Что такое аранжировка в музыке краткое определение: права, благодаря которым это возможно

Содержание

права, благодаря которым это возможно

Обладающие смежными правами исполнители могут разрешить — или запретить — запись (фиксацию) или трансляцию своего живого исполнения либо иное распространение, трансляцию, предоставление доступа или сообщение для всеобщего сведения своих записанных исполнений. Или же они могут заявить о своем праве на «справедливое вознаграждение», которое предполагает право исполнителей и производителей на получение справедливой платы за трансляцию и сообщение для всеобщего сведения их произведений. Такие права обычно переуступаются организациям коллективного управления (ОКУ), которые занимаются их реализацией от имени исполнителей и/или производителей.

Согласно Пекинскому договору по аудиовизуальным исполнениям 2012 г. и некоторым национальным законам, исполнители также имеют личные неимущественные права: право авторства или право на упоминание имени автора, а также право на целостность своего исполнения (см. выше). Право на «предоставление доступа», введенное в 1996 г.

(Договором ВОИС по авторскому праву (ДАП) и Договором ВОИС по исполнениям и фонограммам (ДИФ)), дает авторам, исполнителям и производителям фонограмм право на разрешение или запрет распространения своих произведений и других охраняемых авторским правом материалов через цифровые каналы, например посредством стриминга.

Кто еще обладает смежными правами?

Производители фонограмм (осуществляющие фиксацию произведения, например, посредством его записи) также имеют смежные права, в силу которых они могут разрешать или запрещать воспроизведение, ввоз и распространение своих «фонограмм» или записей, CD-дисков и т.д. Они тоже обладают правом на справедливое вознаграждение за трансляцию и сообщение для всеобщего сведения своих записей.

Вещательные компании, вкладывающие значительные средства в создание программ, трансляцию и ретрансляцию, также имеют право на разрешение или запрет ретрансляции, фиксации и копирования своих трансляций.

Сколько действуют смежные права?

В соответствии с Пекинским договором, ДИФ и Соглашением по торговым аспектам прав интеллектуальной собственности (ТРИПС), смежные права исполнителей и производителей фонограмм охраняются в течение 50 лет с даты первой записи произведения или даты исполнения. При этом права вещательных организаций охраняются в течение 20 лет, но такая ситуация может измениться, если итогом текущих переговоров станет подписание нового международного договора о правах вещательных организаций.

Ограничены ли эти права?

При определенных обстоятельствах действие авторского права и смежных прав может быть ограничено (согласно нормам международного и национального законодательства об авторском праве). Например, в ситуации, когда кто-нибудь хочет использовать произведение или его часть для учебных целей, научных исследований, сообщения новостей.

Большинство стран признают возможность использования произведения без разрешения правообладателя, но регулируют такое использование по-разному. В некоторых странах есть перечень «разрешенных видов применения», тогда как в других предусмотрено общее положение в законе об авторском праве (например, «добросовестное использование» в США). «Добросовестное использование» определяется следующими факторами: характер и цели использования, характер используемого произведения, объем используемого произведения и вероятное влияние на коммерческую ценность произведения.

В принципе «свободное использование» охраняемых авторским правом произведений должно ограничиваться определенными конкретными случаями; оно не должно «противоречить нормальному использованию произведения» и не должно «необоснованно ущемлять законные интересы автора (или правообладателя)». Нередко это называют трехступенчатой проверкой.

Как могут использоваться эти права?

Владелец экономических прав на музыкальное произведение (неимущественные права ни при каких обстоятельствах не могут перейти от автора оригинального произведения к другому лицу) может использовать их для получения дохода. Он может продать их или выдать на них лицензию третьей стороне — компании или физическому лицу, которое в состоянии коммерциализировать произведение — в обмен на выплату денежной суммы, называемой роялти, размер которой обычно зависит от фактического объема использования произведения. Он может переуступить права на разрешение или запрет некоторых или всех действий, описанных выше.

В обоих случаях то лицо, которому проданы или переуступлены права, становится новым владельцем авторского права. В некоторых странах, например в Германии, переуступка невозможна по закону, и все произведения могут передаваться только по лицензии.

Лицензирование предполагает заключение соглашения между владельцем авторского права и третьей стороной, в соответствии с которым третьей стороне разрешается использовать произведение для конкретных целей и в течение определенного периода. Например, автор песен может дать разрешение музыкальному издателю на запись его или ее песни исполнителями и звукозаписывающими компаниями. Такие лицензии могут быть исключительными (и тогда они выдаются только одной стороне) или неисключительными (в этом случае они могут выдаваться нескольким сторонам).

Поскольку на практике авторам и исполнителям нецелесообразно заключать отдельные соглашения с каждой радио- и телестанцией или с компанией, которая хочет использовать их произведения, музыканты и другие авторы нередко заключают соглашение с организацией коллективного управления, тем самым выдавая ей исключительную лицензию.

Действуя от имени авторов песен, музыкантов и исполнителей, ОКУ устанавливают связи между авторами и теми, кто хочет использовать их произведения. В соответствии с национальным законодательством ОКУ также могут получать право на ведение переговоров от имени авторов и исполнителей. ОКУ дают разрешение на использование произведений музыкантов; они собирают и распределяют лицензионные сборы или роялти, а также занимаются отслеживанием злоупотреблений и нарушений.

Каждое музыкальное произведение охраняется авторским правом. Авторское право действует в отношении как самой музыки, так и текстов песен. В отношении звукозаписи действуют смежные права. Если кто-либо хочет использовать музыкальное произведение или его часть, то он должен получить разрешение правообладателя(-ей), за исключением случаев, подпадающих под действие исключений (см. выше). ОКУ помогают не только артистам в управлении правами на собственную музыку и получении причитающихся роялти, но и тем, кто хочет получить разрешение на использование охраняемого авторским правом произведения.

Понятия: «интерпретация», «аранжировка». Что объединяет эти понятия, в чём состоит различие.

ИНТЕРПРЕТАЦИЯ (от лат. interpretatio – разъяснение, истолкование) – в широком смысле слова истолкование, объяснение какой-либо реальной ситуации или идейной позиции; в качестве специального понятия методологии науки, опирающейся на семиотический анализ языка наукиинтерпретация означает процедуру придания смысла …

Определения слова аранжировка

Аранжировка — приспособление музыкального произведения, для состава исполнителей, отличающегося от первоначального (от состава, предусмотренного автором произведения).переложение.1. Переложение музыкального произведения для другого состава исполнителей2. Обработка мелодии для исполнения на музыкальном инструменте или для голоса с сопровождением3. Облегченное переложение музыкального произведения для исполнения на том же инструменте4. В джазовой музыке — гармонические, фактурные изменения, которые вносятся музыкантами в процессе исполнения и связаны с импровизационным стилем игрыоблегченное изложение музыкального произведения для исполнения на том же инструментепереложение муз.

произведения для исполнения на др. инструментах или др. голосом; облегчённая версия муз. произведения для исполнения на том же инструментепереложение музыкального произведения для другого состава исполнителейразличные изменения в музыке, вносимые в процессе ее исполнения в связи с импровизационным стилем игрысоставление букетовстилевые вариации, инструментовка, в джазе — импровизация при исполнении той или иной мелодииПереведите на французский язык выражение «приведение в порядок».Переложение произведения для исполнения на другом музыкальном инструменте.переложение музыкального произведения для исполнения на других инструментах или другим голосом; облегченная версия музыкального произведения для исполнения на том же инструментестилевые вариации, инструментовка, в джазе — импровизация при исполнении той или иной мелодиипереложение произведения для исполнения на другом музыкальном инструментепереведите на французский язык выражение «приведение в порядок»

Музыкальные термины — Школьникам о музыке

Аккомпанемент — музыкальное сопровождение. Слово произошло от французского «accompagner» — сопровождать. Аккомпанемент может быть разным. Сопровождение певца-солиста поручается или одному инструменту — роялю, гитаре, баяну, или оркестру.
Ария — законченный по построению эпизод в опере (кантате, ора­тории.) Арию исполняет певец в сопровождении оркестра. Для арии, как правило, характерна широкая распевность. По-итальянски «

aria» — не только «песня», но и «воздух», «ветер». Для полноты характери­стики героя в оперу обычно вводится несколько арий, различных по образному содержанию. Различно бывает и строение арий. Очень часто применяется 3-частная форма, в которой третья часть является точным повторением первой. Примером этого может служить, например, ария Сусанина из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин». Арию часто предва­ряет оркестровое вступление или речитатив. Более простое определе­ние оперной арии — большая песня главного героя. Ария небольшого размера может называться ариеттой или ариозо.
Балет — музыкально-танцевальный спектакль. Слово происходит от итальянского «ballo» — танец, пляска. Сначала балет был составной частью придворных увеселений. Самостоятельным жанром балет ста­новится в конце XVIII в. Исключительно высокие достижения в ба­летной музыке принадлежат русскому композитору П. И. Чайковскому, создавшему три балета, ставших классическими: «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик». В XX в. классикой балета ста­ли произведения С. С. Прокофьева «Ромео и Джульетта», «Золушка» и «Каменный цветок».
Баркарола — песнь лодочника. Название произошло от итальянско­го слова «bаrса» — лодка. Пьесы с таким названием имеют спокойный, певучий характер, аккомпанемент нередко имитирует всплеск волн.
Бас — мужской певческий голос, самый низкий по звучанию.
Болеро — испанский народный танец, который исполнялся в сопро­вождении гитары или пения. В его музыке повторяются ритмические фигуры, которые отстукивались кастаньетами или щелчками пальцев. Болеро часто встречается в операх и балетах. Широко известна пьеса «Болеро» композитора М. Равеля.
Большой театр — старейший русский театр, основанный в Москве в 1776 г. для постановок музыкальных спектаклей — опер и балетов.
Вальс — один из популярнейших бальных танцев, во время кото­рого танцующие плавно кружатся. Возник на основе народных танцев Австрии, Чехии, Германии. Крупнейшие композиторы создавали пьесы, написанные в виде вальсов: М. И. Глинка, П. И. Чайковский, И. Штраус, И. О. Дунаевский.
Вариация — многократное повторение основной мелодии с неко­торыми ее изменениями.
Вокализ — вокальное упражнение для голоса или музыкальная пьеса, написанная для исполнения голосом без слов, с помощью распева звуков.
Вокальная музыка — музыка, предназначенная для пения.
Гармония — средство музыкальной выразительности, основанное на сочетании многих голосов.

Громкость (динамика) — сила звучания. Другое название — динамика. Для обо­значения динамики применяются музыкальные знаки, которые назы­ваются «динамические оттенки». Основные динамические оттенки — форте (громко) и пиано (тихо).
Джаз — род музыки чаще увеселительного, танцевального характе­ра. Истоки джаза находятся в негритянской народной музыке, которая была заимствована оркестрами США в 20-е гг. XX в. Выходец из рус­ских эмигрантов американский композитор Д. Гершвин долго изучал негритянские напевы, на основе которых создал ряд произведений, принесших джазовые особенности в классическую музыку («Рапсодия в стиле блюз», опера «Порти и Бесс»).
Диапазон — широта, объем звучания музыкального инструмента или голоса. Например, диапазон звучания рояля — восемь октав, а развитого человеческого голоса — около трех. Песенки для исполнения маленьки­ми детьми обычно пишутся в так называемом «примарном диапазоне», который включает в себя всего 4-6 рядом стоящих звуков.
Дирижер — музыкант, руководитель хорового или инструменталь­ного коллектива. С помощью приемов-жестов он указывает вступление и окончание звучания, темп и силу звука, вступления солистов и от­дельных групп. Дирижер должен иметь острый слух, высокое чувство ритма, хорошую музыкальную память, знание особенностей каждого инструмента оркестра.
Длительность звука — долгота звучания. Невозможно написать ме­лодию, если все звуки в ней будут одной продолжительности — все длин­ные или все короткие. В каждом мотиве одни звуки бывают длинные, другие — более короткие, что при их написании обозначается специаль­ными знаками. При записывании звуков нотами, каждая из них имеет свою длительность — целая, половинная, четверть, восьмая и т. д.
Духовой оркестр — оркестр, состоящий из двух групп инструмен­тов — духовых (в основном — медных) и ударных. Количество участ­ников — от 12 до 100 человек. Благодаря своему звонкому, ликующему звучанию, духовой оркестр является постоянным участником празд­ников и парадов.
Дуэт — ансамбль из двух исполнителей.
Жанр (вид музыки) — разновидность музыкальных произведений. Жанры под­разделяются по характеру, тематике, средствам выразительности, ис­полнителям. Основные музыкальные жанры — песня, танец, марш, на основе которых впоследствии созданы опера, балет, симфония.
Запев — начало хоровой песни, которое исполняется одним или несколькими певцами. После запева песня подхватывается всеми участ­никами хора, ведущий певец хора обычно называется запевалой.
Импровизация — сочинение музыки во время ее исполнения. В на­родном творчестве певцы часто украшают импровизациями свое испол­нение. Этим приемом также пользуются в джазовой музыке.
Камерная музыка — инструментальная или вокальная музыка, предназначенная для исполнения в небольшом помещении. В перево­де с итальянского «camera» означает «комната». К камерной музыке относятся дуэты, трио, квартеты и другие сочинения, рассчитанные на небольшое число исполнителей.
Кант — вид старинной 3-голосной куплетной песни, распространен­ной в России в XVI-XVIII вв. Существовали канты разных жанров — торжественные, лирические, шуточные. Стиль канта был использован М. И. Глинкой при создании его знаменитого хора «Славься!» в финале оперы «Иван Сусанин».
Кантата — вокально-симфоническое произведение в нескольких частях. Обычно исполняется хором, солистами и оркестром.
Капелла — профессиональный хоровой коллектив.
Квартет — ансамбль из четырех исполнителей.
Квинтет — ансамбль из пяти исполнителей.
Классика — термин, применяемый по отношению к образцовым, совершенным произведениям искусства. Происходит от латинского слова «classicum» — образцовый. К области музыкальной классики относятся не только сочинения великих композиторов, но и лучшие образцы народного музыкального творчества. Классические произве­дения отличаются богатством содержания и красотой и совершенством формы. Про классические произведения всегда можно говорить, что они современны, так как обычно они существуют на земле уже не­сколько веков и всегда доставляют удовольствие своим слушателям. Это вечная музыка.
Классицизм — художественное течение в культуре европейских стран XVII-XVIII вв. Представители классицизма в живописи, скульп­туре и архитектуре взяли за образец лучшие произведения, которые были созданы еще в Древней Греции. Музыканты-классики стремились к созданию ясных и гармоничных по форме, возвышенно-благородных героических произведений на сюжеты античного искусства. В музыке наибольшую известность получил так называемый «венский классиче­ский период», во время которого творили композиторы Гайдн, Моцарт и Бетховен.
Композитор — автор, создатель музыкальных произведений. Сло­во произошло от латинского «compositor» — составитель, сочинитель. Профессиональные занятия композицией требуют от музыканта, по­мимо творческой одаренности, большой культуры и разносторонних музыкально-теоретических знаний.
Композиция — сочинение музыки, вид художественного творчества. Кроме общей культуры и одаренности композиторская деятельность требует знания многих специальных дисциплин: теории музыки, гармо­нии, полифонии, анализа музыкальных произведений, оркестровки. Эти дисциплины изучаются будущими композиторами в консерваториях и училищах. Часто под композицией имеют в виду строение музыкаль­ного произведения, соотношение и расположение отдельных его разде­лов. Латинское слово «composition» означает не только «сочинение», но и «составление». В этом смысле, изучая музыкальное произведение, про него говорят «стройная композиция», «ясная композиция» или, наоборот, «рыхлая композиция».
Консерватория — высшее музыкальное учебное заведение. Италь­янское слово «concervatorio» означает «приют». Первые консерватории появились в начале XIX в. в крупных городах Европы, а до этого суще­ствовали лишь в Париже. Консерватории имеются во всех музыкаль­ных центрах мира. Старейшие русские консерватории — Петербургская, основанная в 1862 г., и Московская, основанная в 1866 г. В настоящее время высшие музыкальные заведения именуются не только консер­ваториями, но и музыкальными академиями, высшими музыкальными школами, институтами и т. д.
Контральто — самый низкий по звучанию певческий женский го­лос. Иногда композиторы в операх поручают этому голосу мужские роли — Ваня в опере М. И. Глинки «Иван Сусанин», Лель в опере «Сне­гурочка» Н. А. Римского-Корсакова.
Концерт — публичное исполнение музыкальных произведений. По видам исполнения различаются концерты симфонические, камерные, сольные, эстрадные и т. д. Слово это произошло от двух источников: от латинского «concertare» — состязаться и от итальянского «concerto» — гармония, согласие. Концертом также называют виртуозное произведе­ние для солирующего инструмента, с сопровождением оркестра.
Концертмейстер — первый, «главный», музыкант в какой-либо группе оркестра. Например, концертмейстер первых скрипок, вторых скрипок, альтов, виолончелей и т. д. Ведя за собой участников свей груп­пы, концертмейстер указывает им приемы исполнения, ему же обычно поручают ответственное соло. Концертмейстером также называют пиа­ниста, который помогает исполнителям (певцам, инструменталистам) при разучивании репертуара и выступает с ними на концертах.
Концертный зал — специальное помещение, предназначенное для проведения публичных концертов. Первые концертные залы появились в начале XIX в. Раньше концерты проводились в церквях, театрах, са­лонах, дворцах и частных домах.
Краковяк — польский народный танец. Краковяки — название жи­телей Краковского воеводства в Польше; отсюда произошло и название танца. Краковяк возник из старинного воинственного танца, поэтому сохранил темперамент, горделивость, женщины пляшут плавно, изящно, а мужчины — с резкими притоптываниями и выкриками. В XIX в. крако­вяк был распространен как бальный танец и нередко встречался в операх и балетах. Очень популярным является, например, краковяк М. И. Глинки, который звучит в «польском» действии его оперы «Иван Сусанин».
Кульминация — эпизод музыкального произведения, где дости­гается наивысшее напряжение, наибольший накал эмоций. От латин­ского слова «culmen» — «вершина». Обычно композиторы стараются подчеркнуть кульминацию произведения громким звуком, особенными музыкальными эффектами.
Куплет — раздел куплетной формы. Обычно мелодия куплета оста­ется неизменной при ее повторении в других куплетах. Однако словес­ный текст каждого куплета разный. Слово произошло от французского «couplet» — строфа. Если в песне есть куплет и припев, то куплетом называется та часть, текст которой при повторении изменяется.
Куплетная форма — распространенная форма вокальных произве­дений, в которых одна и та же мелодия повторяется в неизменном виде или слегка варьированном, но при каждом повторении исполняется с новым текстом. В куплетной форме мелодия должна отражать общий характер песни и подходить к тексту всех куплетов. Куплетными явля­ются большинство народных песен — русские, немецкие, итальянские ит. д.
Лад — взаимосвязь музыкальных звуков, их слаженность, согласо­ванность между собой. Звуки, из которых складывается мелодия, сочи­ненная на ладовой основе, обладают различной степенью устойчивости по отношению друг к другу, и слух реагирует на них по-разному.
Лейтмотив — музыкальная тема или часть ее, характеризующая какой-либо образ, идею, явление. Применяется в крупных музыкальных формах — операх, балетах, симфониях, повторяясь при появлении дан­ного образа. Например, лейтмотив Снегурочки в опере Н. А. Римского — Корсакова «Снегурочка».
Либретто — литературный текст, лежащий в основе музыкально — сценического произведения, главным образом оперы. Часто словом «либретто» называют пересказ краткого содержания оперы или балета. От итальянского «libretto» — книжечка.
Мажор — один из двух (наряду с минором) наиболее распростра­ненный в музыке ладов. Наиболее распространенным мнением является присвоение музыке, написанной в мажорном ладу, характера реши­тельного, твердого, волевого. На итальянском языке слово «мажор» обозначается словом «dur», что значит жесткий.
Мазурка — польский народный танец. Название происходит от сло­ва «мазуры» — так называют жителей Мазовии. Для исполнения танца мазурки характерны подскоки, постукивание каблучками и шпорами. При сочинении мазурки композиторы используют пунктирные ритми­ческие фигуры.
Марш — пьеса в четком ритме для сопровождения военных походов, демонстраций и других шествий. Слово происходит от французского «marche» — ходьба. Часто государственные гимны пишутся в жанре маршей. В жанре марша написаны многие популярные песни, например «Песня о Родине» композитора И. О. Дунаевского.
Мелодия — осмысленно-выразительная одноголосная последова­тельность звуков, объединенных посредством ритма и лада. От грече­ского слова «melodia» — пение, напев.
Меломан — страстный любитель музыки, пения. В прошлом ме­ломанами называли людей, пылко увлекающихся музыкой, но, по су­ществу, не очень глубоко.
Менуэт — танец французского происхождения, популярный в Ев­ропе в XVII-XVIII вв. Исполняется мелкими шажками (название про­исходит от французского «menu» — мелкий).
Меццо-сопрано — женский певческий голос, средний между кон­тральто и сопрано. По характеру звучания и тембровой окраске этот голос близок к контральто. Для меццо-сопрано написаны многие ве­дущие партии в известных операх, например Кармен в одноименной опере Ж. Бизе.
Минор — один из двух (наряду с мажором) наиболее распространен­ных в музыке ладов. Окраска минорного лада — мягкая элегическая. По латыни обозначается словом «moll», что в переводе означает «мягкий». Но в минорном ладу написано и большое количество музыки веселой, радостной, юмористической.
Мотив — мельчайший элемент музыкальной формы, любой наи­меньший отрезок мелодии, который обладает ясным, определенным музыкальным содержанием. Порой по мотиву мы можем вспомнить известную музыкальную пьесу или рассказать о ее характере.
Музыкальная форма — построение музыкального произведения, соотношение его частей.
Музыкант — человек, профессионально занимающийся каким-либо видом музыкальной деятельности: сочинением, дирижированием, ис­полнением.
Напев — небольшая вокальная мелодия. В обиходе часто заменяется словом «мотив».
Ноктюрн — мечтательная, певучая пьеса, навеянная образами ночи. Ноктюрн пишется главным образом для фортепиано. Происходит от французского «nokturn» — ночной.
Нота — условный графический знак, находящийся на нотном стане и указывающий высоту и относительную длительность какого-либо звука. Нота состоит из белой или затушеванной головки и небольшой палочки — хвостика, идущей вверх или вниз. Слово происходит от ла­тинского «nota» — письменный знак.
Нотация — способ записи музыки с помощью особых графических знаков. Слово происходит от латинского «notatio» — записывание.
Одночастное произведение — произведение, в котором отсутствует деление на самостоятельные части.
Опера — вид театрального искусства, в котором сценическое дей­ствие тесно связано с музыкой — вокальной и оркестровой. В переводе с итальянского «ореrа» — сочинение. Первые оперы были созданы в Ита­лии на рубеже XVI-XVII вв. В XIX в. одно из ведущих мест в мировом искусстве заняла русская музыка, в которой основы национальной оперы заложил композитор М. И. Глинка. Традиции М. И. Глинки были блестя­ще развиты его продолжателями — композиторами А. С. Даргомыжским, Н. А. Римским-Корсаковым, П. И. Чайковским, а также композиторами XX века — Д. Б. Кабалевским, С. С. Прокофьевым, Т. Н. Хренниковым, Р. К. Щедриным, Д. Д. Шостаковичем.
Оперетта — музыкальная комедия. Музыкально-сценическое произ­ведение комедийного содержания с вокально-танцевальными сценами в сопровождении оркестра и разговорными эпизодами.
Оратория — вокально-симфоническое произведение из многих частей. Оратория обычно состоит из чередования хоровых эпизодов, симфонических фрагментов и вокальных номеров — арий, ансамблей, речитативов. Отличается от кантаты большим масштабом и развито­стью сюжета. Возникла на рубеже XVI-XVII вв. Жанру оратории близки произведения под названием «Реквием». Образцы русской оратории возникли в начале XIX в. , этот жанр стал достаточно популярен в XX в. К нему обращаются С. С. Прокофьев (оратория «На страже мира»), Д. Д. Шостакович («Песнь о лесах»), Д. Б. Кабалевский («Реквием»).
Оркестр — многочисленный коллектив музыкантов-инструменталистов, исполняющий произведения, специально предназначенные для данного состава. Иногда оркестры состоят из однородных инструмен­тов, однако чаще они составлены из разных инструментальных групп. В зависимости от состава оркестры имеют различные выразительные, тембровые и динамические возможности и носят разные наименова­ния — духовой, камерный, народных инструментов, симфонический, эстрадный.
Партитура — нотная запись многоголосного произведения для хора, оркестра или камерного ансамбля. В партитуре сведены воедино партии отдельных голосов и инструментов. Партитура представляет собой толстую объемную книгу в жестком переплете, которая при исполнении музыкального произведения кладется на дирижерский пульт. Партии в партитуре располагаются одна над другой, построчно. Слово проис­ходит от итальянского «partitura» — разделение, распределение.
Переложение, аранжировка — переработка музыкального произ­ведения, написанного для определенных голосов или инструментов, с целью приспособить его к исполнению другими средствами, напри­мер, переложению симфонии для исполнения на фортепиано, хоровое переложение одноголосной песни и т. д. Слово «аранжировка» проис­ходит от французского «arranger» — обрабатывать.
Песня — одна из форм вокальной музыки, широко распространен­ная в народном музыкальном творчестве, музыкальном быту, а также в профессиональной музыке. В наши дни песня бывает эстрадной, хо­ровой, массовой, народной и адресована широкому кругу любителей музыки.
Полонез — танец польского происхождения. Полонез носит ха­рактер блестящего шествия. Танцующие движется плавно, величаво, слегка приседая на 3-й четверти каждого такта. Слово происходит от французского «polonaise» — польский танец.
Припев — часть куплетной формы. Обычно в песне припев сле­дует после запева. Но при повторении припева его слова и мелодия не меняются.
Программная музыка — инструментальная музыка, в основе которой лежит программа, т. е. какой-либо конкретный сюжет. Про­граммность музыки может излагаться в ее названии (например, сюита «Картинки с выставки» М. П. Мусоргского, увертюра «Ромео и Джуль­етта» П. И. Чайковского), в эпиграфе (Седьмая симфония Д. Д. Шоста­ковича: «Моему родному городу Ленинграду, нашей грядущей победе над фашизмом посвящается») или в специальной программе, которая подробно рассказывает о содержании музыки («Фантастическая сим­фония» Г. Берлиоза).
Ритм — чередование различных длительностей звуков в музыке, коротких и длинных. Один из основных элементов выразительности ме­лодии. Слово происходит от греческого «rhythmos» — соразмерность.
Романс — произведение для голоса с инструментальным сопровож­дением. Жанры романса разнообразны — лирика, сатира, повествование и др. Большое распространение в России романс получил в XIX-XX вв. Классические образцы романсов создали композиторы М. И. Глинка, А. С. Даргомыжский, Н. А. Римский-Корсаков, П. И. Чайковский.
Романтизм — художественное течение в культуре на рубеже XVIII — XIX вв., которому свойственны пылкость, возвышенная устремленность идей. Романтизм стал прародителем новых музыкальных жанров — бал­лада, фантазия, поэма. Крупнейшие музыканты-романтики: Ф. Шуман, Ф. Шопен, Ф. Лист.
Рондо — музыкальная форма, состоящая из многократного построе­ния основного раздела — рефрена, с которым чередуются другие эпизо­ды. Рондо начинается и заканчивается рефреном, образуя как бы круг. Оно и происходит от французского слова «rond» — хоровод, хождение по кругу.
Симфонический оркестр — музыкальный коллектив, наиболее совершенный и богатый по своим выразительным возможностям. Круп­ные симфонические оркестры насчитывают более 10 музыкантов. Воз­можности этого оркестра очень велики. Современный оркестр состоит из четырех основных групп: струнная группа, группа деревянных духо­вых, группа медных духовых и группа ударных инструментов. Симфо­нический оркестр — непременный участник музыкальных спектаклей (опер, балетов, оперетт), а также кантат, ораторий.
Симфония — произведение для оркестра, написанное в форме со­натного цикла. Встречаются симфонии в виде расширенного цикла — до 6-7 частей, и в виде неполного — вплоть до одночастных. Слово про­исходит от греческого «simphonia» — созвучие. Широкой известностью пользуются симфонии В.-А. Моцарта, Л. Бетховена, П. И. Чайковского, С. С. Прокофьева, Д. Д. Шостаковича. Некоторые симфонии являют­ся программными — «Фантастическая» Г. Берлиоза, «Патетическая» П. И. Чайковского, «Пасторальная» Л. Бетховена.
Солист — исполнитель музыкального произведения, предназначен­ного для одного голоса или инструмента. В опере солист — исполнитель ответственной роли.
Соло — эпизод в вокально-симфоническом, камерном, хоровом произведении, выполняемый одним певцом или инструментом. Слово происходит от итальянского «solo» — единственный, один.
Соната — произведение для одного или двух инструментов, напи­санное в форме сонатного цикла. Слово происходит от итальянского «sonare» — играть на каком-либо инструменте.
Сопрано — самый высокий женский певческий голос. В музыкаль­ной практике бывает сопрано драматическое, лирическое и колоратур­ное. Слово происходит от итальянского «sopra» — наверху, выше.
Тема — мелодия, обычно короткая, выражающая основную мысль произведения и являющаяся материалом для дальнейшего развития. По-гречески «thema» — то, что лежит в основе.
Тембр — специфическая окраска звука, свойственная данному музыкальному инструменту или голосу. Характер тембра зависит от обертонов, сопровождающих звук, и их относительной силы. Тембр может быть глухим, звонким, ясным и др.
Темп — скорость движения. Темп произведения зависит от его ха­рактера, настроения, содержания. Отклонение от правильного тем­па ведет к искажению содержания. Слово происходит от латинского «tempus» — время.
Тенор — самый высокий по звучанию мужской певческий голос. Различаются две основные разновидности тенора: лирический — мягкий по тембру, нежный, и драматический — более сочный, крепкий. Кроме певческого голоса тенором еще называют медный духовой инструмент среднего регистра, отличающийся теплым и насыщенным тембром.
Трио — ансамбль из трех исполнителей с самостоятельной партией у каждого из них. Трио также называются произведения для такого ансамбля. Вокальные трио именуются терцетами, существуют как ка­мерный жанр. Слово «трио» также означает среднюю часть в некоторых музыкальных пьесах 3-частной формы — танцах, маршах, скерцо.
Трубадур — странствующий поэт и певец во Франции в эпоху Сред­невековья. Слово произошло от провансальского «trobar» — изобретать, слагать стихи. Главные темы в искусстве трубадуров — воспевание люб­ви, подвигов, красоты природы.
Труппа — творческий коллектив артистов театра.
Туш — краткое музыкальное «приветствие» фанфарного склада. Исполняется обычно на торжественных церемониях.
Увертюра — оркестровая пьеса, исполняемая перед театральным представлением и вводящая в круг идей и настроений предстоящего зрелища. По-французски слово «ouverture» — означает «открытие».
Фольклор — устное народное творчество (староанглийское слово «folklore» — означает «народная мудрость»). Музыкальный фольклор включает в себя песенное и инструментальное творчество народа, отражающее его историю, быт, стремления, думы. Основная область музыкального фольклора — народная песня.
Фуга — многоголосное полифоническое произведение, в котором главная тема проходит в разных голосах. В переводе с латинского слово «фуга» означает «бег». Высшего своего развития фуга достигла в твор­честве немецкого композитора И.-С. Баха. Часто фуга исполняется в со­четании с другими музыкальными пьесами — прелюдией, токкатой, фантазией.
Хор — певческий коллектив, исполняющий вокальную музыку, пре­имущественно многоголосую. Различаются однородные (мужские и женские), смешанные и детские хоры. Слово происходит от латин­ского «chorus» — толпа, собрание. По манере исполнения хоры делятся на академические и народные.
Хормейстер — дирижер в хоре. Обычно хормейстером называют помощника руководителя хора, который работает с коллективом при разучивании репертуара. Ответственный руководитель хорового кол­лектива в оперном театре также именуется хормейстером.
Хота — испанский народный танец, исполняется в быстром темпе, сопровождается игрой на гитаре, мандолине, щелканьем кастаньет. Жанр хоты использован М. И. Глинкой при создании его испанской увертюры «Арагонская хота».
Частушки — русские народные песни, основанные на многократном повторении небольшого куплета. Появились в начале XX в. Слово «час­тушка» произошло от слова «частый», много раз повторяющийся. По содержанию частушки бывают сатирические, озорные, лирические и др. Медленные любовные частушки обычно называются страданиями.
Шарманка — механический духовой инструмент, получивший рас­пространение в среде бродячих музыкантов Европы в начале XVIII в. Шарманка — небольшой ящик, внутри которого помещен механизм из трубки, меха и валика. При вращении рукоятки звучит какая-либо музыкальная пьеса, обычно очень простая по мелодическому рисунку. Пьеса «запрограммирована» в шарманке, поэтому игра на ней не тре­бует особых навыков.
Шумовой звук — звук не имеющий (в отличие от музыкального) ясно выраженной высоты. К шумовым звукам относятся гул, треск, звон, шорох и др. Некоторые шумовые звуки нашли применение в му­зыке: барабанная дробь, щелканье кастаньет, удары тарелок и др.
Элегия — пьеса печально-задумчивого характера. По-гречески «elegeia» — жалоба.
Эстрадный оркестр — укоренившееся в нашей стране название оркестра, который исполняет «легкую» музыку. В такой оркестр входит группа духовых инструментов, набор ударных, фортепиано, гитары, иногда несколько скрипок.
Юмореска — небольшая пьеса юмористического, причудливого характера. В музыке популярностью пользуются музыкальные пье­сы под названием «Юмореска» композиторов А. Дворжака, Э. Грига, П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова.

Источник: http://www.pandia.ru/text/77/413/61667.php  
http://lib.ru/CULTURE/MUSICACAD/MUZSLOWAR/music.txt  — музыкальный словарь в рассказах
http://www.i-gnom.ru/books/metodika_muzykalnogo_vospitaniya_v_dou/muzykalnoe_vospitaniye54.html 
http://musica.vladimirschool36.edusite.ru/p37aa1.html   

5 музыкальных программ аранжировщика, которые сэкономят вам много времени

One Man Band — мощный музыкальный аранжировщик, секвенсор, редактор стилей и программное обеспечение для аккомпанемента. Он поддерживает кроссплатформенную поддержку для всех платформ компьютеров и мобильных ОС.

Для Windows поддерживаются все версии, от Win10 до Windows 98.

OMB — это универсальное программное обеспечение, разработанное для разных типов музыкальных исполнителей и продюсеров. Он в основном предназначен для обслуживания студийных музыкантов, живых исполнителей (музыкальных групп), продюсеров-новичков, профессиональных аранжировщиков и авторов песен.

Программное обеспечение предоставляет вам идеальную (и более дешевую) альтернативу аранжировщику клавиатуры, которая необходима для создания полной музыкальной аранжировки MIDI. Он использует простой перетаскивание, созданное для создания этих аранжировок.

Кроме того, программа создает и настраивает все стили в формате Yamaha.

Другие функции One Man Band включают преобразование набора ударных, окно микшера, более 34 типов аккордов, расширенный секвенсор, вокальные гармонизаторы, экранный дисплей, инструменты секвенирования, распознавание аккордов, MIDI-часы (синхронизатор), поддержка драйверов ASIO, колесо модуляции, педаль громкости. (для контроля темпа), импорт мелодий (из MIDI-файлов), встроенный учебник, бесплатная пробная версия (демо) и многое другое.

One Man Band (OMB) предлагает демо-версию для новых пользователей бесплатно (с ограниченными возможностями). Премиум-версия, которая поставляется с полным пакетом, доступна за 49,95 $.

Скачать демо

Купить One Man Band

Вывод

Эта статья предназначена для ознакомления вас с лучшим программным обеспечением для аранжировщика музыки для Windows, чтобы лучше информировать ваше решение о решении для аранжировщика музыки, которое будет использоваться для аранжировки MIDI и настройки DAW.

Следовательно, как записывающий исполнитель, студийный аналитик или просто музыкальный продюсер, вышеперечисленные инструменты являются рекомендованными вариантами для вас, чтобы удовлетворить ваши потребности в музыке / аранжировке MIDI и улучшить весь рабочий процесс в студии.

СВЯЗАННЫЕ ИСТОРИИ, КОТОРЫЕ ВЫ ДОЛЖНЫ УЗНАТЬ:

7 фактов о сюите «Время, вперед!». История самой известной музыкальной заставки российского телевидения

Сюиту «Время, вперед!» Георгий Свиридов написал для художественного фильма, но уже несколько десятилетий она звучит в заставке новостной программы «Время», а в 2014 году ее включили в шоу на церемонии открытия Олимпийских игр в Сочи. Рассказываем об истории известного произведения.

Сюиту Георгий Свиридов написал к кинофильму «Время, вперед!»

Композитор и пианист Георгий Свиридов. Москва, 1994 год. Фотография: Валентин Кузьмин / ИТАР-ТАСС

Автор мелодии Георгий Свиридов родился в 1915 году. Первые музыкальные произведения он написал в 20 лет, но настоящая известность к нему пришла почти в 50 — в 1964 году. Тогда на советские киноэкраны вышел кинофильм «Метель», в котором звучала музыка Свиридова.

Вскоре режиссер Михаил Швейцер предложил композитору написать сюиту для его будущего фильма «Время, вперед!» по повести Валентина Катаева. Георгий Свиридов вспоминал: «И мне пришла в голову мысль сразу же мелькнувшей в моей голове острой ритмической формулой сделать такую маленькую кинопанораму… В те годы я работал довольно быстро, и новую запись музыки, написанную без учета хронометрических мерок, мы сделали тут же».

На первой записи композитор сам сыграл сольную партию на рояле

Сюита «Время вперед!» в 6 частях. Музыка Георгия Свиридова. Исполняет Большой симфонический оркестр под управлением Владимира Федосеева. Фрагмент концерта, посвященного 30-летию победы советского народа в Великой Отечественной войне. Запись в Большом зале Московской консерватории. 1975 год

В 1968 году композитор впервые опубликовал сюиту полностью. Она состояла из шести разнохарактерных частей. Например, в неторопливом «Уральском напеве» можно было услышать и азиатские мелодии, и русские лирические мотивы. Во второй части — задорной «Частушке» — некоторые инструменты подражали звучанию балалайки. Также в состав сюиты вошли «Марш», «Маленький фокстрот», «Ночь» и еще один фрагмент, который так и назывался — «Время, вперед!». Именно он и стал самым известным из всей сюиты. «Время, вперед!» исполняли не только в СССР — эту мелодию можно было услышать в эфире западных радиостанций.

Читайте также:

Заставка для программы «Время»

Заставка программы «Время». Изображение: ru.wikipedia.org

В том же 1968 году сюита «Время, вперед!» Свиридова впервые прозвучала на телевидении. Ее использовали в качестве заставки новостной программы «Время» Центрального телевидения Гостелерадио СССР (сегодня — Первый канал). Вскоре музыку назвали «слишком тревожной» и попросили переписать ее «потише». Композитор проигнорировал эту просьбу. В начале 1980-х годов сюиту сняли с эфира: советские войска вошли в Афганистан, и на телевидении посчитали, что она может звучать как объявление войны. Однако через несколько лет музыкальный фрагмент снова стал предварять выпуск новостей. Чтобы сэкономить эфирное время, сюиту сократили. «Так или иначе, — писал в мемуарах Свиридов, — музыка «Время, вперед!» еще несколько лет открывала передачу, под конец от нее остался жалкий огрызок».

Мелодия меняла свое звучание на более современное дважды: в 1996 году аранжировку подготовил композитор Сергей Чекрыжов, а в 2000 году — Олег Литвишко. Ее можно услышать на телевидении и в наши дни.

Свиридов не получал гонорары за использование музыки

Композитор и пианист Георгий Свиридов (в центре) после авторского концерта. Санкт-Петербург, 1992 год. Фотография: Юрий Белинский / ИТАР-ТАСС

Сюиту «Время, вперед!» использовали не только в новостях, но и во многих документальных и художественных фильмах. Одна из кинолент, по воспоминаниям композитора, даже вошла в программу зарубежного кинофестиваля и получила приз. Как правило, режиссеры не спрашивали разрешения у Свиридова. Композитор писал в мемуарах: «За все это я, автор, придумавший и сочинивший эти звуки, нашедший их комбинацию, мелодии, гармонии, ритм, оркестровые краски, не получил от радио и TV ломаного гроша. Но я рад тому, что музыка моя была участником общей жизни нашей страны».

Сюита прозвучала на открытии Олимпийских игр в Сочи

Открытие XXII Олимпийских игр. Сочи, 2014 год. Фотография: Владимир Смирнов / ИТАР-ТАСС

На открытии XXII Олимпийских игр в Сочи в 2014 году зрителям показывали масштабный спектакль, посвященный истории России. Сюитой «Время, вперед!» Георгия Свиридова озвучивали эпоху авангарда. Сотни танцоров в контрастных черно-красных костюмах исполнили «супрематический балет». Вместе с ними на сцене появлялись стилизованные тракторы, сеялки, громадные шестерни и различные механизмы. Специальную версию «Времени» подготовил композитор и продюсер Игорь Матвиенко.

Автор: Лидия Туляганова

«Мастер Аранжировки» — курс по созданию фортепианного аккомпанемента и аранжировки — Уроки игры на пианино – видео курсы пианино и фортепиано онлайн — MuzVideo2.ru

“Мастер Аранжировки” – курс по созданию фортепианного аккомпанемента и аранжировки

Аранжировка в музыке – это умение делать сложные партии из простых. У Вас есть только строчка мелодии и подписанные аккорды? Это всё, что нужно, чтобы сделать красивую фортепианную аранжировку.

Заметьте, что я написал слова “ФОРТЕПИАННУЮ аранжировку”. То есть в курсе Вы научитесь делать фортепианные аранжировки, но не оркестровки.

Что будет в курсе “Мастер Аранжировки”:
  1. Примеры аранжировки известных песен, которые Вы сможете повторить.
  2. Простые блоки-модули, из которых составляется вся аранжировка. Каждый блок можно использовать для встраивания в любую аранжировку – для своей или чужой песни.
  3. Различные фишки и элементы, которые позволят Вашим аранжировкам не звучать сухо “по-пионерски”, а наполненно и естественно.
  4. Задания и “контрольные точки”, которые позволят Вам правильно организовать Ваши занятия и не дадут Вам просмотреть курс просто “по верхам”.
  5. Различные варианты аранжировки одной и той же песни под разные задачи: игра соло (без голоса и музыкантов), игра по ключевым звукам мелодии (для сопровождения голоса), игра только аккомпанемента без мелодии вообще (когда есть соло-музыкант или опытный певец), игра только аккордами (когда есть басист и соло-музыкант).
  6. Различные варианты вступлений и концовок и принципы их составления. На основе этого Вы сможете составлять самые разные вступления и концовки для любых композиций.

Весь путь работы над аранжировкой проходит через следующие этапы: Каждый из этих этапов мы будем с Вами проходить и разбирать всё на конкретных примерах.

Предположим, мы разбираем виды аккомпанемента. Разобрали один из видов аккомпанемента – сразу применили его – сделали задание и сдали на проверку. Всё очень просто, понятно и тут же отрабатывается на практике. Это самый эффективный способ обучения!

Что нужно для прохождения курса “Мастер Аранжировки”:
  1. Необходимо владеть игрой на фортепиано двумя руками и уметь играть произведения не менее, чем за 3-4 класс музыкальной школы. Чем больше уровень подготовки, тем лучше. Тем выше будет уровень Ваших аранжировок.
    Если Вы играете на уровне музыкального училища или выше, то не бойтесь, что курс будет для Вас слишком простым. Каждое задание можно будет выполнять со своим уровнем сложности.
  2. Желательно уметь читать ноты, т.к. помимо простой демонстрации игры практически в каждом уроке будут нотные материалы тех примеров, которые показаны в уроке. Иногда удобнее просто глянуть в распечатанные ноты, чем пересматривать весь видеоурок.
  3. Желательно уметь записывать нотами то, что Вы сыграли или придумали. Это будет Вам всегда в плюс, если Вы сможете записать для себя или для других людей свою аранжировку. Записанные аранжировки также можно продавать и даже составлять в сборники своих аранжировок и отдавать в печать.

Курс “Мастер аранжировки” полезен для всех, кто хочет научиться делать свои фортепианные каверы и аранжировки. Но может быть, Вы найдёте себя ещё и в этом списке:
  1. Вы пишете собственные песни и умение сделать красивый аккомпанемент под песню для Вас очень важно.
  2. Вы музыкант, играющий в музыкальной группе, и для Вас важно правильно выстроить свою клавишную партию, чтобы не мешать другим участникам группы и вносить свою красоту в общее дело.
  3. Вы учитесь играть “для себя” и очень хотите делать аранжировки любимых песен, чтобы играть в кругу семьи и друзей.
  4. Вы вокалист и хотите делать для себя красивый аккомпанемент, а не просто повторять одни и те же аккорды.
  5. Вы долго играли по нотам и Вы очень хотите разобраться и понять, как из строчки мелодии с аккордами сделать красивую аранжировку.
  6. Вы педагог по фортепиано и хотите найти простые способы того, как объяснять ученикам основы аранжировки на фортепиано.
  7. Вы учитесь в музыкальной школе или училище и хотите найти дополнительный развивающий материал по музыке, чтобы уметь не только играть классику по нотам, но и иметь возможность в будущем делать аранжировки, каверы, играть в группе.
  8. Вы уже умеете делать каверы и аранжировки, но пока это не очень хорошо получается.
  9. Вы хотите продавать свои каверы.

Как проходит оплата и обучение по курсу:
  1. Для начала обучения необходимо оплатить курс с помощью банковской карты (VISA, MasterCard, МИР). Для этого выберите вариант обучения ниже, нажмите на кнопку “Начать обучение” и оформите заказ. Далее в процессе заказа Вы попадёте на платёжный сервис PayMaster, который принимает платежи из любой точки мира (кроме, пожалуй Украины и Казахстана. К сожалению из этих стран платежи не всегда хорошо доходят)
  2. После оплаты мы организуем Вам доступ к обучающей площадке и оплаченным курсам сроком на 1 или 2 года в зависимости от выбранного варианта обучения. Если Вы приобретали любые другие курсы ранее, то помимо доступа к новому курсу, мы продлим действие ранее приобретённых курсов сроком на срок действия нового приобретённого курса.
  3. Обучающая площадка находится в сети Интернет, поэтому обучение возможно в любом месте, где есть доступ в интернет. Вы сможете заходить на обучающую площадку через телефон, планшет, ноутбук или ПК. Скачивание видеоуроков курса и просмотр курса в режиме оффлайн не предполагается.
  4. Вам не нужно быть в определённое время в сети. Все видеоуроки уже записаны, смонтированы и готовы к просмотру. Вы сможете заниматься в любое удобное для Вас время.
  5. Если Вы что-то не поняли, Вы можете просмотреть любой урок повторно любое количество раз в течение срока пользования курсом.
  6. После каждого урока есть домашнее задание, которое нужно выполнить и прислать преподавателю. Мы проверим Вашу работу, а также дадим качественную обратную связь по каждому заданию. Если задание выполнено так, что его можно улучшить, мы покажем, как это сделать.
  7. Если во время обучения появятся вопросы, Вы можете задать их автору курса в чате на обучающей площадке или в личные сообщения ВКонтакте и даже на электронную почту и достаточно быстро получить ответ.
  8. Вы можете делиться своими домашними наработками по курсу с другими учениками внутри обучающей площадки или в чате учеников ВКонтакте.
  9. Приобретение версии курса на диске или на флешке невозможно.

Выберите вариант обучения

Все уроки курса по аранжировке
Бонусный курс “Аккорд-Мастер”
Проверка заданий и обратная связь
Вместе создадим Вашу собственную аранжировку
Три урока по скайпу с автором курса
Бонусный курс “Мастер Гармонии”
Срок доступа к курсам 1 год 2 года
Цена 11990 19900

Содержание курса

Курс состоит из большого количества уроков, в которых мы с Вами будем последовательно проходить все этапы создания аранжировки. В течение всего курса мы с Вами будем делать аранжировку (разные виды аранжировки) одного и того же произведения – песни “Yesterday” и дополнительно песни “Fly Me To The Moon”. Именно это поможет Вам понять различия тех или иных аранжировок и натренировать навык на одном произведении, чтобы потом легко применять эти навыки на абсолютно любых произведениях.

В этом видео простой пример того, какие аранжировки Вы сможете делать. В видео 14 разных вариантов аранжировки песни “Yesterday”, которые Вы сами будете делать при прохождении курса. Причём это лишь основа, без вступления, концовки, украшений и формы произведения:

Список уроков:

Урок 1 – Аккомпанемент “Одна нота”
Вы узнаете, как сделать аккомпанемент с помощью одной ноты в басу, имея только строчку мелодии с подписанными аккордами.

Урок 2 – Добавляем аккорды
Вы познакомитесь с простым способом добавления аккордовых звуков в партию правой руки.

Урок 3 – Подменяем басиста
В этом уроке Вы узнаете – как сделать партию левой руки похожей на партию басиста.

Урок 4 – “Детский” аккомпанемент
Четвёртый урок посвящён аккомпанементу, который можно сделать “на коленке” за 5 минут, даже если гости уже собрались.

Урок 5 – Арпеджио в левой руке
Вы научитесь использовать возможности арпеджио по максимуму и делать аккомпанемент с применением приёма арпеджио

Урок 6 – Аккордовая аранжировка
Вы узнаете, как сделать аккомпанемент для пения, как играть вместе с басистом и солистом или без солиста.

Урок 7 – Стилистика. Темп и Ритм
Мы с Вами рассмотрим несколько вариантов аранжировки и Вы научитесь играть в балладном стиле, в стиле босанова и самба.

Урок 8 – Ключевые звуки мелодии
Вы узнаете, как сделать аранжировку с ключевыми звуками мелодии. Ключевые звуки мелодии – это “сокращённая версия” мелодии. Добавление ключевых звуков даёт ориентир для певца и я покажу, как сделать аранжировку с ключевыми звуками мелодии.

Урок 9 – Ключевые звуки аккомпанемента
В результате этого урока Вы сможете выстроить мелодию аккомпанемента и создадите собственную аранжировку песни для “матёрого” певца, который будет петь под Ваш аккомпанемент.

Урок 10 – Арпеджио, перетекающее из левой руки в правую
Вы научитесь делать один из самых красивых видов арпеджио, позволяющего оформить просто и эффектно любую медленную композицию.

Урок 11 – Аккомпанемент “Бас-аккорд”
После этого урока Вы сможете выстроить аккомпанемент с помощью приёма “Бас-Аккорд”.

Урок 12 – Ведение мелодии “Блок-аккордами”
Этот приём позволяет украсить и усложнить мелодию, даёт возможность играть мелодию двумя руками без других типов аккомпанемента. Можно использовать данный тип аккомпанемента для формирования красивых вставок и проигрышей.

Урок 13-14-15 – Аранжировка без использования педали
В этом разделе три отдельных урока:
– Аккомпанемент “стаккато”
– Аккомпанемент “современная аранжировка”
– Аккомпанемент “бас-аккорд стаккато”

Урок 16 – Ведение мелодии интервалами
Вы узнаете, как можно раскрасить мелодию с помощью интервалов, когда это уместно делать, а когда нет и что это даст.

Урок 17-18-19-20 – Вставка украшений в паузы
Вы научитесь вставлять разные типы украшений в паузах произведения. Здесь 4 отдельных урока:
– Вставка арпеджио
– Вставка дублированной мелодии
– Построение подводящей музыкальной фразы в правой руке
– Построение подводящей музыкальной фразы в басу

Урок 21 – Добавляем вступление
Вы научитесь делать несколько типов вступлений и у Вас никогда больше не будет проблем со вступлениями.

Урок 22 – Добавляем концовку
Вы узнаете, какие типы концовок можно использовать и научитесь делать несколько вариантов. Это позволит избежать любых проблем с концовками в будущем.

Урок 23-24-25 – Работа с формой произведения
В этом разделе три урока:
– Работа с планом произведения
– Приёмы усложнения и упрощения аранжировки. Формирование кульминации.
– Работа с настроением аранжировки

Урок 26-27-28-29 – Анализ готовых аранжировок
В этом разделе четыре урока и каждый из них посвящён анализу того или иного произведения. Вы научитесь делать анализ произведений самостоятельно и у Вас больше никогда не возникнет сомнений в том, какая аранжировка хорошая, а какая нет. Достаточно будет взглянуть на ноты. Кроме того, Вы всегда сможете оценить собственное творение и выявить слабые стороны, над которыми Вам нужно будет поработать ещё, чтобы насытить произведение ещё большими красками.

Урок 30 – “Дипломная работа”
Вы создадите с нуля собственную аранжировку любого произведения на Ваш выбор. Сделаете план произведения, опишете настроение произведения, создадите с нуля аккомпанемент, вступление, части произведений и переходы между ними, кульминацию и концовку. Вообще, после каждого раздела есть домашнее задание, которое проверяется преподавателем, но эта дипломная работа – будет апофеозом – Вашим результатом, которого Вы добились после прохождения курса.

По прохождению курса Вы научитесь очень многим вещам и будете гораздо более осознанно подходить к сочинению аранжировок. Аранжировки других авторов уже не будут казаться Вам чем-то нереально крутым, т.к. Вы будете знать те принципы, по которым они сделаны.

Если что-то осталось непонятным и у Вас появились вопросы, то смело задавайте их в комментариях ниже. Я всегда отвечаю на комментарии и вопросы в течение одного дня.

А если вопросов уже не осталось, то Вы можете выбрать вариант обучения и уже сегодня начать заниматься!

Выберите вариант обучения

Все уроки курса по аранжировке
Бонусный курс “Аккорд-Мастер”
Проверка заданий и обратная связь
Вместе создадим Вашу собственную аранжировку
Три урока по скайпу с автором курса
Бонусный курс “Мастер Гармонии”
Срок доступа к курсам 1 год 2 года
Цена 11990 19900

Отзывы выпускников

Геннадий Семашкевич (отзыв от 11. 10.2020)

Здравствуйте! Я давно занимаюсь по курсам Сергея Филимонова, начинал с “Первые шаги”. Потом “Блюз Мастер” и остальные. Курсы Сергея лаконичные и очень содержательные. Уровень мой был нулевой, а желание играть большое. И желание играть на пианино осознанно, а не механически разучивать партии левой, правой и обеих рук. Выхода курса “Мастер Аранжировки” я уже ждал. И этот курс оправдал мои ожидания. Благодаря курсу я осваиваю нотный редактор – полезная и нужная программа. А обратная связь с преподавателем доводит мои неуклюжие работы до нормы. Сергей охотно делится своими знаниями, дает точные рекомендации – и знакомая песня звучит ново и приятно. Прошёл половину курса. Впереди ещё много всяких “вкусностей” надо освоить. Чтобы стать осознанным музыкантом. Благодарю Сергея и буду поддерживать с ним общение и после курса.

Aksu Aksu (отзыв от 13.05.2020)

Добрый день! Я прохожу курс “Мастер аранжировки”, уже посмотрела все уроки и потихоньку делаю задания. Очень нравится этот курс, столько полезной информации! У меня есть музыкальное образование, но, когда я училась в учебном заведении, некоторые моменты для меня при изучении теории были очень непонятны. Мы много учили теории, а где применить и как, нам особо не рассказывали, либо на очень сложных примерах. Уроки гармонии вообще были чем-то сложным. В этом курсе разбирается как из строчки с мелодией и аккордами можно сделать красивую аранжировку, как научиться видеть нотный текст по частям, как понять где использованы кусочки аккордов, где мелодии, что автор внес своего в конкретной аранжировке известной песни, полезные и несложные приемы как сделать аранжировку интереснее, насыщеннее, разные варианты стилистики. Для тех, кто имеет музыкальное образование, этот курс как бы упорядочивает информацию, которая была давно знакома, но вы не знали как это работает на практике. Так же к этому курсу идет большой и очень полезный курс “Аккорд-мастер”, много полезной информации об аккордах, простые, сложные, джазовые, и разные упражнения на аккорды, все упорядочено и понятно. Сергей очень подробно все объясняет и приводит нотные примеры на все, что показывает в курсе. Рекомендую этот курс всем, кто давно хотел понять как устроены любимые песни, и как их можно сыграть по-другому, кто хочет творчества в музыке. Сергей, большое спасибо за Вашу работу!

Профессия аранжировщик: где учиться, зарплата, плюсы и минусы, востребованность

Аранжировщик – специалист, который адаптирует, изменяет, оформляет музыкальные произведения, выполняет инструментовку. Профессия заинтересует ребят, которые любят изучать музыку и пение, литературу, историю. Кстати, в 2021 году центр профориентации ПрофГид разработал точный тест на профориентацию. Он сам расскажет вам, какие профессии вам подходят, даст заключение о вашем типе личности и интеллекте.

Читайте также:

Краткое описание

Профессия многогранная и достаточно популярная. Аранжировщики перекладывают музыкальные произведения под конкретные инструменты, голоса, оркестры и т. д. Например, аранжировщик берет произведение для струнных инструментов, после чего адаптирует его для фортепиано или музыкального ансамбля. Он способен окрасить классически музыку в новые оттенки, до неузнаваемости изменить композицию, делая ее более понятной для современного слушателя.

Особенности профессии

Аранжировщики – востребованные специалисты, в их услугах заинтересованы компании которые занимаются производством:

  • рекламы,
  • кинофильмов,
  • мультфильмов,
  • мобильных, компьютерных, браузерных игр,
  • музыкальных произведений и других продуктов.

Аранжировщик должен отличаться развитым музыкальным слухом и эстетическим восприятием. Чаще всего он является и практиком (владеет техникой игры на музыкальных инструментах), и теоретиком. Основные обязанности аранжировщика следующие:

  • принимает участие в формировании репертуара, творческом мозговом штурме;
  • создает нотный материал в соответствии с поставленными задачами: обработка, переложение, транскрипция и т. д.;
  • создает музыкальные произведения или недостающие фрагменты;
  • вносит правки по результатам согласования работы с заказчиком;
  • принимает участие в студийной записи живого звука, последующей обработке музыки (при необходимости).

Обязанности зависят от требований клиента и фактического технического задания. Аранжировщик прописывает партии для музыкальных инструментов, может переложить на ноты мелодию, которую ему напоет заказчик. Нередко он дополняет композицию разнообразными эффектами и звуками, а также новыми фрагментами: вступление, финальная часть и т. д. Аранжировщик владеет композиторскими навыками, в работе использует не только базовые знания, но и различные компьютерные программы. Может выполнять обязанности саунд-продюсера, композитора, исполнителя, а также звукорежиссера.

Читайте также:

Плюсы и минусы профессии

Плюсы
  1. Деятельность увлекательная, профессия понравится людям, которые влюблены в музыку и имеют безупречный слух.
  2. Аранжировщик может выполнять некоторые заказы удаленно, что позволяет ему искать клиентов по всему миру.
  3. Сотрудничество с известными людьми, деловые связи, популярность в широких кругах.
  4. Активная работа может принести хороший доход.
  5. Аранжировщики обладают большим объемом знаний, поэтому могут трудиться в разных творческих сферах.
  6. Работы для аранжировщиков очень много.

Минусы
  1. Возможны конфликты с заказчиками на почве творческих разногласий.
  2. Молодые и неопытные аранжировщики испытывают проблемы при поиске высокооплачиваемой работы.

Важные личные качества

Аранжировщик имеет хороший музыкальный вкус, он умеет находить компромисс, отличается высокой требовательностью. В этой профессии важны увлеченность, хорошая память и слух, педантичность, склонность к многочасовой сидячей работе. Аранжировщик должен быть собранным, в меру самоуверенным и коммуникабельным человеком.

Обучение на аранжировщика

Профессиональных аранжировщиков обучают в вузах, стоит поступать на направление «Музыкознание и музыкально-прикладное искусство» (код: 53.03.06) с профилем «Компьютерная музыка и аранжировка». Абитуриенту нужно сдать ЕГЭ по литературе, а также по истории или обществу. В вузе придется проходить собеседование или творческое испытание. Музыканты, звукорежиссеры и представители других творческих профессий могут получить необходимые знания во время посещения курсов и школ звукорежиссуры.

Лучшие вузы для аранжировщика

  1. РАМ им. Гнесиных.
  2. МГИМ им. А. Г. Шнитке.
  3. ТГМПИ им. С. В. Рахманинова.
  4. ННГК.
  5. СПбГИК.

Курсы

  1. Tramplin.Pro.
  2. Школа звукорежиссуры Musicheads.
  3. Школа музыкального продакшна «Stereoschool».

Читайте также:

Место работы

Аранжировщики востребованы в студиях звукозаписи. Также они могут вести сотрудничество с частными заказчиками. Нередко эти специалисты работают диджеями, саунд-продюсерами, звукорежиссерами, могут заниматься с учениками или выполнять функции композитора. Можно совмещать несколько видов деятельности, что позволит существенно увеличить доход.

Заработная плата

Уровень дохода не зависит от региона проживания, ведь для коммуникации с заказчиком аранжировщик может использовать интернет (мессенджеры, прочее программное обеспечение). Чаще всего заработная плата складывается из объема выполненной работы, престижности и сложности каждого конкретного проекта. Аранжировщик может получать фиксированный оклад и бонусы, а также гонорары от частных клиентов.

Профессиональные знания

  1. Компьютерная обработка звука.
  2. Методы аранжировки.
  3. Сольфеджио и музыкальная грамота.
  4. Игра на нескольких музыкальных инструментах.
  5. Основы инструментовки.

Читайте также:

Как аранжировка музыки для оркестра? — Mvorganizing.

org

Как аранжировка музыки для оркестра?

Оркестровка — это искусство и ремесло аранжировки музыкальной композиции для исполнения оркестром или другим ансамблем. Оркестраторы часто используются в кино и на телевидении не потому, что композиторы не знают, как оркестровать свою музыку для оркестра, а из-за нехватки времени.

Как мне организовать музыку моей группы?

Руководство по организации

  1. Выберите хорошую песню для аранжировки.
  2. Скажите жеребцу, что хотите аранжировать песню.
  3. Прочтите раздел «Музыка» на веб-сайте YPMB.
  4. Назначьте мелодию для труб или тромбонов.
  5. Назначьте другой части ритмический или аккордовый аккомпанемент.
  6. Назначьте басовую линию на сусафоны.
  7. Двойные детали агрессивно.

Как аранжированы песни?

Аранжировка — это искусство взять музыкальное произведение и сделать его своим — или взять мелодию и добавить к ней различные инструменты, такие как ритм-секция или даже целая валторная секция. «Аранжировка» — это конечный результат объединения всех инструментов во время этого музыкального произведения.

Законно ли аранжировать музыку?

Для создания музыкального произведения, защищенного авторским правом, требуется разрешение владельца авторских прав. Аранжировка не может изменить основную мелодию или основной характер произведения ». («Закон США об авторском праве: Руководство для преподавателей музыки»)

Как мне научиться аранжировать музыку?

14 способов превратить ваши песенные идеи в отличную аранжировку

  1. Учитесь у экспертов.Послушайте свои любимые треки и попытайтесь понять, что именно в аранжировках заставляет их работать.
  2. Критически относитесь к своей работе.
  3. Изучение теории музыки.
  4. Попробуйте использовать вокал самостоятельно.
  5. Используйте пространство с умом.
  6. Меняйте припевы.
  7. Избегайте столкновения.
  8. Попробуйте необычные инструменты.

Как организовать музыку для начинающих?

Аранжировка музыки для начинающих От новичка

  1. Найдите песню, которую хотите аранжировать.
  2. Найдите ноты / оригинальную партитуру.
  3. Обозначение основных аккордов / основных аккордов.
  4. Играйте с аккордовой структурой.
  5. Начать с аккордов блока.
  6. Переходите к оборванным аккордам.
  7. Учите мелодию по одной ноте (игнорируя аккорды в мелодии)
  8. Синхронизация аккордов с мелодией.

Как ты пишешь музыку на слух?

Как сыграть мелодию на слух на фортепиано

  1. Выберите мелодию.
  2. Разберитесь в тональности C — Все проще в C.
  3. Найдите домашнюю ноту — спойте песню в тональности C, чтобы определить «домашнюю» (тоническую) ноту, которая совпадает с тональностью песни.

Что делает хорошую аранжировку?

Часто задают вопрос — что делает отличную музыкальную аранжировку? Замечательно, если он написан лирикой и против мелодии (имеет противоположные контрмелодии) и органической перегармонизации исходных аккордов. Великие аранжировщики всегда принимают во внимание текст и подкрепляют его значение своим выбором.

Сколько времени нужно, чтобы аранжировать песню?

Я медлителен, думаю, из-за своего вкуса. Я трачу в среднем 6 часов на создание простой аранжировки и еще около 100 часов на полировку, которая превращается в конечный продукт перед смешиванием, что займет еще около 10-20 часов.

Как я могу улучшить свои песни?

Начните с хорошего письма и структуры. Подобно тому, как хорошая основа — это крепкое здание, хорошие навыки написания песен также лежат в основе улучшения звучания ваших песен.Наличие сильной зацепки, запоминающихся текстов и хорошего общего потока упрощает добавление музыки к вашим песням и делает их запоминающимися.

Почему так сложно писать музыку?

Итак, отвечая на ваш вопрос, сложно писать музыку, потому что сложно заставить группу профессионалов прийти к единому видению. Пианист может расстроиться из-за того, что вы снизили дорожку для фортепиано, вокалист может не захотеть сокращать тексты песен и т. Д.

Как я могу написать свою первую песню?

Как написать свою первую песню

  1. Начните с концепции или идеи, которая что-то для вас значит.
  2. Следующий шаг в обучении написанию вашей первой песни — превратить вашу концепцию или идею в название песни.
  3. Составьте план своей идеи.
  4. Выберите ощущения или ритм для начала письма.
  5. Начните писать свою лирику.
  6. 6) Закончите песню.

Трудно сочинить песню?

Начало работы — часто самая сложная часть процесса написания песен. Некоторые считают, что разработка основной мелодии или центрального припева вашей песни является лучшим началом для написания следующего трека.Как только у вас получится хук или последовательность ключевых аккордов, вы можете строить вокруг нее остальную часть песни.

советов по аранжировке песен высокого уровня: от «Meh» до шедевра

Итак, вы написали отличную песню. Что теперь? Большинство песен требуют большего, чем просто оригинальный скелет голоса и фортепиано или гитары. Но как это устроить, когда вы начинаете с этих голых костей? Что вы добавляете к оркестровке и где это добавляете к песне?

Здесь мы предложим несколько советов, которые помогут вам создать качественную аранжировку песни, предоставив некоторое представление об элементах, которые будут служить вашей песне, включая разреженность и плотность, простоту и сложность, дополнительные занятия, такие как валторны и струнные, и, наконец, как аранжировка может превратиться песня в путешествие.

Проблема с любительской аранжировкой заключается в том, что каждый инструмент всегда должен петь, попадаясь в старую ловушку «чем больше, тем лучше». В профессиональной музыке дело обстоит иначе. Лучшим девизом было бы «Всему свое время и место».

Идеи просты, но эффективно реализовать их в вашей собственной музыке, когда вы можете начать терять перспективу, — настоящая проблема. Но это не та проблема, которую нельзя преодолеть с помощью советов и приемов, приведенных в этой статье.

Следует упомянуть, что если ваши усилия не увенчаются успехом, вы всегда можете нанять опытных аранжировщиков, таких как команда из Supreme Tracks, которые, как я лично видел, взяли простую структуру песни и превратили ее в готовый для радио шедевр с помощью помощь их команды студийных музыкантов.

Не обманывайте себя, думая, что поиск помощи — это обман. Вы получите ярлык главного автора песен, что означает, что суть работы — это ваше творение, и большая часть заслуги принадлежит вам.

В любом случае, давайте прямо сейчас решим, какие инструменты могут дополнить вашу голую песню.

Как аранжировать музыку: создание ансамбля

Выбирая инструменты для трека, думайте, как художник, выбирающий цвета. Посмотрите на текст своей песни и историю, которую вы рассказываете, и позвольте этому определять настроение.

Всегда спрашивайте себя: «Подойдет ли это песне?» Убедитесь, что вы служите художественному выражению музыки, а не своему собственному эго как автор песен.

Обратите внимание на свои варианты ударных и баса. Какой бит, на какой установке или ударных инструментах, с каким исполнителем улучшит впечатление слушателя от вашей истории? Или лучше всего подойдут запрограммированные ударные? Что лучше всего подойдет: вертикальный, электрический или синтезаторный?

Особенно на этапе записи обращайте пристальное внимание на взаимосвязь между звуком бочки и баса. Если это партнерство подходит, оно может вывести ваш трек на новый уровень и значительно упростит микширование низких частот.

Убедитесь, что ваша бочка и бас дополняют друг друга, а не конкурируют друг с другом.

После того, как ритм-секция установлена, ваши гармонические инструменты внесут настоящий колорит в вашу песню. Что вы должны использовать: акустическую или электрическую гитару? Если электрический, то какой тон и какой плеер? Требуется ли в песне акустическое фортепиано, Родос, Вурлитцер, орган или синтезатор?

Может, комбинация нескольких? А какой игрок поможет осветить вашу историю? Вы ограничены только вашей способностью представить себе лучший конечный результат для вашей песни.

В большинстве случаев, если вы соберете несколько замечательных музыкантов, они смогут выучить вашу песню, а также сами сочинить и исполнить отличные аранжировки.

Может быть волнительно слышать, как ваша музыка выходит из-под пальцев ваших плееров. Если у вас другое представление о том, как это должно звучать, поработайте вместе, чтобы найти точки соприкосновения.

Если вы работаете с опытным и талантливым музыкантом, доверяйте ему и открыто высказывайте его идеи о том, что им следует играть.Мастер конкретного инструмента поймет их роль лучше, чем мастер на все руки. Помните, вы попросили работать с ними, потому что доверяете им.

Последним вашим основным элементом будет вокал. Конечно, у вас будет ваш ведущий вокал: будете ли вы работать с вокалистом — мужчиной или женщиной — может зависеть от ваших текстов. Помните, что тембр голоса может сильно изменить атмосферу. Кто лучше всего подойдет для песни?

Затем выберите тональность, которая настроит вокалиста на то, чтобы по-настоящему добиться успеха в песне.Скорее всего, вы написали эту песню для себя, и это решение не имеет значения, потому что вы будете ее петь. Все, что вы можете сделать в этих не подлежащих обсуждению сценариях, — это попрактиковаться, а затем еще раз попрактиковаться.

Наконец, расставьте гармонии! Будет ли лучше всего одна гармония? Может, группа? Как насчет хора? Часто места, требующие гармонии, — это припевы вашей песни, определенные мелодии или тексты, которые вы хотите выделить.

Это можно сделать с помощью инструмента или дополнительного вокала.Выбор инструментов для раскраски и выделения в вашей песне так же важен, как и решение и сочинение того, на чем они играют.

Аранжировка песни: разреженность vs. плотность

Когда у вас есть ансамбль, в вашем распоряжении полный диапазон его звука . Насколько разреженной или плотной должна быть аранжировка для исполнения песни? Слишком скудно, и похоже, что основания нет. Слишком плотно, и это отвлекает и отвлекает.

Конечно, вы до некоторой степени будете танцевать между ними, о чем мы поговорим далее в статье.Просто помните, свинец не может сиять, если он не поддерживается со вкусом или если он заглушается слишком большим количеством инструментов.

Один из способов убедиться, что вы находитесь в золотой зоне между этими двумя крайностями, — это убедиться, что ваши гармонические инструменты (гитара и клавиши) играют в разных диапазонах и, надеюсь, играют разные партии. Возможно, один удерживает аккорды, а другой играет со вкусом оформленные мелодические фигуры, поддерживающие вокал.

Вы заметите, что звук гитары имеет совершенно другой цвет, чем звук фортепиано, играющего вашу последовательность аккордов.Кроме того, разные части вашей песни требуют разной плотности.

Куплет, как правило, более разреженный, а крючок склоняется к более наполненному звуку, хотя вы можете применить и противоположную трактовку, в зависимости от песни.

Гитара или пианино лучше подойдут к песне? Или оба? Играть вместе или по отдельности?

Pro-Tip: Плотность не определяет динамику . Тот факт, что припев полностью окрашен, не означает, что его нужно исполнять с большой энергией или громкостью.И наоборот, иногда редкая аранжировка, такая как бочка, малый барабан, базовая линия и вокал, может дать мощный удар.

Как аранжировать песню: простота против сложности

Еще одна плоскость, на которой можно использовать ваши элементы, — это когда вы имеете дело с простотой и сложностью. Даже если ваши песни исполняют самые опытные музыканты, просто потому, что вы можете что-то сыграть, не означает, что вы всегда должны это делать.

Ключом к написанию отличных партий является выбор наиболее удачной альтернативной мелодии, украшения или повторной гармонии. Всегда помните, что основная цель любого дополнения — служить песне. Иногда это потрясающее соло на электрогитаре или арпеджио в стиле классического фортепьяно может действительно сделать вашу историю более яркой и привлечь внимание слушателя, который в остальном не впечатлил.

В других случаях вам будет сложно отказаться от хорошей идеи, даже если она не вписывается в песню так, как должна. Будьте агрессивны и оставьте его на полу в монтажной.

В современном поп-написании песен простая аранжировка обычно заставляет большинство людей топать ногами, но никогда не стоит недооценивать силу добавления продвинутой музыкальной идеи, такой как джазовая регармонизация или басовая заливка, вдохновленная евангелием.

Подсказка: слушайте свои любимые песни и изучайте их аранжировки. Какие альтернативные мелодии добавили игроки? Как они служат для написания песен? Вы сможете быстрее развивать свою эстетику, изучая великих людей.

Теория аранжировки музыки: внеклассные занятия

Далее, мыслите нестандартно, или, в данном случае, ремешок из четырех частей. Подумайте о роли струнных, духовых, акустических и ударных звуков и даже звуков, созданных цифровым способом, в ваших песнях.

Будет ли песня служить вам на скрипке, виолончели или струнных? Послушайте «Что происходит» Марвина Гэя ниже и изучите, как струнный отрывок способствует написанию песен.

Эта песня (и весь альбом) несет глубокое послание о равенстве и мире на земле. Струны добавляют эпический, грандиозный, оркестровый колорит, и, вызывая симфоническую эру, песня кажется вневременной.

Будет ли песня служить саксофоном или целой партией валторны? Послушайте «September» Earth, Wind, and Fire ниже (одна из самых популярных песен в США).С.), обратите внимание на замысловатое расположение рогов.

Иногда они предлагают альтернативные мелодии, в то время как другие играют толстые ударные аккорды. Они почти выступают в роли вокальных партнеров, и в результате их дуэта получается одна из самых забавных песен, когда-либо написанных.

В более современном написании песен и продюсировании можно использовать все, от самых акустических звуков (посмотрите альбом Бон Айвера «For Emma, ​​Forever Ago», чтобы послушать немного кастрюль и сковородок) до самых цифровых звуков (см. Музыку роботов Daft Punk). культивируйте свой собственный уникальный звук как артист.Не бойтесь открывать новые направления.

Совет: не заставляйте его! Если песня требует более простой аранжировки, будьте верны целостности песни. Некоторые из самых трогательных песен исполняются одним гитаристом и певцом, как и многие работы Джеймса Тейлора или Джона Денвера. Ваш слушатель оценит сделанную со вкусом и деликатную аранжировку песни.

Превратите вашу аранжировку песни в путешествие

Большинство слушателей ценят музыку, которая строит, приливает и отливает, она динамична и интересна. Ваша сделанная со вкусом аранжировка может наполнить каждую часть вашей песни своим уникальным смыслом и помочь в плавных и содержательных переходах.

Небольшие брызги того, что я называю «леденцами для ушей», могут иметь большое значение, чтобы держать слушателя заинтригованным и сосредоточенным, поскольку вы позволяете музыке дышать и прокладывать себе путь через структуру вашей песни.

При переходе от первого куплета к первому припеву попробуйте добавить новый инструмент или два и, возможно, несколько вокальных гармоний. Затем во втором стихе оставьте некоторые или все ваши новые элементы.

Это даст слушателю новые впечатления от того, что он слышал раньше, поэтому используйте вашу аранжировку (и, надеюсь, ваши потрясающие тексты), чтобы поддерживать их интерес. Затем вы можете отбросить все это снова и перестроить из тега post-chorus на протяжении всего куплета до следующего припева.

Ваш мост — отличное место для экспериментов с разными звуками. Если он будет служить вашей лирике и истории, попробуйте разбить его на самое начало моста и усилить плотность и сложность по всей его длине.

Кульминацией сборки станет мрачный ритм вашего финального припева: захватывающий момент, который может либо поставить толпу на ноги во время веселой песни, либо заплакать в балладе. Здесь вы можете вытащить все свои инструменты и довести дело до конца.

Профессиональный совет: убийственная аранжировка не спасет плохо написанную песню. По отличному рецепту можно приготовить ужасную еду из испорченных ингредиентов! Основа песни — это все. Если версия с голыми костями не подходит, вам нужно продолжать работу над ней.

Легкая аранжировка песен

Некоторые музыканты посвящают свою жизнь аранжировке и оркестровке. Это ремесло, требующее чуткости, глубокого слушания, хорошего вкуса, творчества и знания всех музыкальных оттенков на цветовом круге.

В современной музыке большинство продюсеров делают эту работу самостоятельно, используя сэмплы и записывающее программное обеспечение, так что это должна быть достижимая цель. Тем не менее, конкуренция становится все более жесткой!

Использование этих простых советов и изучение любимых мелодий поможет вам добиться высокого качества и вдохновляющих аранжировок для ваших песен.Если все остальное не помогает, вы всегда можете узнать о профессиональных услугах по аранжировке песен и нанять профессиональных аранжировщиков, которые сделают для вашей песни наилучшую аранжировку. Удачи и удачной организации!

Джареду исполнилось 20 лет в музыкальной индустрии. Он действует как владелец, редактор, ведущий автор и веб-дизайнер LedgerNote, а также соавтор всех статей. Он выпустил 4 независимых альбома и товары для продажи по всему миру.Он также сводил, мастерил и записывал для бесчисленных независимых артистов. Узнайте больше о Джареде и команде LN здесь.

Что это такое и чем они занимаются? : Interlude

© TalkinMusic.com

Классическая музыка не новичок в аранжировках. История музыки изобилует адаптациями, корректировками и переделками — даже Бах переделывал и включал свои собственные произведения в другие произведения — но что на самом деле такое аранжировка? Как мы это делаем? И что происходит, когда аранжировка превосходит оригинал?

Аранжировка — это любая переработка уже существующей композиции.Это может быть оркестровка фортепианной пьесы, фортепианная редукция оркестровой пьесы или, если ваше воображение достаточно буйно, что угодно и что угодно. Аранжировщик может иметь удивительно большое артистическое участие в своей работе: темп, динамика, инструменты, даже гармония и мелодия могут быть изменены (в пределах разумного, конечно. Если вы достаточно измените темп, мелодию и гармонию Оды к радости, вы сможете теоретически закончить с Bohemian Rhapsody, прежде чем вы это узнаете).

Стравинский: «Жар-птица» © Клуб слушателей

С технической точки зрения устроить можно все.* Я мог бы аранжировать 40-ю симфонию Моцарта для волынки, окарины и музыкальной пилы или сделать адаптацию Тоски для октета фагота — все зависит от эффекта, на который рассчитывает аранжировщик (я имею в виду, дайте мне восьмифаготную версию чего угодно и Я там.)

Причина могла быть практической: сократить оркестровую пьесу камерной группой из-за ограниченного бюджета и музыкантов. Это могло быть финансово: аранжировка Стравинского от 1945 года на «Жар-птица » была создана для того, чтобы восстановить авторские права на нее в США и заработать на гонорарах.Или это могло быть артистично: я считаю, что миру нужен октет фагота Tosca , и мое сердце горит, чтобы воплотить его в жизнь. Ладно, может, и нет. Но вы меня поняли.

© Discogs

Особенно в мире кино и телевидения произведения, которые мы знаем и любим, на самом деле являются аранжировками оригинала. Джинглы и песни часто начинаются с простой «реплики», состоящей только из простой мелодии и небольшого количества символов аккордов. Затем композитор аранжирует эту мелодию для имеющихся сил, и иногда такая аранжировка укореняется в общественном сознании и пользуется успехом, выходящим за рамки оригинального шоу.Подумайте о Генри Манчини и его песне «Moon River»: когда люди слышат парящий оркестр и говорят, что им нравится «Moon River», им на самом деле следует говорить, что им нравится «эта особенная аранжировка Moon River ». Вы можете указать на этот захватывающий факт людям на коктейльных вечеринках и увидеть, как они вежливо кивают головами перед тем, как сказать: «Эээ, о, вау, это действительно время? Я должен идти.»

Произведение может быть аранжировано как оригинальным композитором, так и кем-то другим, и в определенном количестве случаев адаптация воспринимается более благосклонно, чем первоначальное произведение.Возьмем, к примеру, Картинку с выставки . Удивительно яркая, красочная сюита Равеля для оркестра, правда? Не совсем.

Модест Мусоргский: Картинки с выставки © Classic FM

Картинки с выставки на самом деле не Равель — оригинал представляет собой сборник фортепианных пьес Модеста Мусоргски, опубликованный в 1886 году, который был у многих композиторов. пойти на оркестровку, включая Равеля, чье предложение 1922 года стало самым известным сегодня, и который проделал такую ​​хорошую работу, что Pictures , кажется, затмевает скромные усилия Модеста, кхм, .Извини, я увижу себя.

В мире классической музыки преобладающая идея о том, что последнее слово остается за композитором, часто не соответствует действительности. Аранжировки приоткрывают крышу над миром, в котором вещи настраиваются, заимствуются, адаптируются и переделываются, и могут придавать деталям совершенно новую жизнь и смысл, открывая неизведанные выразительные возможности. Или вы можете просто приспособить что-нибудь для октета фагота.

Чтобы получить больше лучших в классической музыке, в нашем электронном бюллетене

Мусоргский: картинки с выставки

* (Все, что может быть организовано, , но если это все еще защищено авторскими правами, требуется правильное разрешение должны быть получены от композиторов и / или издателей.Я могу без проблем сделать аранжировку Хильдегард фон Бинген, но сочинение Пуленка может быть проблемой.)

Музыкальный салон: аранжировка и транскрипция

Комментатор задал хороший вопрос о моем последнем посте:

Что такое аранжировка в том смысле, в котором вы (оба) использовали здесь этот термин?

На что я ответил:
Большое спасибо за этот комментарий! Я стараюсь не использовать больше технических терминов, чем мне нужно, но иногда я использую один, даже не осознавая этого!
«Аранжировка» музыкального произведения состоит в том, чтобы изменить его таким образом, чтобы его можно было играть, например, на разных инструментах.Учитывая повседневные потребности музыкантов-практиков, это очень распространено. Вы идете на свадьбу, а арфист играет всем известный «Свадебный марш». Первоначально это произведение для оркестра — одна из частей из сюиты эпизодической музыки к «Сон в летнюю ночь» Мендельсона. Арфист, следовательно, играет в сильно уменьшенной аранжировке оригинала. Обычно вы сохраняете наиболее узнаваемые черты, такие как мелодия, ритм и основная гармония.
Аранжировка скрипичной сонаты Бетховена у Тоннетти — другого рода: вместо того, чтобы сокращать и сокращать оригинал, он пытается создать новое произведение искусства, ну, я использовал слово «распаковка», и оно довольно хорошо передает его.Он делает четкие линии и гармонии, которые подразумевались в оригинале.
На самом деле этого вопроса довольно много, поэтому я собираюсь посвятить ему пост. Ранее я разместил небольшой пост о расшифровке Бетховена. Я также получил интересный комментарий к этому посту (от того же комментатора). Думаю, я понимаю этот интерес, поэтому позвольте мне подойти к вопросу в более философской манере.

Музыканты используют два разных термина: аранжировка и транскрипция. Оба относятся к практике принятия музыки, написанной для одного инструмента или группы инструментов, и адаптации ее к другому инструменту или группе инструментов.Различие между этими двумя терминами состоит в том, что транскрипция пытается быть точным воспроизведением музыкального произведения на другом носителе. Соната Скарлатти для клавесина может быть переписана для гитары и очень точно воспроизводит оригинал. Этномузыкологи могут слушать музыку в устной традиции и записывать ее в нотную запись, пытаясь как можно точнее уловить то, что они слышали.

Аранжировка, с другой стороны, подразумевает некоторые изменения, возможно, существенные, по сравнению с оригиналом.Если вы играете на гитаре одну из сюит Баха для виолончели, это вряд ли даже транскрипция, потому что вам не нужно менять ни одной ноты. Но если вы возьмете движение из одной из оркестровых сюит, скажем, Аир из сюиты № 3 ре мажор, BWV 1068, и исполните его на соло-гитаре, тогда придется выполнить радикальные нотные эктомии! Здесь вы можете послушать оригинал и аранжировку для гитары:


Это неплохая аранжировка, и она хорошо сыграна, но я думаю, вы можете услышать, что она сильно отличается от оригинала.То, что мы часто слышим, — это плохие аранжировки, проигранные безразлично и сделанные либо из-за нужд конкретного мероприятия, например, свадьбы, либо для того, чтобы потворствовать публике. По этим причинам в классическом мире на аранжировки часто смотрят свысока. Однако, похоже, это меняется, как указывает мой пост о Ричарде Тогнетти. Вы, безусловно, можете подойти ко всему вопросу аранжировки с творческой позиции, а не только исходя из потребностей дня.

Отчасти это происходит из-за влияния поп-музыки, когда от каждого исполнителя ожидается, что он придумывает совершенно новый «взгляд» на каждую песню, исходя из того, что с ней делал кто-то другой.В мире поп-музыки, когда артист записывает песню, написанную кем-то другим, это называется «кавер-версией». Это, конечно, новая аранжировка, но там, где традиционно, как в приведенном выше примере Баха, делается попытка уловить суть оригинала, сохранив такие вещи, как темп, гармония, значения нот в «кавер-версии», Художник пытается изменить как можно больше, чтобы мелодия соответствовала своему собственному стилю. Вот пара примеров. Во-первых, инструментальная версия «Yesterday» Хосе Фелисиано: возможно, самая кавер-версия песни всех времен.Видео не соответствует звуку в этом клипе, поэтому просто послушайте:


А вот оригинал Пола Маккартни:

.


Или, если взять еще несколько крайних примеров, вот ария «Лето», написанная Джорджем Гершвином из оперы Порги и Бесс :


А вот аранжировка для фортепиано соло Кейта Джарретта:


И, наконец, из диких и чудесных 60-х, Дженис Джоплин с Big Brother and the Holding Company:


Если у вас есть философские наклонности, вы можете прямо сейчас начать ерзать, потому что хотите сказать, но они такие разные, какая песня «Summertime»? «Summertime» — это песня (или ария) , или это набор песен? Где находится настоящая песня? Только в голове у Гершвина, когда он это записывал? В обозначениях на бумаге? Аранжировка Дженис Джоплин такая же песня, как и оригинал? Это меньше или больше? Эти вопросы об идентичности или онтологии музыкального произведения довольно увлекательны.На днях я собираюсь разместить свой давно откладываемый пост (хех) о Платоне и формах, где я надеюсь еще немного разобраться в этих вопросах.

Но для большинства музыкантов это не имеет значения. Помните, что музыкальное мышление происходит в совершенно другой части мозга, поэтому мы, музыканты, склонны интуитивно или инстинктивно реагировать на аранжировки и транскрипции. Конечно, я не имею в виду интуитивное или инстинктивное в обычном смысле, я просто имею в виду «невербальные музыкальные реакции». Многие «аргументы», которые я представляю в этом блоге, основаны на клипах на YouTube, в музыкальных терминах.Я говорю: послушайте это, послушайте то, услышьте разницу, и это музыкальный эквивалент аргументации в словесном споре. Я часто слышал, как музыкант говорит о музыке, сочетая словесные комментарии с примерами игры на удобном инструменте. «Ну, ты можешь сыграть фразу так

но так протекает намного лучше

Наши музыкальные реакции обычно загадочны, если вы не следуете музыкальным спорам. Так что вы можете возразить за или против определенной аранжировки, проигрывая небольшие отрывки и говоря: «Это действительно не работает, не так ли?» или «разве это не приятный эффект?»

Мне удалось уйти от темы, но, вернемся, это просто случай, когда нужно судить об эффективности аранжировки или транскрипции, основываясь на музыкальной эстетике.Некоторые работают лучше, чем другие. Всегда рекомендуется проверять исходную версию. Вы можете решить, а можете и не решить, что оригинальная версия является лучшей.

Аранжировка 101 — Профессиональные аудиофайлы

Содержание статьи

Прежде чем перейти к пониманию аранжировки, я хочу выделить момент, чтобы подчеркнуть важность аранжировки. Аранжировка в конечном итоге устраняет разрыв между композицией и миксом. Дайте этому момент откликнуться, и я проясню.

Аранжировка относится к организации любого аспекта песни. Песня может быть организована по-разному и при этом оставаться, по сути, одной и той же песней. Аранжировка — это просто способ, которым песня поставлена.

Хотя есть много разных способов мышления об аранжировке, в этой статье я собираюсь поговорить о трех конкретно: о гармоническом расположении, структурном расположении и прогрессии.

Гармоническая аранжировка

Гармоническая аранжировка — это организация инструментов и их мелодических или гармонических ролей.Идея состоит в том, чтобы создать звуковой образ, используя естественный тембр звуков в песне. Например, у вас есть партия на флейте или на гитаре? Какие голоса принимают разные инструменты и какое влияние это окажет на слушателя? Это полностью выбор продюсера или аранжировщика — на самом деле здесь нет «правильных» или «неправильных», но вот несколько идей:

Гармонически плотные звуки, такие как аккордеоны, органы, струнные ансамбли и т. Д., Занимают много звукового пространства.Два простых способа заставить эти гармонично богатые звуки работать хорошо:

  1. Пусть они исполняют простые части, которые совпадают с основной мелодической частью. Это хороший способ добавить звуку полноты и варьировать прогрессию. Например, вы можете включить основную тему и бас в первой части куплета, а струнный ансамбль, выполняющий что-то простое и базовое, войдет во вторую часть куплета. Это поддерживает накопление энергии на протяжении всего стиха, не вызывая при этом драматических изменений.
  2. Сделайте так, чтобы они занимали центральное место с несколькими другими гармоническими партиями одновременно. Наличие аккордеона впереди и в центре займет много звукового пространства. Чтобы сохранить ясность, вы можете сделать этот элемент центральным, а все остальное оставить разреженным. Между струнным ансамблем, басом, ритмическими элементами и вокалом ваш микс не будет казаться скудным.

Вопреки этим идеям, вы могли бы пойти на идею «Стены звука», когда вы перемещаете тонны плотных гармонических частей и смешиваете их все вместе, а затем размещаете их далеко позади ваших ведущих элементов.Это создает чрезвычайно плотную звуковую палитру, но это связано с ценой чистоты инструмента.

Когда гармоническая аранжировка плохо продумана, микшер часто ограничивается использованием большого количества эквалайзеров, чтобы инструменты были слышны правильно.

Гармонично открытые звуки, такие как флейты, кларнеты, синусоидальные синтезаторы, или даже инструменты среднего тембра, такие как трубы и фортепиано, работают по-разному. Вы можете создавать более сложные контрапункты, но помните об этих двух идеях.

  1. Разделение . Поместите вещи в их уникальные диапазоны высоты тона — если у вас есть контрапункт, работающий в том же диапазоне нот, вы потеряете четкость не только инструментов, но и гармонических линий. Разделяйте ноты в диапазоне больше, и внезапно у вас появляется несколько динамических гармонических линий, которые можно вводить или убирать по ходу песни, чтобы добавить измерение и развитие к прогрессии. Преимущество микса здесь в том, что вам не понадобится много эквалайзера, чтобы эти элементы работали вместе, если таковые имеются.
  2. Наслоение . Вы всегда можете назначить несколько инструментов на одну и ту же роль, создав гибридно-тембральный инструмент. Один из моих любимых трюков — удвоить партию ритм-гитары и виолончель. Гармоники мощные — сильнее, чем просто наложение гитар (на мой взгляд). Хитрость в смешивании состоит в том, чтобы отдельные слои смешивались, а не пытались создать разделение.

Конструктивное устройство

Структурная организация — это порядок, в котором расположены различные секции, и то, как они ощущаются в сравнении.Структурные решения основаны на идее секций. Разделы — это тематически независимые части песни, которые по-прежнему связаны с другими разделами. Общие разделы:

ОБЪЯВЛЕНИЕ

Intros — Восстанавливает песню из небытия.
Reprise / Припев — это повторяющаяся часть песни. Обычно это самая определяющая часть песни.
Крючок — Крючок — это часть песни, которая используется для закрепления в голове слушателя.Реприза — это почти всегда зацеп, но в одной песне может быть несколько зацепок.
Pre-Chorus — предварительный припев идет прямо перед репризой / припевом. Он используется в качестве переходного сегмента, который создает напряжение перед началом припева. Хорошо продуманный предварительный припев — это часто разница между профессиональным автором песен и начинающим сочинителем песен.
Стих — Этот стих является противоположностью репризы. Это место, где можно исследовать и развивать идеи песен, которые, в конечном итоге, достигают кульминации в репризе, с большим допуском на вариации и развитие.
Мост — Мост — это переходный сегмент, соединяющий одну часть с другой. Хотя технически пре-хорус — это мост, часто мост рассматривается как часть, которая связывает две одинаковые части вместе. Другими словами, припев переносит куплет в припев. Мост может привести этот припев к другому припеву или куплет к другому куплету. Это способ оживить жизнь в повторяющемся разделе.
Outros — Прекращает существование песни.

Структурные устройства — это отчасти ощущение, а отчасти наука.Часто песни не пишутся линейно — мы получаем представление о партии, а затем решаем, что она отлично подходит как куплет или припев. Затем мы придумываем другую часть, которая в некотором роде дополняет первую, и она становится нашим вторым основным разделом. Затем мы должны решить, как ощущается энергия между ними. Соединяются ли они идеально или нужен какой-то мостик? Может ли песня просто вписаться в одну из частей или нужно вступление?

Прогресс

Если структура — это макроранжировка песни, прогрессия — это аранжировка от момента к моменту .Это относится к вариациям внутри секции — включение и выключение различных инструментов, большие каденции или моменты, когда все инструменты полностью выпадают, добавляя волнения и обеспечивая «движение вперед».

В песне должна быть какая-то энергетическая динамика, иначе все будет звучать как одна бесконечная часть. Часто куплеты более открыты и менее энергичны в музыкальном плане, чем реприза / припев, поэтому для сохранения энергии нам нужен другой тип энергии.Вместо гармонической энергии мы смотрим на динамическую энергию — изменение событий от момента к моменту — временной фактор. Если вы внимательно послушаете любую хорошую песню, вы заметите, что в каждом моменте есть что-то уникальное. Часто это незаметно и в исполнении. Но так же часто это небольшие изменения в мелодии, гармонии, инструментах и ​​ритме. Идея состоит в том, чтобы вещи звучали одинаково, но не повторялись.

Заключение

Из хорошо продуманной аранжировки получится песня, которая никогда не устареет и практически сама смешивается.Это позволяет всему производственному процессу проявлять меньше компромиссов и более творческое мышление. Так что не забывайте думать о своих тембрах, развитии и структуре, когда сочиняете следующую песню.


Что делает аранжировку отличной?

Часто задают вопрос — что делает отличную музыкальную аранжировку?

Замечательно, если будет написано с лирикой и против мелодия (имеет оппозиционные контрмелодии) , и органическое преобразование оригинальных аккордов.

« С лирикой » означает, что ощущение аккомпанемента должно усиливать смысл лирики. Аккомпанемент — это чувство, а вокальная линия — это смесь смысла и чувств. Аранжировщику легко погрузиться в изучаемые им музыкальные приемы, забыв при этом смысл текста в любом конкретном месте песни. Великие аранжировщики всегда принимают во внимание текст и подкрепляют его значение своим выбором.

« против мелодии » может означать:

  • Контрмелодия может произойти в дырах во фразе.У каждой вокальной партии есть точки отдыха, потому что певцу нужно дышать, и песни написаны с учетом этого. Эти места может занять хорошая контрмелодия, предлагая связующий материал, ведущий к следующей фразе. Эти события могут быть такими короткими, как пара долей в конце такта или два такта переходного материала, ведущего к следующему разделу песни.
  • Мелодия возникает вокруг нот, которые можно охарактеризовать как «основные цвета» гармонии, иначе говоря, «тона аккорда».«В каждом экземпляре гармонии есть два или три основных цвета, помимо основного тона аккорда, который, как предполагается, находится в басу. Хороший аранжировщик напишет свои контрмелодии, украсив другим основным цветом , который в данный момент не используется вокальной партией. Есть исключения. Если контрмелодия перекликается с вокальной партией, она будет использовать те же тона, ритмически смещенные. Если голосовая линия проходит через все основные цвета, контрмелодия может быть написана против точки посадки мелодической линии.
  • Другая форма контрмелодии может существовать в ритмической плотности, отличной от мелодии. Если мелодия активна, контрмелодия может быть статичной и наоборот. Это может быть вторичная контрмелодия, введенная после первой.
  • Контрмелодия может время от времени противостоять мелодии и разрешаться ей. Это устройство усиливает напряжение и бросает вызов вокалисту, но может дать очень удовлетворительное разрешение.

Органическая регармонизация означает, что аккорды, используемые или подразумеваемые аранжировщиком, являются производными функциональной схемы исходной гармонии.Аккорды, полученные из тональной системы, имеют в этой схеме функцию , которую проще всего описать как «дома» и «вдали». Тонический аккорд (или «I») — это «дом», а все остальное — «вдали». Первичные «чужие» функции — это субдоминанта («IV») или доминант («V»), каждая из которых может быть выражена множеством замен. Аккорды можно варьировать бесчисленными способами с помощью диатонических замен, соседних аккордов, вставленных доминант, переходных аккордов и других приемов.Некоторые аранжировщики могут обнаружить другую функциональную схему, которая им нравится в песне, но если они используют ее в аранжировке, они перекомпоновывают песню, и повторная гармонизация перестает быть органической, нарушая замысел композитора.

Один из распространенных приемов, которые используют великие аранжировщики, — это наложение прогрессии на область статической функции в исходной песне, увеличивающую плотность гармонических событий, что является принятой и широко используемой техникой. Опытный аранжировщик сделает это, соблюдая функциональность, содержащуюся в исходной фразе исходного материала.

Связанные

МУЗЫКА; Организаторы разрушают или создают?

В эту категорию любовного восхищения попадают реорганизации симфоний Шумана Густава Малера. Малер обожал эти произведения и часто дирижировал ими, но он утверждал, что Шуман иногда хоронил свои внутренние голоса с помощью громоздкой оркестровки. Малер хотел восстановить их, сделать неслышимое слышимым.

Арнольд Шенберг взял листок из книги Малера, когда по тем же причинам аранжировал фортепианный квартет соль минор Брамса для всего оркестра.Будучи молодым виолончелистом, он принимал участие в выступлениях квартета и обнаружил, что ощущать себя заглушенным роялем пугающе. «Чем лучше пианист, — писал он, — тем громче он играет. Я хотел хоть раз все услышать, и этого я добился ».

Шенберг не остановился на Брамсе. Он также переписал ряд масштабных произведений Малера и Дебюсси. Причины здесь явно альтруистические.

После смерти Малера на его музыку, особенно в его родной Вене, легла мантия пренебрежения.Шенберг хотел поднять его и переписал такие произведения, как «Das Lied von der Erde» («Песня земли») и «Lieder Eines Fahrenden Gesellen» («Песни странника») для небольшой камерный оркестр, чтобы музыка оставалась живой и наслаждалась избранным кругом поклонников.

Он основал Общество частных музыкальных представлений. Только за первый сезон (1918-19 гг.) Он дал 26 концертов и исполнил 45 современных произведений. Пресса была исключена. Были допущены только члены, и они должны были показать удостоверение личности с фотографией, чтобы войти.У нас будет редкая возможность услышать некоторые из этих аранжировок Шенберга и немного вспомнить историю музыки, когда оркестр Eos под управлением Джонатана Шеффера исполнит их на этой неделе. Удостоверение личности с фотографией не требуется.

Никакое другое искусство не может сравниться с аранжировкой.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *