю я додумать, как взгляд перехватывают горящие глаза, которые исподволь сверлят каждого входящего буквально мефистофельским взглядом. И все бы ничего, но человек на портрете в черной сутане – он священник. Это «Архимандрит Дионисий». Александр Максович смотрит на него с дружеской улыбкой:
– Когда я его написал, он пришел смотреть портрет. Он взглянул и сразу попросил оставить его одного. Я ушел в другую комнату, минут через 30-40 захожу… Архимандрит молча встает. Я предложил отметить окончание работы. Он встал и говорит: «Отмечать не буду. Я теперь знаю, что мне нужно в себе исправить»…
Александр Максович проводит меня дальше по экспозиции и лестницам – мимо портрета мальчика-чеченца на протезах, без руки и ноги. Мимо посмертного портрета Высоцкого, который Шилов писал, вопреки своему обыкновению, по фотографии. Мимо фотографий на лестнице, где знаменитый художник находится в лоне славы – рядом с ним президенты, артисты, военные, чиновники, – словом, все, кто искренне восхищается жизнью на полотнах Александра Шилова.
Пока лестница уводит от наблюдательных глаз портретов, последний вопрос к юбиляру:
– Чего не хватает современному человеку, на ваш взгляд художника с «оголенным нервом»? Какую роль будет играть искусство в новом XXI веке?
– Хотелось бы в обществе восстановить чувство чести, совести – это и в человеке должно быть, независимо от времени. Человек должен быть человеком. С совестью, с состраданием. Он обязательно должен сохранять гордость государства и честь человеческую. А искусство… искусство должно возвышать, очищать, облагораживать человеческие души, окружать его красотой духовной и физической, пробуждать любовь к отечеству!
Стихотворение, посвященное художнику Александру Шилову Валентином ГАФТОМ:
Здесь в лицах боль и сила духа,
Вся дурь и мудрость человека.
Здесь плачешь, глядя на старуху,
Здесь полон мужества калека.
Здесь, глядя на лицо Владыки,
Захочешь каяться в грехах.
Здесь миллионы пятен, бликов.
Как отблеск слез в твоих глазах.
Здесь слышишь, как портреты Дышат,
Здесь тихо, как у алтаря,
Портреты видят все и слышат,
В молчании с Богом говорят.
Нет, здесь не кистью и не Краской,
Нутром рисуется Портрет,
Здесь честно пишут даже маски,
Когда лица под маской нет.
2007 год
Моряк, художник, человек. Владимир Голицын (1902–1943)
Моряк, художник, человек. Владимир Голицын (1902–1943)
Владимир Голицын — представитель одного из самых известных княжеских родов России, происходящих от великого князя литовского Гедимина. Именно поэтому в верхней части щита их герба изображается знаменитая «Погоня» — литовский герб. На многих предметах, расписанных художником, можно найти авторский знак, повторяющий это изображение всадника с мечом.
Авторский знак В.
М. Голицына
Владимир Голицын, внук московского городского головы князя В. М. Голицына, родился в Тульской губернии в 1902 году. После окончания 5-й Московской гимназии, где он начинает увлекаться рисованием, вместе с семьей переезжает в Богородицк. Там художник заведует местной плакатной мастерской, работает декоратором в театре, участвует в создании плакатов «Окна РОСТа» в Туле. Однако не только рисование было его страстью: в 1920 году Владимир Голицын принимает участие в экспедиции на Кольский полуостров, откуда привозит целую серию морских пейзажей и зарисовок. А через год, уже в качестве моряка, едет на Новую Землю. Владимир Голицын участвовал в строительстве легендарного научно-исследовательского судна «Персей». Впоследствии художник напишет в дневниках: «Я ушиблен морем» — и действительно, пронесет любовь к нему через всю жизнь.
В перерывах между путешествиями Владимир Голицын работал в московской мастерской художника П. П. Кончаловского, брал уроки у К.
Ф. Юона, посещал вечерние курсы ВХУТЕМАСа. В эти годы художник плодотворно сотрудничает с Центральным Кустарным музеем в Москве, выполняя заказы на роспись деревянных изделий. Их отличают яркие остроумные сюжеты на агитационную тематику, использование художественных особенностей и приемов традиционной мезенской росписи.
Прялка с росписью мезенского типа
В этих работах Владимир Голицын проявил себя как талантливый миниатюрист, способный лишь парой штрихов передать характер своих героев. Несмотря на небольшие размеры, каждый предмет рассказывает свою историю: красноармейцы маршируют по Красной площади, куда-то торопится пролетка с пассажирами, северные охотники заносят свои гарпуны. Внимательный зритель отметит почти фотографическую точность деталей и уловит приметы времени, с юмором подмеченные художником: чего стоит изображение популярного в 1920-е годы аттракциона – силомера в виде карикатурного нэпмана.
Пенал «Охота на оленя»
Работы Владимира Голицына отмечены многими наградами; так, на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже в 1925 году, ставшей триумфальной для молодого советского искусства, художник получил Золотую медаль.
С 1924 года Владимир Голицын начинает работать художником-иллюстратором детских книг и журналов, среди которых «Всемирный следопыт», «Знание — сила», «Кругосвет», «Пионер» и многие другие. В эти годы художник по заданию редакций он ездит по разным регионам страны, особенно памятными оказались командировки на полуостров Мангышлак и рыбные промыслы Азовского моря.
После высылки из столицы в 1931 году Владимир Голицын вместе с женой и детьми переезжает в Дмитров. Там он начинает работать в краеведческом музее, рисуя карты и схемы просветительской и агитационной тематики.
Мечтая о море, Владимир Михайлович изобретает несколько настольных морских игр для детей, в которых он проявил все свои знания истории флота и кораблестроения. Одну из них — «Пираты» — его друг, художник П. Д. Корин показал в Москве Максиму Горькому, который вызвался помочь ее напечатать. Однако, издана она была лишь многим позже.
Фрагмент декоративной вставки для ширмы «Тверской бульвар»
Княжеское происхождение Владимира Михайловича становилось причиной его многочисленных арестов. Три раза его вытаскивали из тюрьмы друзья-художники, письма в его защиту подписывал известный архитектор А. В. Щусев. Четвертый же арест закончился трагически — в 1941 году художник был осужден и отправлен в исправительно-трудовую колонию г. Свияжска под Казанью, где через год скончался от болезни.
Уникальная коллекция работ талантливого художника, выполненных в 1923–1925 гг.
для Центрального Кустарного музея в Москве, находится в собрании нашего музея. Они представлены в виртуальном выставочном проекте «Моряк, художник, человек. Владимир Голицын (1902–1943)».
Хранитель отдела дерева ВМДПНИ Рыкова Татьяна
Творчество семьи Шабаевых представлено на выставке «Человек. Художник. Жизнь» в Кириллове
В выставочном комплексе Кирилло-Белозерского музея-заповедника – Народном доме – открылась выставка «Человек. Художник. Жизнь», посвященная творчеству семьи Шабаевых.
Основой экспозиции служат работы живописца, графика, члена Союза художников России Бронислава Шабаева (1930–2018). Как художник он сформировался, учась на графическом факультете Московского художественного института им. В. И. Сурикова.
Одновременно с освоением разных графических техник Бронислав много путешествовал – ездил на пленэры по городам Московской области, в Ярославль, Ростов.
Именно тогда его любимым жанром стал пейзаж: городской, архитектурный, ландшафтный.
Работы Бронислава Шабаева многим известны по книгам. Долгое время он сотрудничал с Северо-Западным книжным издательством в качестве иллюстратора. Художник оформил около 50 книг вологодских авторов, первой из которых стала книга детских стихов Сергея Викулова «Захотелось Мишке молока».
Выставка работ Бронислава Шабаева в Кириллове не случайна. Этот исторический городок всегда привлекал художника могущественным ансамблем Кирилло-Белозерского монастыря, его крепкими каменными стенами и старинными церквями. Воодушевленный увиденным, он пишет «Кириллов монастырь» (1967), который представлен в одном из залов Народного дома.
Долгое время художник жил и творил в Кирилловском районе – еще в 1980-х он купил дом в деревне Оденьево, вблизи Ферапонтова, что очень ярко сказалось на последующем творчестве самого Бронислава и его детей – Матвея, Александра, Анны и Юлии.
Появились работы «Золотая осень в Леушкино», «Последний ветряк, деревня Щелково», «Дождь» и многие другие. Дети Бронислава Шабаева рассказывают, что их отец очень любил бывать и в Кириллове, и в Ферапонтове. Множество графических листов, выполненных в самых разных техниках, посвящены именно этим заповедным местам.
Панораму русского пейзажа Бронислав Иванович раскрывает по-особому – каждую его работу отличает виртуозность исполнения. Об этом говорят не только искусствоведы, это скажет каждый, кто хоть раз увидит картину Шабаева. Причина такого суждения проста и лежит на поверхности – его произведения вызывают самые искренние эмоции.
Любовь к искусству, творчеству и всему настоящему от отца передалась детям. Дочери Анна и Юлия закончили факультет монументального и декоративно-прикладного искусства, отделение керамики Московского государственного художественно-промышленного университета им. С. Г. Строганова; сын Матвей и внук Александр – факультет графики Московского государственного академического художественного института им.
В. И. Сурикова, где с 2018 года Матвей Шабаев трудится заведующим кафедрой графики и композиции.
Познакомиться с работами творческой семьи можно в Народном доме Кириллова до 26 апреля (ул. Преображенского 3).
Кирилло-Белозерский музей-заповедник
Каждый человек есть художник своей собственной жизни, черпающий силу и вдохновение в себе самом.
ПОХОЖИЕ ЦИТАТЫ
ПОХОЖИЕ ЦИТАТЫ
Человек, знающий, что ему делать со своей собственной жизнью, никогда не вмешивается в чужую.
Игорь Хоботов (50+)
Каждый человек получает в жизни то, чего хочет. Но не каждый после этого рад.
Клайв Стейплз Льюис (50+)
Когда ты сам перестаешь придавать значение себе и своей жизни, узнаешь вкус подлинной свободы.
Макс Фрай (50+)
Цель жизни — поиск совершенства, а задача каждого из нас — максимально приблизить его проявление в самом себе.
Ричард Дэвис Бах (50+)
Человек, научившийся управлять своими эмоциями, становится хозяином своей жизни.
Неизвестный автор (1000+)
Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста.
Пабло Пикассо (40+)
Каждый человек — отражение своего внутреннего мира. Как человек мыслит, такой он и есть (в жизни).
Марк Туллий Цицерон (100+)
Каждый человек меня в чем-то превосходит; и в этом смысле мне есть чему у него поучиться.
Ральф Уолдо Эмерсон (100+)
В своей жизни мы можем найти себе оправдание, а можем – здоровье, любовь, понимание, приключение, богатство и счастье.
Единственная (Ричард Бах) (20+)
Дети приходят в этот мир со своей миссией, предназначением, каждый человек немного меняет облик мира.
Неизвестный автор (1000+)
художник — это… Что такое художник?
Морфология: (нет) кого? худо́жника, кому? худо́жнику, (вижу) кого? худо́жника, кем? худо́жником, о ком? о худо́жнике; мн. кто? худо́жники, (нет) кого? худо́жников, кому? худо́жникам, (вижу) кого? худо́жников, кем? худо́жниками, о ком? о худо́жниках; сущ.
, ж. худо́жница
Известный, талантливый художник. | Русский, испанский, французский художник. | Художник-портретист. | Художник-пейзажист. | Персональные выставки художников. | Натюрморт работы художника фламандской школы. | Портрет кисти неизвестного художника.
2. Свободный художник — это художник, который не принадлежит к какому-то творческому объединению, союзу, работает независимо.
3. Художником называют того, кто творчески работает в области искусства, создаёт произведения искусства.Эти ювелирные украшения делал художник. | Художник по тканям, по камню, по дереву.
4. Художником слова называют талантливого писателя.
5. Художником сцены называют талантливого режиссёра, актёра.
6. Художник-оформитель — это работник предприятия, рекламной фирмы и т. п., который рисует плакаты, оформляет информационные стенды и т. п.
7. Если вы говорите о ком-то, что он художник в душе, то это означает, что этот человек обладает развитым эстетическим вкусом.
8. Художником по костюмам, по свету и т. п. называют работника театра или кинематографической студии, который отвечает за создание костюмов для спектакля, фильма, за освещение и т. п.Художник-постановщик. Художник по свету.
9. Художником называют того, кто достиг высокого совершенства в какой-либо работе, кто проявил большой вкус и мастерство в чём-либо.Истинный художник. | Художник своего дела, в своём деле.
Выставка «Человек. Художник. Жизнь»
| Регион: | Вологодская область |
| Источник: | ФГБУК «Кирилло-Белозерский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник» |
| Адрес: | Кирилловский район, г Кириллов |
| Стоимость: | 80-100 ₽ |
| Категория: | Выставки |
| Время проведения: | События завершились |
| Место проведения: | Кирилло-Белозерский музей-заповедник |
В выставочном комплексе Кирилло-Белозерского музея-заповедника – Народном доме – работает выставка «Человек.
Художник. Жизнь», посвящённая творчеству семьи Шабаевых. Основой экспозиции служат работы живописца, графика, члена Союза художников России Бронислава Шабаева (1930–2018). Как художник он сформировался, учась на графическом факультете Московского художественного института им. В. И. Сурикова.
Любовь к искусству, творчеству и всему настоящему от отца передалась детям. Дочери Анна и Юлия закончили факультет монументального и декоративно-прикладного искусства, отделение керамики Московского государственного художественно-промышленного университета им. С. Г. Строганова, сыновья Матвей и Александр – факультет графики Московского государственного академического художественного института им. В. И. Сурикова.
Познакомиться с работами творческой семьи в Кириллове можно будет до 26 апреля.
Подробнее – на сайте Кирилло-Белозерского музея-заповедника.
фотографий художника-человека | Свадебные фотографы
Мы с супругой выбрали Human Artist Photography для нашей свадьбы 28 мая 2016 года.
Это, без сомнения, было лучшим решением, которое мы приняли за наш большой день.
Евгений, ведущий фотограф, и Юлия — просто потрясающие люди! При первой встрече с ними мы немного нервничали, так как позировать для фотографий может быть немного неудобно. Однако и Евгений, и Юлия заставили эти неприятные ощущения уйти, и они заставили нас чувствовать себя так комфортно, как будто мы знали друг друга много лет! Мы не чувствовали себя просто фотографом, делающим наши снимки; они оба заставили нас почувствовать себя друзьями.Нам очень понравилось их общество как команда сильной пары. Это была такая великолепная помолвка и прекрасный день!
Евгений сделал все возможное, чтобы наша свадьба была еще более особенной, и чтобы все прошло гладко, и любая мелкая икота дня исчезла.
Мы с Эми безумно влюблены в наши помолвочные и свадебные фотографии! Мы должны признать, что после нашей помолвки с Евгением и Джули, Human Artist Photography превзошла все наши ожидания! Съемка прошла очень плавно и эффективно, во многом потому, что Евгений точно знает, что и как снимать.
Когда дело касается земли в день съемки, это действительно практические вопросы. Созданные высококачественные фотографии бесспорно доказали его умение и способность запечатлеть истинную красоту.
Евгений запечатлел каждую часть нашего особенного свадебного дня. Он невероятно профессионален, и он, и Джули очень веселые! В течение двух недель мы получили электронное письмо со ссылкой на наши профессиональные фотографии, и эти фотографии просто поразили нас! Постпродакшн и ретушь были просто быстрыми и безупречными.Евгений выложил фотокнигу в идеальном порядке, вручную отбирая фотографии самого лучшего качества, которые он предлагает. Не хватает слов, чтобы описать, насколько невероятны и восхитительны наши свадебные фотографии! Его работа безупречна! Каждый человек, который видел наши свадебные фотографии, отмечал, что они выглядят как что-то из свадебного журнала и что они идеальны.
Работа Евгения волшебна, и он сделал несколько снимков моей вуали, «парящей» в воздухе. Этот особый стиль фотографии давно привлекал наше внимание и привлекал к нему.
Он создал свое собственное прикосновение благодаря своему уникальному чувству прекрасного, наряду с особыми способностями рассказывать истории с помощью своих фотографий.
Наш совет всем, кто хочет нанять свадебного фотографа:
1. Выберите их, потому что вы влюбились в их стиль.
2. Полностью доверяйте им, когда они снимают ваши изображения.
и вы получите самый бесценный подарок, который может предложить только настоящий фотограф, такой как Human Artist Photography —
прекрасные воспоминания на всю жизнь.
Огромное спасибо Евгению и Юлии! Для нас было благословением и удовольствием знать их обоих.Искренне,
Миссис Эми и Терри Арендт
28.05.2016Деревянный человеческий манекен Элвина (унисекс) 12 дюймов высотой
За свою цену это нормально? Мне трудно заставить эту штуку встать прямо, когда я выполняю позы, которые требуют, чтобы большая часть веса была смещена в одну сторону без того, чтобы она упала лицом на мой стол. Конечно, вы можете сказать: «Ну, дерьмо .
..», но, честно говоря, это происходит, когда я даже поднимаю одну ногу. Хотя, полагаю, не помогает то, что металлический стержень, удерживающий манекен, начал терять хватку и теперь наклоняется.Также не помогает то, что деревянная платформа, на которой он расположен, не идеально плоская, поэтому она как бы катится в сторону, где наклоняется металлический стержень, что заставляет манекен еще больше смещать свой вес в эту сторону, а затем, ну … Короче говоря, гравитация — отстой, когда вещи, которые не должны упасть, не сделаны прилично. Хотя, возможно, мне просто не повезло, и я получил дефект.
В любом случае:
Насчет поз. Я бы не ожидал многого. Он неплохо справлялся с простыми стоячими позами, прежде чем металлический стержень решил на меня напасть.Когда дело доходит до поворотов и покачиваний, голова имеет нормальный диапазон, только не ожидайте, что она сможет поворачивать головой под более глубокими углами, на которые обычно может пойти человек. Что ж … можешь попробовать.
Можно вытащить голову на эти углы, хотя пружина, удерживающая голову, просто вернет ее на место.
Для оружия; вы можете заставить его вертеться, как сумасшедший, вывихнувший суставы на руках, так что получайте удовольствие от этого.
Торс немного ограничен. При этом туловище можно поворачивать на полные 360 градусов.Торс может наклоняться только вперед, назад или из стороны в сторону максимум на 45 градусов (приблизительная оценка). Так что, если вы хотите, чтобы они свернулись в клубок или, может быть, получили удовольствие, как акробат, то вы будете очень разочарованы.
Бедра, совсем не могут двигаться: 0/10.
Ноги имеют очень ограниченный диапазон. Хотя вы можете поворачивать ноги и ступни на 360 градусов, а ступни можно наклонять под довольно большим углом, бедра, к сожалению, соединены суставами, приклеенными к бедрам.Эти суставы заблокированы, поэтому вы можете двигаться только вперед или назад. Так что вы не можете заставить манекен наклонять свои ноги, как будто они делают шпагат .
.. Погодите, вы можете, но другой вид шпагата. Эээ … в общем, вы не можете позировать манекен, как будто они писают, как кобель.
Долговечность. Metal Rod получает оценку 0/10. Хотя из-за некомпетентности металлического стержня я обнаружил, что сама фигура довольно прочная после того, как бросила его на различные твердые поверхности из-за моего разочарования в попытках заставить его стоять прямо (глупый металлический стержень).
Хотя это не идеально, но довольно дешево (хотя я все еще немного зол на металлический стержень, но что вы ожидаете от этой цены). Если каким-то образом будущие продукты будут включать металлический стержень, который ведет себя сам, то я настоятельно рекомендую это любому начинающему художнику, который хочет получить общее представление о рисовании фигур.
Хотя, оглядываясь назад, я, вероятно, мог бы легко починить металлический стержень, набрав немного суперклея и набив отверстие, в котором он был заполнен этим материалом.
… хм .
..
Жаклин Суовари — нигерийская художница, иллюстрирующая человеческий опыт с помощью шариковой ручки.
Автор Надя Ли-Хьюитсон
На расстоянии портреты Жаклин Суовари выглядят как монохромные фотографии с красочной графикой. При ближайшем рассмотрении вы видите, что эти драматические изображения представляют собой кульминацию тысяч крошечных линий, сделанных с помощью простой шариковой ручки.
Суовари, 31 год, занимается художницей с детства, профессионально занимается более десяти лет.Она изучала изобразительное искусство в Университете Порт-Харкорта на юге Нигерии, участвовала в групповых выставках по всему миру и провела персональные выставки в Майами и Нигерии.
Ее работы были представлены в нескольких публикациях, в том числе в книге Чуквуэмеки Бен Босаха «Искусство нигерийских женщин», посвященной женщинам-художникам из нигерийской диаспоры.
В июне этого года она открыла передвижную выставку своих новых работ под названием «Теперь я ношу себя».
В своей новой выставке Суовари рассматривает фетишизацию и осуждение эстетики, связанные с коренными нигерийскими культурами, и пытается дестигматизировать предметы, которые часто являются табу в стране, такие как депрессия, горе и стыд.
Философия с шариковой ручкой
В детстве Суовари не знала, быть ли ей художницей, поэтом или танцовщицей, поэтому она решила быть всеми тремя. «Каким-то образом мне удалось объединить все это вместе, чтобы сформировать опыт Жаклин Суовари», — засмеялась она.
«Я описываю себя как визуальный художник, специализирующийся в первую очередь на шариковой ручке», — сказал Суовари. Ее практика — сочетание замысловатых рисунков в сочетании со смелыми афро-урбанистическими элементами, нарисованными маковыми основными цветами.Эти работы — часто до восьми футов высотой — сопровождаются поэзией и исполнительским искусством.
«В моих рисунках я придерживаюсь этой философии наслоения — это просто способ, которым я накладываю свои штрихи друг на друга», — объяснил Суовари.
«Мне нравится смотреть на каждый штрих как на человеческий опыт. Один опыт, один удар — и сбор, и наслоение, и падение вместе всех штрихов создают человека и его характер».
Suowari работает с мелкими деталями на макроуровне.Предоставлено: любезно предоставлено Жаклин Суовари
Ее процесс создания пометок является кропотливым, и большинство ее работ требует месяцев тщательного рисования.
Сила пера
Работа Суовари мотивирует и эстетична. Ее огромные творения несут послание надежды и возможностей; их намерение состоит в том, чтобы позволить нигерийцам принять уязвимые места, побуждая их обсуждать проблемы, в том числе психическое здоровье, которые, по ее словам, не являются общепринятым дискурсом в нигерийском обществе.
«Нигерийская система как бы запугивает вас», — сказала Суовари, добавив, что она пытается побудить людей быть самими собой, будь то признание их личных раздоров или присоединение к огромным политическим действиям, таким как EndSARS движение.Одна из частей, включенных в ее последние работы, — это изображение женщины в традиционном платье с восковым принтом Анкары и дредах свободного покроя. «Одной из причин, вызывающих беспокойство у движения EndSARS, было стереотипное представление о людях, основанное на их внешности, — сказал Суовари.«В Нигерии, если полицейский обнаружит ночью такую одетую женщину, они скажут, что она проститутка».
Суовари открыла свою новую персональную выставку «Теперь я ношу себя» в RetroAfrica в Абудже в июне. Предоставлено: любезно предоставлено Жаклин Суовари.
Суовари сказала, что ее огромные портреты представляют безликие, безмолвные массы; она хочет рассказывать истории меньшинств и подвергшихся остракизму людей, чтобы придать им силы.
«Я считаю, что каждый был создан по определенному проекту.Это похоже на головоломку — вы должны быть определенным способом вписаться в головоломку, чтобы происходило лучшее, — объяснила она. — Мы не сможем составить эту красивую картину, если все будут одинаковыми ».
Искусство для общего блага
Последняя коллекция Суовари «Теперь я ношу себя» открылась в Абудже 25 июня. В октябре выставка отправится в турне со следующим показом в Лагосе и дальнейшие даты будут подтверждены. После появления в качестве гостя на подкасте Родни Омеокачи «Молодой Бог» после запуска, Суовари сказала, что ее завалили сообщениями с благодарностью за открытое обсуждение тем, которые, по ее мнению, являются излишне табу в Нигерии.
«Я думаю, что художник — своего рода пророк», — сказала она. «Какая-то жрица, пастор или врач, которые должны иметь возможность использовать свое искусство как инструмент для позитивных изменений в сознании людей».
Суовари регулярно получает электронные письма от поклонников, в которых рассказывается, как ее работа повлияла на их жизнь. «Я думаю, что для меня это величайшее достижение: возможность использовать свое искусство как инструмент для изменения людей к лучшему», — сказала она. «Чтобы вдохновить людей стать лучше».
Человекоподобный робот создает жуткие автопортреты
Первые в мире роботизированные автопортреты, нарисованные андроидом по имени Ай-Да, были представлены на новой художественной выставке в Лондоне, несмотря на то, что у «художника» не было «я», которое можно было бы изобразить.Удивительно точные изображения ставят под сомнение роль искусственного интеллекта (AI) в человеческом обществе и ставят под сомнение идею о том, что искусство — исключительно человеческая черта, по словам ее создателей.
Ай-Да — андроид-художник в натуральную величину, работающий на искусственном интеллекте — компьютерных алгоритмах , которые имитируют интеллект человека — который может рисовать, лепить, жестикулировать, моргать и говорить. Ай-Да создан, чтобы выглядеть и вести себя как человеческая женщина с женским голосом. Ее голова и туловище выглядят как манекен, и она носит множество разных платьев и париков, хотя пара обнаженных механических рук выдает ее за робота.Команда программистов, робототехников, искусствоведов и психологов из Оксфордского университета и Университета Лидса в Англии потратила два года, с 2017 по 2019 год, на разработку андроида по данным The Guardian . Она названа в честь Ады Лавлейс, первого английского математика, который считается одним из первых программистов.
В прошлом работа Ай-Да состояла из абстрактных картин, основанных на сложных математических моделях, и ее первая выставка собрала более 1 миллиона долларов от продаж произведений искусства, по данным Artnet .Она даже провела свой собственный TEDx Talk . Но теперь Ай-Да создал то, что считается первым автопортретом, сделанным машиной. Три из этих роботов-селфи были выставлены в Музее дизайна 18 мая на выставке под названием « Ai-Da: Portrait of the Robot », которая является бесплатной для публики и будет демонстрироваться до 29 августа.
Связано: Супер-интеллектуальные машины: 7 роботов будущего
«Эти изображения призваны сбить с толку», — сказал The Guardian Эйдан Меллер, галерист, стоящий за созданием Ai-Da.«Они призваны поднимать вопросы о том, куда мы идем. Какова наша человеческая роль, если так много можно воспроизвести с помощью технологий?»
Три автопортрета Ай-Да, выставленные в Музее дизайна. (Изображение предоставлено: GLYN KIRK / AFP через Getty Images)Селфи роботов
Новые автопортреты Ай-Да представляют собой сочетание постоянно обновляемого ИИ, встроенного программирования и продвинутой робототехники. Глаза на самом деле являются камерами, которые позволяют роботу «смотреть» на то, что он рисует или лепит, в данном случае на себя, и воспроизводить это.Роботизированные руки управляются ИИ, который может создавать реалистичные портреты, а также включает в себя методы и цветовые схемы, используемые в примерах искусства, созданных настоящими людьми-художниками, которые загружаются в ИИ.
Ай-Да не решался создавать автопортреты; скорее, ее создатели дали эти инструкции. Действительно, Ай-Да не осознает себя, не чувствует или не осознает, но это достижение по-прежнему является примером того, как далеко продвинулись ИИ и робототехника и куда они могут пойти в будущем, по словам Меллера.
Связано: Могут ли машины быть креативными? Познакомьтесь с 9 AI «Художниками»
Время проведения выставки во время пандемии COVID-19 также чрезвычайно актуально, сказала The Guardian Прия Ханчандани, руководитель кураторского отдела Музея дизайна. «За последний год у всех нас были такие близкие отношения с технологиями, так что сейчас хорошее время, чтобы задуматься над этим и критически задать вопросы».
Художник или произведение искусства?
Хотя Ай-Да часто называют «художником-андроидом», чьи картины и скульптуры считаются искусством, само ее существование и личность также считаются произведениями искусства.Но где заканчивается человеческое влияние в форме программирования и начинается ИИ Ай-Да? По словам создателей Ai-Da, этот вопрос вызвал неоднозначные и наводящие на размышления дискуссии.
«Некоторые люди думают, что она худшая из всех, и чувствуют угрозу, а некоторые действительно взволнованы», — сказал Меллер The Guardian. «Само ее существование почему-то неверно, и мы знаем об этом».
Ай-Да также ставит под сомнение давнее убеждение, что искусство — это в основном человеческое понятие, даже несмотря на то, что ИИ был создан и запрограммирован людьми.«Мне нравится быть тем, кто заставляет людей думать», — сказал Ай-Да BBC в эксклюзивном интервью . «Я думаю, что искусству нужно больше, чем просто рисование чего-либо; оно означает передачу чего-либо таким образом, чтобы это было связано».
Создатели Ai-Da надеются, что существование здесь заставит нас больше задуматься о роли технологий, в частности искусственного интеллекта, в нашей повседневной жизни.
«Если Ai-Da сделает хотя бы одну важную вещь, то это заставит нас задуматься о размытых отношениях между человеком и машиной», — сказала Люси Сил, исследователь проекта Ai-Da, , журналу BBC Science Focus , — и обнадеживает мы должны более тщательно и медленнее обдумывать выбор, который мы делаем в отношении нашего будущего.»
Первоначально опубликовано на Live Science.
Художник Бекка Хуман использует иллюстрации и живопись, чтобы вдохновить их создание фильмов.
«Мой стиль иллюстрации был постоянной битвой между аналоговым и цифровым и их смешиванием», — описывают они. «Я рисовал в своем альбоме для рисования, сканировал линии и раскрашивал фигуры в цифровом виде в Photoshop, и у меня был дешевый планшет, поэтому мне никогда не было легко рисовать прямо в цифровом виде». Эта самоотверженная трудолюбие, возможно, и отличает Бекку как художника.«Это действительно повлияло на мой стиль, когда у меня был этот беспорядочный и запутанный способ работы, и он очень сильно отражает то, как работает мой мозг, всегда прыгаю в разных областях и мне трудно смириться», — говорят они.
Работа Бекки — это невербальное общение: увидеть, сколько истории или идеи можно передать исключительно в визуальном смысле. Это то, что определяет всю их работу, от иллюстрации до графики и фильмов. «Вы видите много повторяющихся паттернов и изображений корней примерно в то время, когда я делал автопортреты и разговаривал с людьми о травмах, передаваемых из поколения в поколение, о повторении истории», — говорит Бекка о том, как это повлияло на их визуальный стиль.«Я все еще пытаюсь найти баланс между абстрактным и двусмысленным». Но, что наиболее важно, Бекка не хочет быть двусмысленным в отношении того, чего они пытаются достичь своей работой. Независимо от средства или стиля, они заявляют, что это «откровенно квир, черный, антикапиталистический и про психическое заболевание». Однако вместо того, чтобы изложить это в явных терминах, работа Бекки проактивно приводит аудиторию к такому выводу. «Но вы должны признать, что люди не всегда это понимают», — добавляет Бекка. «Я попросил кого-то поделиться моей работой и описать ее как мир« дальтоников », работу, не думая о расе — я подумал:« О, детка, у тебя все наоборот.’»
Последние два года Бекка работала полный рабочий день в производственной компании. «Но я никогда не могу оставить искусство как практику, поскольку оно влияет на то, как я вижу мир и как я рассказываю истории визуально», — говорят они. «Было действительно полезно иметь возможность раскадровывать фильмы, составлять кадры и думать о том, как цвет влияет на сцену». То, как опыт Бекки в искусстве и дизайне продолжает вдохновлять их нынешнюю кинематографическую работу, вызывает восхищение. Часто, когда работаешь в одном из искусств, чувствуешь себя ограниченным.Но, как показывает Бекка, все они гармонично дополняют друг друга, выбирая перекрывающиеся наборы навыков. «Когда я работаю по-разному, я не теряю интереса и позволяю каждой практике кормить другую», — говорит Бекка. «Мне нравится рисовать и анимировать названия своих фильмов, и, в свою очередь, некоторые композиции, рассказы или темы из фильмов находят свое место в моих комиксах и иллюстрациях». Пока Бекка продолжает работать над их захватывающим дебютным короткометражным фильмом и комиксом, который будет выпущен позже, мы обязательно будем следить за ними.
HOME
В Artists For Humanity (AFH) художники-подростки и дизайнеры совместно работают над инновационными проектами по заказу клиентов, такими как разработка подписи Джона Хэнкока обшивки здания 60х60 футов для Бостонского марафона; или проектирование, изготовление и установка 12-футовой отдельно стоящей скульптуры олимпийского факела со встроенным светодиодным освещением для Liberty Mutual Insurance; или создание 45-секундных анимированных рекламных объявлений, чтобы помочь многоязычному иммигрантскому сообществу понять свои законные права на Rosie’s Place; или разработка и роспись фрески размером 10х45 футов для помещения для хранения велосипедов в Транспортном центре Южного Бостона на набережной Управления порта Массачусетса.
Подростки AFH сидят за столом с генеральными директорами компаний, где их работа ценится; их мнение ценится; к ним относятся как к сверстникам; и на них смотрят как на экспертов.
EpiCenter, названный журналом Boston Best of Boston® 2018 — Лучшее промышленное место по версии журнала Boston — Лучшее промышленное место, предлагает динамичное и творческое пространство для проведения всех типов мероприятий.
Отмеченный наградами AFH EpiCenter был первым в Бостоне, получившим платиновый сертификат LEED или высшую награду за энергоэффективные здания.В день вашего мероприятия пространство для мероприятий EpiCenter становится «вашим на весь день».
Мы предлагаем экологически чистое и уникальное инновационное пространство для проведения специальных мероприятий. От встреч на 40 человек до коктейльных приемов на 800 человек — EpiCenter — это чистый холст, который можно трансформировать, чтобы воплотить в жизнь свое видение. Обычные события становятся необычными, если они происходят в необычной обстановке.
Сделайте ваше следующее мероприятие запоминающимся и ярким, проведя его в Artists For Humanity EpiCenter! Щелкните здесь для получения дополнительной информации.
В ARTISTS ДЛЯ ЧЕЛОВЕЧЕСТВА ПОДРОСТКОВ ДОБАВИТЬСЯ ДО
На протяжении всей своей истории AFH предприняла ряд серьезных осознанных шагов для более эффективного выполнения своей миссии с прицелом на долгосрочную устойчивость. Каждый год Молодежное художественное предприятие AFH нанимает сотни бостонских подростков для работы в сфере изобразительного искусства и творческих индустрий, объединяя разнообразную молодежь из сообществ по всему городу как сообщество художников. Обучение и трудоустройство городских подростков предлагает им ключевое решение проблемы экономического лишения избирательных прав и оказывает сильное положительное влияние на их жизнь, их семьи и их сообщества.
После того, как наш недавно расширенный EpiCenter был официально открыт в октябре 2018 года, следующие несколько лет станут периодом преобразований для AFH. Благодаря большему и лучше оборудованному пространству — расширению на 30 000 кв. Футов — AFH удвоит занятость молодежи до 500+ к 2021 году с контрольными показателями 325+ в 2019 году и 400+ в 2020 году. Результат расширения: увеличенная студия, галерею и пространство для мероприятий, с особым акцентом на предоставлении интегрированного опыта обучения STEAM (наука, технология, инженерия, искусство и математика) более 500 талантливым молодым людям каждый год, расширению AFH’s Maker Studios, запуску международной программы посещения художников и
общественные классы.
Расширение EpiCenter позволяет AFH сохранять свои позиции в авангарде дизайнерской / технологической революции, стимулирующей инновационную экономику, и ежегодно удовлетворять растущие потребности сотен молодых людей с низким доходом, привлекая новые поколения самых разных талантов в рабочую силу предлагая им работу,
и возможность получить соответствующие ценные навыки, востребованные в творческих отраслях, ориентированных на технологии. Наш новый центр предоставляет AFH ресурсы для подготовки новых поколений бостонской молодежи к конкуренции в меняющейся мировой экономике и открытию путей к экономической безопасности, уровню образования и восходящей мобильности.
ТВОРЧЕСКИЕ РАБОТЫ ДЛЯ ТВОРЧЕСКИХ ПОДРОСТКОВ
THE AFH
РАСШИРЕНИЕ ЭПИЦЕНТРА
- Нанимайте больше художников, дизайнеров и социальных предпринимателей, чтобы они возглавили программирование.
- Расширяйте студии для увеличения производства, доступа к технологиям и доходов от студии.
- Привлекайте инновационное сообщество с помощью мастерских, новой галереи, магазина, кафе и расширенного пространства для мероприятий.
- Разработка возможностей программ обучения в области технологий / профессионального обучения для молодежи.
- Сдайте в аренду помещения и сотрудничайте с учебными заведениями и предлагайте
кредитов колледжа.
- Повышение устойчивости нашей организации.
Это расширение позволяет нам:
Наш партнер Крамер, щедро сотрудничал с нашей видео-командой, чтобы создать и рассказать историю AFH с помощью видеосъемки и отзывов.
В «Человеке», Художник Бет Кавенер Хроники Почти два десятилетия создания вызывающих воспоминания скульптурных существ
Изобразительное искусство
# животные # книги # скульптура
19 августа 2020
Клэр Вун
Все изображения © Beth Cavener, предоставлены с разрешения
В руках скульптора из Монтаны Бет Кавенер (ранее) глина превращается в завораживающие фигурки животных в натуральную величину, заряженные чистыми эмоциями и жизненной силой. Human , ее недавно выпущенная и отмеченная наградами монография, собирает и отмечает почти два десятилетия этих выдающихся творений, показывая 160 цветных пластин работ из шести серий. Любопытный зверинец включает зайцев, лисиц, коз и других обычных млекопитающих с изящными и светящимися телами, изображенными в ситуациях, часто окрашенных чувством сильного напряжения. Это фигуры пафоса: некоторые существа отшатываются, как от страха; другие кажутся парализованными какой-то невидимой силой.Многие из них подвешены, привязаны или упали, казалось, что они сдались своему постоянному состоянию ловушки. Тем не менее, другие — звери, источающие нежность, их язык тела и глаза приглашают зрителей подойти поближе.
Кавенер — плодовитый художник, и, как показывает Human , она экспериментировала с различными материалами, включая кристаллизованный сахар, черный песок и дым. Некоторые из ее самых привлекательных произведений включают вызывающие воспоминания устройства, такие как стальные цепи и стеклянные витрины, а некоторые из них включают характерные предметы, такие как кольцо из 24-каратного золота и осиное гнездо.Получившихся животных можно было вытеснить из темных басен. Это запоминающиеся, неудачливые персонажи, чей точный язык тела и неотвратимые взгляды выражают нефильтрованные взгляды на человеческую природу.
Написав предисловие для Human , критик Гарт Кларк определяет источники вдохновения Кавенер: люди, с которыми она лично сталкивалась в течение своей жизни, включая ее собственное «я», чьи психодрамы, эмоциональные катастрофы и сексуальные особенности разыгрываются в ее работах. ” Волнующиеся невысказанным аффектом, эти животные служат непоколебимыми зеркалами, способными привлекать с одного взгляда и внезапно тревожить на другом.Как сказала Кавенер о своих видениях: «Запутанные в собственной внутренней и внешней борьбе, фигуры выражают разочарование по поводу человеческой склонности к жестокости и непонимания. Что-то осознанное и знающее заключено в их жестах и выражениях. Приглашение и упрек ».
Исследуйте этот завораживающий бестиарий, купив копию Human на веб-сайте художника или в книжном магазине.
# животные # книги # скульптура
Имеют ли для вас значение такие рассказы и художники? Станьте колоссальным членом и поддержите независимые публикации в области искусства.Присоединяйтесь к сообществу читателей-единомышленников, увлеченных современным искусством, помогите поддержать нашу серию интервью, получите доступ к партнерским скидкам и многое другое. Присоединяйся сейчас!
.