Чем полезна работа художника: Чем профессия художника полезна обществу?

инструкция по применению – журнал «Искусство» Художники путешествовали всегда, однако резиденции в современном понимании появились в конце XIX — начале ХХ века. Их главная задача — предоставлять творцам время и место для творческого развития, а также дополнительные ресурсы, как материальные, так и культурные. Терри Томпсон. Товары для художников, 2017 Холст, масло. 105 × 70 см © Terry Thompson. Предоставлено художником Что нужно художнику? Пространство — чтобы жить и чтобы работать; свободное время — […]

Художники путешествовали всегда, однако резиденции в современном понимании появились в конце XIX — начале ХХ века. Их главная задача — предоставлять творцам время и место для творческого развития, а также дополнительные ресурсы, как материальные, так и культурные.

Терри Томпсон. Товары для художников, 2017

Холст, масло. 105 × 70 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

Что нужно художнику? Пространство — чтобы жить и чтобы работать; свободное время — чтобы создавать искусство; профессиональные знакомства и связи; бюджет на производство и на покрытие расходов на жизнь; аудитория, которой можно показать свои произведения и с которой их можно обсудить. Каждый из этих ресурсов можно найти отдельно — у разных галерей, музеев, предоставляющих гранты фондов, нацеленных на сотрудничество с художниками брендов и т. п. Однако формат арт-резиденции придуман, чтобы удовлетворять все эти потребности одновременно.

Резиденция — это ещё и организация-посредник между художником и территорией. По моему наблюдению, чаще всего резиденции образуются, чтобы решить какую‑либо проблему, например, появилось пустующее здание — можно поселить там художников, или у местного сообщества есть какой‑то культурный запрос, или им надо куда‑то пристроить своих детей, или есть заброшенное место и ему нужно придумать новую функцию. Поэтому художнику не стоит фокусироваться только на собственной позиции: что резиденция может дать вам. Лучше задуматься, чем вы можете быть полезны этой территории, — и тогда вас возьмут с куда большей вероятностью.

Какие бывают резиденции?

1.
Изначально резиденции были местами для продолжительного уединения, где художник мог отстраниться от бытовых и семейных проблем, работы с документами и необходимости обслуживать себя, где он фокусировался на своей практике.

Другой тип резиденции появился позднее — он подразумевает не уединение, а, наоборот, пребывание в сообществе. Художник едет туда, чтобы попасть в команду профессионалов — кураторов, критиков, художников, — с которыми можно сотрудничать или обмениваться идеями. Для начала стоит разобраться, чего именно вы хотите. Например, нужно ли вам одиночество, или требуется кураторский надзор и комментарии более опытных художников? Далеко не все резиденции это предлагают.

Многие уверены, что художник заранее придумывает свой проект и предлагает его резиденции. На самом деле в огромной степени именно формат резиденции определяет, что будет делать художник

2.
Ещё один тип резиденции построен вокруг определённых технических возможностей. Например, у организаторов есть всё для шелкографии, выплавки металла или производства керамики. Зачастую дорогое и громоздкое оборудование, с которым нужно поработать художнику, невозможно приобрести в мастерскую, а в резиденции оно есть — и это хороший выход. Туда же можно поехать, чтобы освоить совершенно новую для себя технологию.

3.
Многие уверены, что художник заранее придумывает свой проект и предлагает его резиденции. На самом деле в огромной степени именно формат резиденции определяет, что будет делать художник. Обратите внимание: далеко не все рассчитывают, что по окончании срока вы полностью реализуете какой‑то творческий замысел. Некоторые резиденции — особенно краткосрочные, до месяца, — предлагают сфокусироваться на исследовании их территории или их профессиональных задач с целью выработать новое видение.

Терри Томпсон. Автозапчасти «Baskin’s», 2016

Холст, масло. 90 × 60 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

4.
Существуют резиденции при музеях, их немного, но они часто очень престижные, туда трудно попасть. Например, в музее Куинса есть двухгодичная программа: художник несколько дней в неделю работает в музейном пространстве и посещает образовательные семинары.

Это даёт серьёзный карьерный рост и знакомство с именитыми кураторами, с которыми поддерживает связи статусный музей.

5.
Несколько лет назад была опубликована статистика, что 88 % выпускников нью-йоркских высших учебных заведений не успевают освоить бизнес-навыки, необходимые для развития собственной карьеры. По сути, они не умеют планировать. Некоторые резиденции заточены именно на такое профессиональное развитие — учат, как подавать заявки на гранты и в резиденции, как планировать свою карьеру, какие ресурсы можно привлекать. Например, программа в нью-йоркской резиденции Residency Unlimited, где я выступаю одним из кураторов, нацелена на развитие профессиональных навыков, важных для развития карьеры художника, куратора и галериста в международном контексте. В этом году мы запустили и программу для арт-профессионалов из России.

6.
Существуют программы, специализиру­ющиеся на связке искусства и технологий, что очень актуально сегодня. Например, Новый музей в Нью-Йорке в 2014 году открыл первый музейный инкубатор New Inc — уникальное пространство, предназначенное не только для художников, но и для культурных стартапов на стыке искусства, дизайна и технологии. Их резиденты развивают идеи и решения, которые можно будет использовать как в музейной среде, так и в креативных индустриях. New Inc привлекает множество профессиональных консультантов, менторов, что формирует очень классное сообщество.

Один художник придумал для Facebook внутрикорпоративную аналоговую социальную сеть: лично разносил сообщения на карточках всем трём тысячам сотрудников

7.
Крупные корпорации тоже начали открывать резиденции. Насколько мне известно, началось всё с Facebook: в 2005-м Марк Цукерберг пригласил художника Дэвида Чоэ выполнить несколько настенных росписей в офисе компании в обмен на пакет её акций. С 2012 года кураторы Facebook уже регулярно приглашают художников поработать в разных филиалах. Для заказчика в этом много преимуществ: художник преобразует пространство, создаёт творческую атмосферу для сотрудников, транслирует ценности компании — новаторство и готовность к экспериментам. Кроме того, у сотрудников возникает возможность постоянно наблюдать, как трудится художник.

Некоторые художники становятся настолько популярными, что им приходится работать по выходным и по ночам, поскольку днём их всё время отвлекают. Резиденты могут интегрировать свой проект в работу компании. Один из них придумал для Facebook внутрикорпоративную аналоговую социальную сеть: лично разносил сообщения на карточках всем трём тысячам сотрудников.

8.
Другой вариант резиденции от корпораций — когда компания разработала новый продукт и приглашает художника исследовать его возможности в надежде, что резидент предложит что‑то за рамками стандартного взгляда. К примеру, Google недавно собирал художников, мультипликаторов, дизайнеров и даже танцоров, чтобы протестировать Tilt Brush, новый инструмент для создания 3D-изображений в виртуальной реальности.

Терри Томпсон. «Звезда Тусона», 2017

Холст, масло. 105 × 70 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

9.
Корпоративные резиденции не обязательно преследуют настолько утилитарные цели. Зачастую бизнесы стремятся работать с художниками просто потому, что это часть их социальной миссии. Программа Google, например, интересна ещё и своей междисциплинарностью, так как создана на стыке технологии, искусства и моды. В этом году Google также предлагает гранты — в сочетании с собственной экспертизой — современным художникам, которые используют в своей практике машинное обучение.

10.
Мне нравится утверждение художницы Ольги Киселёвой: «Каждому парку нужен художник!» На деле это означает, что арт-резиденции могут располагаться где угодно. Например, 360 Minute Creative Residency подразумевает, что художника на шесть часов помещают в какое‑то общественное пространство Нью-Йорка — в продуктовый магазин, на перекрёсток, в офис, на завод по переработке мусора. Там он может делать всё, что хочет, но основная задача — переосмыслить и само пространство, и процесс собственного творчества. Или знаменитый парк скульптур «Сократ» на Лонг-Айленде — он выделяет финансирование на создание новых скульптур в пространстве парка, где те и остаются.

Вроде ничего особенного; тем не менее, это невероятно престижное место и первоклассная строчка в резюме любого художника.

Британская резиденция сэра Энтони Гормли располагается в особняке XVIII века в Норфолке. Классик приглашает к себе начинающих, которые придумывают, как реализовать его идеи, — получается очень продуктивный обмен

11.
Ещё один тип резиденции — это местечко под крылом большого мастера. Яркий пример — Watermill Center, основанный в 1992 году легендарным театральным режиссёром Робертом Уилсоном. Приглашённые художники, дизайнеры, даже продюсеры и арт-менеджеры, участвуют там в семинарах — их проходит 6—7 за 2 месяца резиденции. С одной стороны, они учатся методам, которые использует мэтр, работают в непосредственной близости от него, с другой — помогают разрабатывать идеи для его будущих постановок и организовывать большую ежегодную гала-вечеринку. Судя по отзывам моих друзей, это потрясающий опыт. Или британская резиденция сэра Энтони Гормли — она располагается в особняке XVIII века в Норфолке.

Классик приглашает к себе начинающих, которые тоже придумывают, как реализовать какие‑то его идеи, — получается очень продуктивный обмен.

Где искать резиденции?

1.
Самый большой ресурс для поиска резиденций — это www.resartis.org. Он агрегирует информацию о резиденциях со всего мира и проводит для них конференции, на которых профессионалы знакомятся и обмениваются опытом. Искать можно не только по странам, городам и срокам, но и, например, по специализациям и даже по материалам, с которыми резиденция работает. Можно включить фильтры: например, чтобы поиск не выдавал резиденций, где вам придётся платить за пребывание. Однако этот пункт стоит проверять каждый раз отдельно.

2.
Второй большой ресурс — это относительно молодой сайт www.rivet.es. В России он заблокирован, но все, думаю, умеют это обходить. Здесь, на мой взгляд, очень удобная система поиска — в частности, легко понять, предлагает ли резиденция финансирование проекта и проживания или требует расходов с вашей стороны.

Терри Томпсон. «У Джонни», 2016

Холст, масло. 75 × 100 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

3.
Ещё мне нравится сайт creative-capital.org — это американская организация Creative Capital, которая даёт очень большие гранты на реализацию арт-проектов, но, кроме того, создаёт собственные подборки резиденций. Смысл в том, что вам не нужно сомневаться, хорошие ли это предложения: в такие курированные подборки попадают только действительно достойные программы.

4.
Не нужно сразу же отметать платные резиденции. Существуют возможности получить финансирование специально под них, и это гораздо проще, чем искать деньги на проект или оплату своего труда. ­Многие резиденции сами помогают художнику получить грант на поездку, если человек им интересен, — у них, как правило, есть наработанная система контактов. То есть ориентироваться надо на то, насколько резиденция полезна или подходит именно вам, а потом уже искать способ туда поехать.

5.
Существует ещё целый ряд электронных ресурсов, посвящённых не непосредственно резиденциям, а такому понятию, как artists’ opportunities. Это и резиденции, и гранты для художников, и выставки, формиру­ющиеся по принципу open call, куда можно представить свою работу, чтобы тебя заметили. Зачастую имеет смысл выбирать резиденцию или выставку и одновременно искать грант на оплату дороги или производство экспонатов — их гораздо проще получить, если у вас уже есть подтверждение, что конкретная резиденция или выставочное пространство готовы вас принять на конкретные даты. Это очень повышает шансы на успех.

6.
Я регулярно проверяю, на каких порталах и как представлены русские резиденции. Их нет почти нигде — и это, конечно, показатель изолированности нашего арт-сообщества. Думаю, это одна из причин, по которым отечественным художникам сложно понять, как работают резиденции и почему их туда редко берут. Это широчайший спектр возможностей, но нужно учиться ими пользоваться.

7.
Российским художникам зачастую неочевидно, насколько огромное число грантов сейчас выделяется — гранты от государств, от городов, от конкретных организаций, даже совершенно неожиданных. Есть, например, интересный проект Governors Island. Это бывшая американская военная база, которую каждое лето отдают художникам и арт-НКО, чтобы те делали там выставки, фестивали, открытые студии — что захотят.

В Москве художнику, как правило, не говорят: ты заканчиваешь университет, напиши бизнес-план на ближайшие три года. А это очень хорошо помогает увидеть перспективы

8.
Существует большая и важная организация New York Foundation for Arts (NYFA), которая предлагает много программ для профессионального развития и грантов, даже таких, которые позволяют художнику тратить полученное финансирование на любые нужды. У них есть программа и для иммигрантов, которым помогают интегрироваться в профессиональную среду. Самое важное: они ведут большую образовательную программу, в частности, онлайн-семинары, на которые можно записаться за небольшие деньги и где рассказывают, как искать и как получить место в резиденциях, как находить финансирование на творческие проекты и — шире — как художникам заниматься бизнес-планированием. С точки зрения американской системы, студия художника — это малый бизнес. Она обладает всеми свойствами самой обычной небольшой компании, и её работу нужно планировать соответственно. Вот есть некоторые ресурсы и некоторые расходы, а я умею производить определённый продукт. Надо понять, как получить выгоду, финансовую и нефинансовую, какие средства можно привлечь, даже если это дополнительная работа, отличная от творчества. На мой взгляд, художественную практику в России полезно рассматривать под тем же углом. В Москве художнику, как правило, не говорят: ты заканчиваешь университет, напиши бизнес-план на ближайшие три года. А это очень хорошо помогает увидеть перспективы.

Терри Томпсон. Бар «Frolic Room», 2017

Холст, масло. 90 × 60 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

9.
Задача художника — не только искать для себя возможности, но и создавать их, самостоятельно или в сотрудничестве с другими художниками, галереями и кураторами. Важнейшая привилегия этой профессии в том, что ты можешь быть инициатором. Художник может приходить на чужую территорию, и его пустят, ещё и рычаги дадут. Предприимчивость — это по сути то же творческое любопытство, поэтому, на мой взгляд, это очень естественная черта именно для художников.

Как составить план и написать заявку?

1.
Оцените и запишите собственные цели и задачи, а затем сопоставляйте их с интересными вам резиденциями: соответствуют ли их возможности вашим целям, соответствуют ли их ресурсы вашим задачам.

2.
Не стоит сразу кидаться писать заявки — лишь бы куда‑нибудь да взяли. Позадавайте себе проверочные вопросы. На каком этапе карьеры я нахожусь? Как я вижу свой дальнейший путь? Хочу ли я работать в команде с другими людьми или сфокусироваться на собственном видении и индивидуальном проекте? Хочу ли я поработать в совершенно новой обстановке или буду искать студии в своём городе, чтобы была возможность жить дома?

3.
Обязательно смотрите, кто был в резиденции до вас: насколько вы соответствуете этим художникам по возрасту, похоже ли то, что вы делаете, на каком этапе карьеры они находились — начинающие или уже с именем. Часто резиденции нацелены именно на художников определённого типа.

4.
Не нужно пытаться попасть в резиденцию, которая не соответствует вашей категории, даже если она более крутая. Дело не только в том, что вы зря потратите время на заявку. Эта резиденция ничем не сможет вам помочь. Резиденции специально ограничивают набор, чтобы быть полезными именно для художников из своей узкой ниши.

Подавать в одну и ту же резиденцию несколько раз, даже если в прошлый вас не взяли, — полезно. Во-первых, ваше имя могут запомнить и начать узнавать. Во-вторых, обстоятельства могут измениться

5.
Есть модель, которую редко рассматривают, но она очень продуктивна: одновременно с пребыванием в резиденции поработать в студии другого художника. Например, в Нью-Йорке многие арт-резиденции не предлагают финансирования, а параллельная работа у другого автора даёт вам возможность жить в дорогом городе, получать зарплату и в то же время встречаться с кураторами резиденции и получать всю возможную пользу.

6.
Каждая резиденция склонна минимизировать свои риски, поэтому личное знакомство с сотрудниками или теми, кто уже был в резиденции, играет большую роль. Организации легче довериться человеку, о котором что‑то уже известно и который не подведёт.

Терри Томпсон. Мотель «Тропикана», 2016

Холст, масло. 105 × 70 см

© Terry Thompson. Предоставлено художником

7.
Подавать в одну и ту же резиденцию несколько раз, даже если в прошлый вас не взяли, — полезно. Во-первых, ваше имя могут запомнить и начать узнавать. Во-вторых, обстоятельства могут измениться. Кроме того, резиденции часто привлекают для оценки заявок сторонних кураторов, и те могут увидеть ваш проект в каком‑то своём контексте, который, возможно, будет выгоден именно вам.

8.
Иногда недостаточно прочитать 25 страниц инструкции по представлению проекта. Полезно позвонить, описать свой проект сотрудникам и спросить, подходит ли он в принципе. Это сэкономит ваше время, и вы не столкнётесь с неприятной ситуацией, когда работу отвергают, например, из‑за технической невозможности её реализовать, что из инструкции совершенно не очевидно.

9.
Попробуйте сформулировать в заявке, почему вам нужно попасть в эту резиденцию прямо сейчас: у вас поворотный момент в карьере, у вас проект с конкретными сроками, он привязан в какому‑то событию. Общие фразы типа «Возьмите меня хоть куда‑нибудь, я хочу в резиденцию» не пройдут. Важно дать понять, почему среди двух тысяч претендентов это должны быть именно вы и именно сейчас, — только так это и работает.

Какая польза от зарядки? — Официальный сайт Администрации Санкт‑Петербурга

Организм человека не способен полностью пробудиться по звонку будильника. И даже в тот момент, когда вы уже поднялись с кровати, все внутренние органы и системы еще продолжают «отдыхать».

Во время сна замедляется циркуляция крови, затормаживается метаболизм, снижается умственная деятельность. Именно поэтому во время пробуждения человек ощущает легкую заторможенность. У него отмечается сниженная работоспособность, как физическая, так и умственная. Утром значительно ухудшена скорость реакций.

Такое состояние может длиться (в зависимости от индивидуальных особенностей) от 1 до 3 часов. Чтобы полностью проснуться и стряхнуть подобную «заторможенность», необходимо разработать суставы и мышцы. Другими словами, нужно просто сделать зарядку.

Какая польза от зарядки?

С самого детства родители твердили нам о необходимости делать зарядку. Лишь немногие безропотно прислушались к таким рекомендациям. А большая часть людей, прежде чем начать делать утреннюю зарядку, стремится понять, что же такого ценного она приносит.

Польза утренней зарядки заключена в следующих воздействиях:

· укрепление сердечной мышцы;

· улучшение работы дыхательной системы;

· повышение упругости мышц;

· нормализация состояния сосудов, повышение их проходимости; · выравнивание осанки;

· усиление концентрации внимания;

· повышение подвижности суставов;

· стимуляция работы мозга;

· повышение выносливости;

· нормализация работы вестибулярного аппарата.

Рекомендуемые упражнения

Особое внимание следует обратить на интенсивность нагрузок. Утренняя зарядка должна приносить пользу и заряжать энергией, а не истощать организм. Именно поэтому от тяжелых упражнений (с гантелями, штангой, на выносливость и т. д.) нужно отказаться. Интенсивные тренировки лучше всего проводить после обеда. А утром отдайте предпочтение легким, простым движениям.

Утренняя зарядка обычно включает следующие группы упражнений:

1. Дыхательная гимнастика улучшает работу дыхательной системы и обеспечивает активный приток кислорода к внутренним органам.

2. Ходьба. Очень полезно ходить босыми ногами по полу. В этом случае массируются многие активные точки. Специалисты по нетрадиционной медицине утверждают, что именно на стопе их больше всего.

3. Гимнастика для шеи. Она включает повороты и наклоны головы. Такие упражнения должны выполняться очень осторожно, без надрывов. Полезны вращательные движения головой. Они не только укрепляют мышцы шеи, но и тренируют вестибулярный аппарат.

4. Физкультура для верхних конечностей. Обязательно выполняйте упражнения на поднятие рук вверх, разведение в стороны. Вращайте конечностями. Это способствует вытягиванию позвоночника и укреплению плечевого пояса.

5. Упражнения для кистей и пальцев. Такие занятия полезны тем людям, работа которых связана с руками (операторы ПК, музыканты, художники, ювелиры). Эта гимнастика активизирует кровообращение и укрепляет суставы.

6. Физкультура для поясничного отдела. В утреннюю зарядку нужно включать наклоны в разные стороны, вперед/назад. Если нет особых проблем с позвоночником, рекомендованы упражнения на скручивания. Полезны вращательные движения талией.

7. Приседания. Они повышают подвижность коленных и тазовых суставов. Кроме того, такие простые упражнения позволяют улучшить внешний вид икр и бедер.

8.  Упражнения на пресс. Если вам совершенно не дает покоя животик или очень хочется сформировать рельефные кубики на животе, то включите в зарядку упражнения на пресс.

9.  Махи ногами и руками. Такая гимнастика повышает тонус мышечных тканей и ускоряет кровообращение.

10. Бег, прыжки. Эти движения отлично прорабатывают все мышцы нижних конечностей. Кроме того, они значительно усиливают метаболизм.

что это и чем полезна техника правополушарного рисования

Если вы в поиске интересного хобби, попробуйте правополушарную живопись. Ведь рисовать может каждый, независимо от природного таланта и художественного образования. И наука это подтверждает.

Что такое правополушарное рисование

Лауреат Нобелевской премии Роджер Сперри считал, что полушария головного мозга имеют «функциональную специализацию». Левое отвечает за математические вычисления, логику. У большинства взрослых оно доминирует, так как в обществе принято полагаться на разум, а не на чувства. Правое полушарие — образное, творческое, отвечает за восприятие цвета, сопоставление размеров и перспективы предметов.

Теория доктора Сперри легла в основу метода правополушарного рисования, который в конце 1970-х годов разработала преподавательница искусства, доктор наук Бетти Эдвардс. Работу левого полушария она назвала «Л-режимом», а правого — «П-режимом».

Правополушарное рисование — это художественное творчество в «П-режиме». Это когда правое полушарие головного мозга получает главенствующую роль, а активность левого намеренно подавляется.

Как работает методика правополушарного рисования

Помните, почему герой, ведущий повествование в «Маленьком принце», отказался от «блестящей карьеры художника»? Верно — взрослые приняли его удава, проглотившего слона, за шляпу.

Мышление детей нешаблонно, потому что их знания и опыт невелики. Левое полушарие мозга пока что не доминирует — нет привычки «думать рационально».

А теперь представьте, что вам нужно нарисовать дом. Как только вы об этом подумаете, левое полушарие тут же превратит дом в квадрат (здание), треугольник (крыша) и цилиндр (труба). В результате вместо цельного образа на листе получится набор геометрических фигур, из которых состоит жилище. Но если включить правое полушарие, рисунок выйдет более детальным и живым.

Отсутствие анализа позволяет расслабиться и наслаждаться процессом правополушарного рисования. Главное — преодолеть страх «нарисовать непохоже»  

В чём польза правополушарного рисования

• Развитие когнитивных функций. Любое рисование, в том числе правополушарное, улучшает восприятие, зрительную память и мелкую моторику.
• Развитие воображения. Рисование правым полушарием снимает барьеры, отпускает фантазию в полёт, отвлекает от рутины и помогает взглянуть на вещи с другого ракурса.
• Повышение самооценки. Живопись — это диалог внутреннего «Я» с миром. Рисуя, человек демонстрируют свой внутренний мир, а получая положительные отклики на произведения, обретает уверенность в себе.
• Расслабление. Правополушарное рисование — прекрасное хобби как для взрослых, так и для детей. Когда на белом листе «оживает» созданный тобой мир, тревоги и проблемы улетучиваются.

<<Форма демодоступа>>

Как научиться рисовать правым полушарием мозга  

Правополушарное рисование сейчас популярно: проводятся тренинги и мастер-классы, существуют даже специальные творческие центры, обучающие этой методике.

Но первые шаги можно делать и самостоятельно. Запустить «П-режим» помогут следующие простые упражнения правостороннего рисования.  

Оптическая иллюзия

Распечатайте и разрежьте изображение пополам. Правшам нужно взять левую часть, а левшам — правую.

Положите картинку на чистый лист бумаги и попробуйте продолжить очертания профиля. При этом мысленно или вслух проговаривайте названия частей лица: лоб, нос, губы, подбородок.  

Если вы нарисовали профиль, не обращая внимания на симметрию, возобладала логика. Попробуйте ещё раз. Когда получится абстрагироваться от слов и нарисовать просто линии, значит, включилось правое полушарие.

Вверх ногами

Выберите любой рисунок, где есть только контуры, как в детской раскраске. Переверните изображение и перерисуйте его вверх ногами последовательно — линию за линией. Отнестись к рисованию правым полушарием, как к собиранию пазла.

Старайтесь копировать линии, как есть. Не стоит сначала переносить общий контур, а потом прорисовывать мелкие детали. Для удобства можно прикрыть часть изображения рукой или другим листом бумаги.

Постепенно придёт осознание, что каждая линия — это лишь часть единой картины, и правополушарное рисование начнёт получаться.

Видоискатель

Возьмите рамку с прозрачным пластиком или стеклом. Это будет ваш «видоискатель». Нацельтесь им на какой-нибудь объект, например, свою ладонь.

Примите удобную позу, чтобы рука под «видоискателем» не тряслась. Перманентным маркером, прямо по стеклу, обведите контур и все линии ладони.

Затем перенесите изображения со стекла на бумагу — строго по линиям, как в предыдущем упражнении техники правополушарного рисования.

Резюме

Правополушарная живопись поможет вам развить творческие способности, умение мыслить нешаблонно и находить неожиданные решения не только в вопросах, которые касаются рисования. Метод рисования правым полушарием позволит вам также увеличить мозговую активность в пять раз, а это очень пригодится в освоении нового материала в учёбе.

Российский художник построит рядом с египетскими пирамидами инсталляцию о бесконечности

  Александр Пономарев умеет удивлять. Но помимо эффекта «вау», немаловажного для современного мира, в его произведениях всегда есть глубина. Оно и немудрено, ведь Пономарев — не только тонкий художник, но и моряк-подводник. Он родился в Днепропетровске, окончил школу изобразительных искусств в Орле, а потом Высшее инженерно-морское училище в Одессе. Потом оставил флотскую карьеру и погрузился в искусство, но навсегда остался верен морю. Все его арт-проекты, а их он осуществил в разных точках мира более ста, так или иначе связаны с водой, и этот, беспрецедентный, не исключение. 

  Инсталляция, которая вскоре появится на плато Гиза, будет состоять из двух «солнечных лодок», которые сможет вращать зритель. Образ, заложенный в новой работе художника, связан с древним артефактом — огромной деревянной ладьей, возраст которой составляет около 4500 лет. Согласно древнеегипетской мифологии, на такой «солнечной ладье» бог Ра перевозил «светило с востока на запад». Лодок было две — дневная, Манджет, и ночная, Месектет. Когда Ра путешествовал днем, его поджидал исполинский Змей, олицетворяющий тьму и зло. Но «солнечные ладьи» — не только часть мифологии, но и реальный артефакт, найденный археологами. Одна из них нашлась в 50-е годы прошлого века, другая недавно. Эти исторические объекты и вдохновили российского художника на создание инсталляции, которая будет показана в рамках египетской биеннале современного искусства. Арт-смотр пройдет в четвертый раз, и впервые в этой, главной туристической точке страны с тысячелетней историей. Плато Гиза находится под охраной ЮНЕСКО, и прежде там никогда не проводились подобные мероприятия. Так что Пономарев и еще несколько избранных художников из разных стран мира станут первопроходцами. 

— Первый раз за всю историю на плато Гиза у пирамид проводится форум современного искусства, — рассказывает художник. — Министерство древностей разрешило это сделать в этом месте. Мне предложили придумать свой проект для этой выставки, и это большая честь. Я много делал проектов в разных странах, только в Венецианской биеннале участвовал восемь раз, и на лодке туда приплывал, в Марокко в пустыне строил корабль, придумал биеннале в Антарктиде и вместе с друзьями туда поплыл. Я хорошо понимаю вес этих вещей. Конечно, когда такое предложение поступило, я стал размышлять, что сделать для такого особенного места.

Визуализация будущей инсталляции «Уроборос». Предоставлено автором

— Сама конструкция очень интересная, и на ней есть важный смысловой момент — исторический текст с иероглифами. Что зашифровано в вашей работе?

— Недавно в Египте нашли вторую «солнечную лодку», а первую обнаружили в 50-е годы прошлого века и даже сделали музей, посвященный артефакту, а сейчас перенесли его на улицу. Мне это близко, ведь я моряк, поэтому и решил что-то сделать на тему «солнечной ладьи». Бог солнца Ра со своими соратниками вращает нашу бесконечность, и мы живем в этой бесконечности. Египтяне понимали, что мы живем в некой бесконечности, за которой хаос, космос и вся наша жизнь. Символом этого разделения является змей. Уроборос — змей, свернутый в знак бесконечности и кусающий себя за хвост. Я сделал объект, где две лодки соединены в одну петлю — в кольцо. Зрители, вращая огромное колесо сбоку, могут менять направление движение. Это символизирует движение этих лодок по небу и под землей — в царстве мертвых и в царстве живых. А между ними две стеклянные пирамиды, в пропорции великих пирамид, с песком из пустыни с плато, они отсчитывают время. То есть работают как песочные часы. Каждый человек, соприкасаясь с моей работой, может менять и отсчитывать время. А в основании объекта находится панно, где использованы тексты людей, живших в Древнем Египте, они описывают их желания и образ мыслей. Важно подчеркнуть, что все эти тексты добыты русской археологической экспедицией за 10 лет, которая там работает. Это серьезная научная работа. Я взял некоторые из этих текстов и нанес на панно, а в его центре нарисовал змею Уроборос. Это не только символизирует, но и демонизирует эти связи — человеческие и временные. Время ведь нельзя ухватить, а я пытаюсь — с помощью искусства.

— О чем эти тексты? Они переведены на знакомые туристам языки?

— Это иероглифы. Перевод можно прочитать в книжках. Один из текстов, например, это наставление отца сыну, где говорится, что все мы уйдем в бесконечное плавание, и поэтому родитель советует отпрыску быть хорошим, соблюдать дисциплину, работать. Есть тексты, которые характеризуют конкретных людей. В Египте, когда человек умирал, он оставляет послание о том, какие дары ему нести в загробный мир. Эти описания есть на панно. Через эти тексты мы погружаемся в жизнь отдельного человека, они описывают философию древнего мира, так или иначе. Для меня важно, что через них можно понять культуру, где родились искусство и философия. Древний Египет — предтеча нашей цивилизации. Я художник, а не исследователь, я создаю поэзию — метафору, которой и является моя инсталляция. А она о времени, о круговороте жизни, о бесконечности. О том, как люди думали об этой бесконечности когда-то и как думают сейчас. Существует не только наше каждодневное время: нужно думать шире, и этим занимаются художники и ученые.

— Сколько инсталляция будет находиться рядом с пирамидами и что с ней будет потом? Она останется в Египте?

— Биеннале стартует 21 октября. Будет идти несколько месяцев рядом с пирамидами. А потом посмотрим. Есть несколько предложений от Министерства древностей — оставить инсталляцию в одном из местных музеев. В Каире сейчас открывается новый музей, куда торжественно перенесли 26 мумий фараонов. Туда отправится и одна из древних «солнечных лодок». Может быть, моя работа тоже там окажется. Но когда художник создает произведение, последнее, о чем он думает, так это о судьбе работы. На родине хотелось бы показать ее в каком-то музее или на площади, но это вряд ли возможно. Однако когда ты сочиняешь стихотворение, не думаешь — будет оно издано или нет. Ты просто творишь.

Визуализация будущей инсталляции «Уроборос». Предоставлено автором

— Сколько еще художников участвует в проекте? Ваш проект самый масштабный?

— Человек восемь. Моя инсталляция — да, самая большая. Но я не гигантоман. Мне кажется, что в этом месте уместна такая вещь. Важен не размер, а выразительность.

— Вы делали свои проекты в самых разных экстремальных условиях. Какие особенности работы в таком месте, которое находится под охраной ЮНЕСКО?

— Это уже не совсем пустыня, к этим пирамидам подступает Каир. Там собираются строить новый город. Там не так сложно с коммуникациями, как в отдаленной от населенных пунктов пустыне, а уж тем более Арктике или Антарктике. Инсталляция проектировалась и делалась в Москве, Александрии и Новой Зеландии. Потом все будет транспортировано на плато Гиза. Есть свои сложности, потому что это музейная территория, там нельзя внедряться в грунт. Копать нельзя. Поэтому там возможна инсталляция, которая устоит на ветру без укреплений, будет безопасна и надежна. Поэтому есть определенные трудности и задача, которую надо решить. Но на воде делать в сто раз сложнее, а под водой тем более. Самым сложным было найти партнеров, которые готовы поддержать идею. Слава богу, что они нашлись, спасибо им за это.

— Прежде на плато Гиза никогда не ступала нога современного искусства, это охранная территория. Как власти Египта пришли к решению, что пора?

— Такая тенденция есть во всем мире, и я один из тех художников, кто являлся катализатором такого рода деятельности. Я первым из русских взаимодействовал с Лувром, когда в фонтане сада Тюильри, который является памятником архитектуры и искусства, установил свою подводную лодку. Но музей пошел на это, до сих пор там об этом помнят. Для меня это был тоже важный, красивый, авантюрный и замечательный проект. Для того чтобы объединять и актуализировать прошлое и настоящее, последние десять лет музеи привлекают современных художников, которые говорят на понятном молодежи языке. Для них это то искусство, с которым они родились.

Подготовка к ВПР по окружающему миру «Профессии» 4 класс

Стоматолог:

— делает профилактический осмотр;

— лечит и отбеливает зубы;

— дает рекомендации по уходу за зубами.

Стоматолог помогает людям сохранить зубы здоровыми.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Шприц, пинцет, зеркало.

Инспектор ГИБДД:

— фиксирует нарушения на дорогах;

— регулирует движение, проверяет документы;

— выписывает штрафы, оформляет ДТП.

Инспектор ДПС помогает сохранить закон и порядок на дороге.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Жезл, прибор для проверки документов, дальномер.

Фотограф:

— фотографирует людей, животных, природу;

— проявляет и печатает фотографии;

— обучает этому искусству других людей.

Фотограф помогает людям запечатлеть важные и красивые моменты жизни.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Фотоаппарат, штатив, осветительные приборы.

Художник:

— пишет картины;

— иллюстрирует книги, журналы;

— рисует мультфильмы.

Художник вдохновляет людей своими произведениями и обогащает культуру.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Кисти, краски, палитра, карандаши.

Повар:

— готовит еду;

— придумывает новые блюда;

— составляет меню.

Повара готовят еду для людей, помогают им стать здоровыми и сильными.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Кухонная посуда, духовки, печи.

Архитектор:

— проектирует здания;

— руководит строительством;

— занимается планированием города.

Архитектор полезен тем, что проектирует здания, мосты и прочие нужные сооружения.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Теодолит, нивелир, кульман.

Почтальон:

— разносит корреспонденцию;

— подписывает на периодику;

— принимает и выдает посылки;

Работа почтальона полезна тем, что производится доставка адресатам важных бумаг, счетов, писем, газет и т.д.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Компьютер, штамп, весы.

Хореограф:

— занимается постановкой танцев;

— передает свой опыт и знания исполнителям;

— определяет музыку, костюмы, грим, декорации.

Профессия хореографа полезна обществу тем, что помогает готовить танцоров к выступлениям и дарит людям радость.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Станок, балетки, магнитофон.

Медсестра:

— оказывает первую медицинскую помощь;

— дает таблетки, измеряет температуру и давление;

— берет кровь для анализов, делает уколы и капельницы.

Медсестра помогает врачу, выполняя врачебные назначения.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Шприц, капельница, термометр, тонометр.

Флорист:

— прекрасно разбирается в цветах;

— создает цветочные букеты и композиции;

— грамотно декорирует цветами помещения для праздников.

Профессия флориста полезна тем, что дарит людям радость и красоту.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Секатор, совок, цветочные горшки.

Врач:

— лечит больного;

— назначает анализы и лекарства;

— делает УЗИ и операции;

— выдает больничные листы и справки о состоянии здоровья.

Врач помогает людям сохранить здоровье или облегчает состояние больного.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Фонендоскоп, скальпель, аппарат УЗИ.

Маляр-штукатур:

— занимается покраской и отделкой помещений;

— штукатурит, клеит обои.

Маляр-штукатур помогает привести государственные и иные помещения в надлежащий вид.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Мастерок, кисти, полутер, шпатель..

Пожарный:

— тушит пожары;

— занимается спасением и эвакуацией людей при ЧП;

— оказывает первую медицинскую помощь.

Профессия пожарного полезна тем, что помогает спасать людей и имущество.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Топор, багор, огнетушитель.

Археолог:

— изучает историю человечества оп вещественным источникам;

— занимается раскопками и исследованием;

— занимается научной реконструкцией.

Профессия археолога полезна тем, что помогает восстановить историю человечества.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Лопата, кисть, скребок.

Пасечник:

— занимается селекцией пчел;

— делает ульи, лечит пчел;

— собирает мед, воск, пергу, цветочную пыльцу.

Профессия пасечника полезна обществу тем, что обеспечивает людей продукцией пчеловодства.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Дымарь, захват для рамок, медогонка.

Строитель:

— руководит монтажом строительных конструкций;

— осуществляет контроль качества строительных материалов;

— разрабатывает проекты по строительству.

Профессия строителя полезна тем, что помогает строить разные объекты.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Кельма, молоток, лопата..

Водитель:

— управляет транспортом;

— устраняет в пути мелкие неисправности;

— контролирует соблюдение пассажирами правил проезда, посадки и высадки, правил перевозки.

Профессия водителя полезна обществу тем, что перевозит пассажиров и грузы в места назначения.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Домкрат, насос, гаечный ключ.

Продавец:

— расставляет продукцию на прилавке;

— отпускает товар;

— следит за своевременным пополнением запасов и сроком реализации.

Профессия продавца полезна тем, что помогает людям сделать правильный выбор и купить нужную вещь.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Весы, кассовый аппарат, калькулятор.

Пилот:

— управляет воздушным судном;

— следит за исправной работой самолета;

— испытывает новые модели самолетов.

Профессия летчика полезна обществу тем, что помогает людям и грузам быстро перемещаться на большие расстояния.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Шлем, маска, противоперегрузочный костюм.

Токарь:

— обрабатывает на токарном станке детали, делает на них резьбу, сверлит и т.д.;

— работает по чертежам.

Профессия токаря полезна обществу тем, что помогает делать детали, необходимые в промышленности.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Гаечный ключ, резцы, пассатижи.

Ветеринар:

— оказывает врачебную и профилактическую помощь животным;

— делает профилактические прививки животным;

— проводит санитарный контроль, лечит и прививает животных.

Профессия ветеринара полезна тем, что помогает животным быть здоровыми.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Шприц, машинка для стрижки, термометры для животных.

Автомеханик:

— выполняет техническое обслуживание и ремонт автомобилей;

— проводит диагностику технического состояния автомобилей.

Профессия автомеханика полезна обществу тем, что помогает людям сохранить автомобили в исправном состоянии.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Домкрат, гаечные ключи, отвертка, плоскогубцы.

Учитель:

— проводит уроки;

— проверяет тетради;

— заполняет журнал.

Учитель помогает получать знания.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Глобус, указка, циркуль.

Фермер:

— занимается разведением и выращиванием сельскохозяйственных культур;

— покупает корм для животных и специальное оборудование;

— планирует и организует проведение сельскохозяйственных работ;

— производит ремонт сельхозтехники.

Профессия фермера полезна обществу тем, что помогает производить продукты питания.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Лопата, грабли, тяпка, вилы.

Швея:

— следит за работой швейной техники, меняет шпульки;

— делает швейный ремонт одежды.

Профессия швеи полезна обществу тем, что помогает производить изделия из ткани и кожи.

Какие инструменты и приспособления используются в этой профессии?

Иголки, ножницы, швейная машинка..

18 акварельных техник, которые будут полезны каждому художнику – Сей-Хай

Владение различными техниками рисования акварелью – ключевая часть процесса освоения акварельной живописи. За тысячи лет существования акварели было разработано множество интересных техник. Акварель может быть непростой в использовании, но, зная правильный подход, она легко превратится в универсальный инструмент для создания искусства.

Состоит акварель из пигмента и связующего вещества, которое легко растворяется в воде. С её помощью можно добиться поистине магического эффекта в рисунках. Но для того что бы этого добиться, нужно уметь применять разные техники – и, конечно же, много практиковаться. Мы подготовили для вас 18 полезных акварельных техник, которые точно будут полезны каждому художнику.

1. Купите набор кистей

Для рисования акварелью очень важно иметь широкий выбор кистей. Выбор в первую очередь зависит от масштабности ваших работ. Если вы чаще работаете над небольшими иллюстрациями, размер ваших кистей может варьироваться от 000 до 6. Смело экспериментируйте, что бы определить свои фавориты. Всегда запасайтесь кистями размером немного меньше, чем, как вы думаете, вам могут понадобиться. Они всегда пригодятся для мелких деталей рисунка, о которых вы даже не думаете в начале работы.

2. Приобретите качественные краски

Акварель хорошего качества – важная инвестиция. Она прослужит вам долгое время, не будет желтеть и не испортится со временем. Сейчас существует очень широкий ассортимент красок различных брендов, так что выбор не должен составить труда. Вы можете купить несколько цветов от разных производителей и, экспериментируя с ними, выбрать тот что вам по душе. Начинайте с малого: вы легко сможете смешать все необходимые цвета, даже используя ограниченную палитру.

3. «Сухая» и «мокрая» техники

Существует два основных способа нанесения акварели: «сухой» и «мокрый». Так как акварель – материал на водной основе, вы можете легко управлять насыщенностью пигмента посредством добавления разного количества воды. Работая от «сухого» нанесения, постепенно сменяя его «мокрым», вы сможете добиться большего контроля над конечным результатом. А пробуя разные техники и пропорции, вы найдете идеальный для вас способ рисования.

4. Работайте от светлого к темному

Еще одна из ключевых акварельных техник – начинать рисовать от светлых оттенков, постепенно переходя к темным. Это значит, что все части рисунка, которые вы хотите оставить светлыми, должны оставаться такими на всё время процесса. Работайте над насыщенностью цветов слой за слоем для достижения нужного вам эффекта. Да, это требует тщательного  планирования, но результат всегда этого стоит.

5. Запаситесь салфетками

Один из немаловажных инструментов для создания акварельных рисунков это простые бумажные салфетки. Их можно назвать «ластиком» для акварельных красок. Вы можете легко убирать краску в необходимых частях для того, чтобы добиться больше детализации в работе. А ещё салфетки очень полезны для исправления ошибок и изменения направления течения красок.

6. Попробуйте рисовать брызгами

Техника брызгов легко поможет добавить энергии в вашу картину. Удерживая кисть, оттяните её щетину и отпустите, позволяя ей брызнуть красками и создать уникальный узор. Этот метод может быть немного непредсказуемым, но гарантировано даст интересные результаты. Стоит того, чтобы поэкспериментировать!

7. Смешивайте цвета

Один из лучших способов гармоничного смешивания цветов – техника «цветущей» акварели. Для этого разбавьте краску достаточным количеством воды и нанесите на бумагу. Пока мазок еще влажный, добавьте другой цвет, используя то же количество воды. На этом этапе вы сможете легко манипулировать цветами и их положением для достижения интересных узоров. После высыхания вы заметите красивый и легкий градиент в мазке.

8. Передавайте текстуру

Использование более грубой бумаги в рисовании акварелью имеет свои преимущества. Одна из самых главных – вам не придется усердно трудиться для того что бы добиться правильной текстуры. В акварельной живописи важно стараться правильно передавать текстуры материалов. Для этого пробуйте работать с использованием различных техник, материалов и количеством добавленной воды. Вы удивитесь результатам!

9. Растягивайте цвет

Нанося более насыщенный цветом мазок, вы можете легко управлять им с помощью добавления воды. Эта техника – отличный способ четко показать форму или указать источник света. После нанесения мазка с большим количеством краски, возьмите влажную кисть и «потяните» цвет. Вы можете легко растягивать краску для достижения интересных результатов. Не бойтесь пробовать!

10. Наносите краску слоями

Акварель достаточно прозрачна, поэтому необходимо выстраивать цвет постепенно. Это может стать большим преимуществом, так как вы можете с легкостью смешивать цвета прямо на бумаге. Нанесите сначала один цвет, дайте ему высохнуть, а затем нанесите другой оттенок. При наслоении разных пигментов подобным образом, создается уникальный цвет. Эта техника идеальна для создания телесных оттенков.

11. Создавайте мягкие переходы

Эту технику так же используют многие художники по маслу для достижения мягких переходов между оттенками. Просто нанесите акварель поверх высохшего слоя небольшими мазками, что бы достичь эффекта перехода между цветами или для добавления деталей. Будьте осторожны – при нанесении большого количества цвета можно переборщить, оставив мутные пятна. Продолжайте добавлять воду, что бы цвета хорошо смешивались, а переходы оставались мягкими. Используя этот метод, действуйте по принципу «меньше – лучше».

12. Правильно убирайте цвет

Иногда вам может понадобиться «стереть» акварель. К сожалению, полностью удалить краску не получится, но вы всё еще можете исправить ошибку или поправить освещение в работе. Это сделать легко – используя мокрую кисть, создайте форму которую хотели бы «стереть» на уже высохшем рисунке. Оставьте ее на минуту, после чего промокните воду салфеткой. Та часть, на которой была вода, станет заметно светлее, что позволит вам исправить ошибки или создавать интересные эффекты.

13. Используйте соль для создания текстуры

В акварельной живописи очень важна текстура. И соль может обеспечить вас интересной текстурой без особых усилий, поскольку её кристаллы отлично впитывают воду, оставляя за собой интересный узор. Эта техника отлично подойдет для создания текстур естественных поверхностей, таких как камни или кора деревьев. Начинайте с нанесения акварели на бумагу, и пока краска еще влажная, посыпьте этот участок солью. Дайте краске высохнуть, а затем просто уберите соль – и уникальная текстура готова.

14. Нанесите краску спонжем

Очередной полезный предмет из быта, который может пригодиться при рисовании акварелью, – это простая губка. Просто смешайте пигмент в небольшой посудине, окуните губку в краску и нанесите на бумагу. Вы можете с легкостью контролировать влажность красок для достижения разных эффектов – более сухие хорошо передадут текстуры растений или чешуи, в то время как влажное нанесение отлично подойдет для водных пейзажей или воздушных облаков.

15. Техника негативного пространства

Суть негативной техники заключается в создании темного фона вокруг светлых объектов. Что бы создать такой эффект, подумайте, где будут самые светлые участки, перед тем как наносить краску на холст. В этой технике очень важно уметь контролировать кисть пока вы рисуете края того места, которое должно оставаться светлым. Нанесите акварель, и красьте вдоль края того места, где должно начинаться негативное пространство. Потом просто «потяните» краску от края мазка, что бы заполнить место, где вы хотите видеть цвет. Эта техника требует практики, но результат стоит того!

16. Используйте скотч для ровных краев

Вы можете использовать скотч для того что бы оставить желаемые участки нетронутыми. Эта техника очень полезна для создания четких краев, особенно в рисовании архитектурных работ. Просто наклейте скотч на те места, которые вы хотите оставить белыми. Используйте такой вид скотча, который не испортит вашу бумагу, например малярную ленту. Наносите краску поверх скотча, и после того как акварель высохнет, осторожно его уберите. У вас должна получиться чистая, идеальная линия.

17. Для набросков используйте карандаш 2Н

На наброске выше был использован карандаш с грифелем 2H, чтобы рисунок выдерживал воду во время рисования. Поверх вы можете наносить легкие мазки кистью среднего размера для создания желаемого эффекта.

18. Приберегите самые темные оттенки на конец

Не поддавайтесь искушению использовать самые темные цвета, пока вы не достигли финальной стадии картины. Из-за того что акварель достаточно прозрачна, очень важно сохранять светлые участки светлыми, а темные участки и детали прорабатывать в самом конце.

Источник

5 способов исправить и предотвратить ошибки в рисовании и каллиграфии

Руководство для начинающих: 7 базовых техник рисования акварелью

6 необычных техник рисования акварелью

 

особенности работы, обучение и должностная инструкция, функции художника-дизайнера ювелирных изделий

Профессии художника уже много веков. Рисующие люди появились еще в каменном веке, а вот получать за это вознаграждение стали гораздо позже. Поначалу художники занимались исключительно изобразительным искусством, потом стали расписывать дома, создавать ювелирные украшения, одежду и так далее. В современной жизни наиболее востребованы профессии модельеров, дизайнеров. Художник-дизайнер – одна из самых популярных профессий согласно заключению Минтруда РФ.

Особенности профессии

Художник-дизайнер – очень объемное понятие, ведь современный дизайн включает в себя огромное количество направлений:

• конструктор одежды;
• графический дизайн;
• ландшафтный дизайн;
• художник-керамист, дизайнер интерьера;
• дизайнер-полиграфист и так далее.

Размер и формат в современном дизайне имеют малое значение. Профессионал может создавать любые изделия, начиная от почтовой марки до огромных вывесок, скульптур, зданий. Дизайнер сегодня может брать одиночные заказы, работать во фрилансе или творить в национальных масштабах для миллионной аудитории. Художник-дизайнер сегодня должен уметь не только создавать, но и продавать, а иногда и обучать. Эта профессия связана с визуальным контентом, ее цель – создание концепции, которая будет полезна людям в разном контексте.

Одна из основ профессии – точно понять желания клиента, задачу, которая поставлена, и воссоздать визуализацию в зависимости от вида дизайна. Выделяют дизайнеров нескольких уровней:

• интерн-стажер, находящийся на испытательном сроке, без опыта работы;
• младший дизайнер, уже прошедший испытательный срок, но имеющий малый опыт практической работы, первый уровень компетенции, на котором проверяется знание теории и базовых навыков;
• дизайнер – уже имеет портфолио, есть опыт работы около 3 лет;
• ведущий специалист – с хорошим опытом, может обучать;
• арт-директор – способен воплощать сложнейшие проекты, компетенция высокая.

Слово «дизайн» переводится как предмет, который необходимо спроектировать, то есть это язык визуализации, который используют для создания чего-либо. Художник-дизайнер – творческая профессия, в которой есть место креативу, своим идеям.

Профессионал имеет свой стиль, доход в этом направлении может быть очень высоким. Кроме того, можно очень быстро выйти на достаточно высокий уровень и работать самостоятельно.

Должностные обязанности

Функции, которые выполняет современный художник-дизайнер, весьма разнообразны. Это во многом зависит от направления работы, должностная инструкция в каждом случае своя. Например, дизайнер ювелирных изделий и ландшафтный художник имеют в инструкции совершенно разные обязанности. Пожалуй, единственное требование, которое объединяет современных профессионалов, – это знание компьютера и умение работать в соответствующих программах.

Согласно должностной инструкции, художник-дизайнер должен заниматься оформлением разных объектов. Его задача – делать предметы более интересными, оригинальными. Необходимо уметь по-новому смотреть на привычные вещи и доносить свой взгляд до людей. Вне зависимости от специализации, дизайнер должен уметь:

• разрабатывать концепции, генерировать идеи в графическом исполнении, визуально;
• создавать проекты, плакаты, эскизы, макеты;
• воплощать их в жизнь.

Например, задачей дизайнера ювелирных изделий является разработка эскиза часов, украшений из драгоценных металлов. В должностные обязанности такого специалиста входят:

• генерирование идеи;
• создание эскиза на бумажном и электронном носителях;
• формирование 3D-модели;
• надзор над исполнением пробного изделия.

Необходимо знание материалов, с которыми работает специалист, их свойств, владение живописью, чертежным искусством, навыками конструктора. Важно знать все о дизайне, иметь творческий взгляд на вещи.

Личные качества и профессиональные навыки

Между дизайнерами и художниками очень много точек соприкосновения. Все они работают по принципу графики, но художники творят ради самовыражения, генерируют только свои идеи. Дизайнеры же решают практические задачи, становятся посредниками между аудиторией, для которой предназначается продукция, и заказчиком. Эта профессия востребована и приносит неплохую прибыль, но и требует обладания определенными качествами. Хорошим дизайнером может стать далеко не каждый человек.

Современный художник-дизайнер находится на стыке между творчеством, цифровыми и компьютерными технологиями. Но знаний техники и программ недостаточно, самое главное – создание идеи и донесение ее до аудитории в понятном виде. Необходимо быть готовым постоянно развиваться, изучать новые методы, концепции, быть готовым расти. Вне зависимости от специализации, дизайнеры не работают в вакуумном пространстве, они должны быть в курсе всего, что появляется в той или иной сфере.

Среди основных качеств, которыми должен обладать дизайнер, выделяют несколько.

• Наблюдательность. Нужно уметь видеть и сохранять в памяти образы, решения, записывать, фиксировать их. Без наблюдательности нельзя совершенствоваться.
• Умение слушать. Только активное, заинтересованное слушание может помочь понять, чего действительно хотят люди. А вот эго и уверенность в своей безупречности лишь навредят.
• Любовь к предмету. Художник по костюмам должен обожать одежду, ландшафтный дизайнер – природу и сады.
• Обучаемость. Об этом уже было написано – профессионал всегда в поиске новых идей и решений, а это невозможно без развития.
• Понимание контекста. Задача дизайнера – придавать вещам смысл, определять значимость, понимать их уместность.
• Умение принимать решения. Без этого вы будете топтаться на месте и не сможете решать проблемы.
• Коммуникабельность. Нужно уметь общаться, писать, доносить информацию, рекламировать себя, работать в команде.
• Креативность. Это качество многие считают самым главным и неспроста. Профессиональный дизайнер не зависит от стереотипов, навязанного мнения, он всегда ищет свой творческий путь.

Где обучают?

Помимо практического опыта и личных качеств, необходимы базовые знания профессии, ее теории. Необходимо понимать принципы дизайна вне зависимости от того, в какой специализации планируется работа. Учебные заведения могут быть традиционными, дистанционными, высшей и средней квалификации.

Помимо системы ВУЗов и ССУЗов, сейчас существует огромное количество обучающих семинаров, курсов, тренингов, где можно узнать азы профессии, получить новые навыки и знания, переквалифицироваться. Помимо истории и основ дизайна, изучаются основы композиции, методы визуализации, теория цвета, типографика, дизайн-процесс.

Выбор учебного заведения – один из важнейших шагов в профессии.

Какова роль художника в обществе?

Музей естественной истории, Лиссабон, 2015 г. Фото любезно предоставлено Бруно Кастро Сантосом

Мы спросили художников со всего мира: «Какова ваша роль как художника в обществе, в вашем местном сообществе и в мире в целом?»

Каждый художник играет различную и необходимую роль в содействии общему здоровью, развитию и благополучию нашего общества.

Творческие мыслители и творцы доставляют своим сообществам радость, взаимодействие и вдохновение, но они также вдумчиво критикуют наши политические, экономические и социальные системы, подталкивая сообщества к вдумчивому взаимодействию и шагам в направлении социального прогресса.

От документирования истории человечества до выражения коллективных эмоций — эти девять художников со всего мира рассказывают нам, как они видят свою роль в творчестве.

На тихой пустоши, Лесли Берч

Художники — средство выражения универсальных эмоций

Искусство — это связь с эмоциями людей. Это личное и в то же время универсальное.

Я выразительный художник, работаю с пейзажем и своими воспоминаниями.И да, моя работа носит личный характер, хотя сначала может показаться, что это не так. Чувства, связанные с моими отношениями с мамой, папой и семьей, проникают в работу.

Это человеческое побуждение выражать эмоции посредством маркировки. Мы все несем с собой воспоминания о нашем прошлом опыте.

Художник обладает способностью «сильно чувствовать» «чувствительность» к вещам и выражать это в краске, жесте или цвете. Художник «впитывает» атмосферу места или воспоминания о чувствах.Иногда артисту тяжело нести все эти эмоции — быть таким чувствительным.

Большинство людей блокируют эмоции. И вдруг картина с ними «говорит». На этом художник свое дело сделал. Для меня замечательно общаться с людьми через мою работу — , когда люди реагируют на картину и действительно «чувствуют».

Моя картина в основном посвящена моему самовыражению, переданному на холсте, но на самом деле я думаю, что это выражение каждого — я всего лишь средство передвижения.

Всем больно. Каждый любит. Все надеются. И все умирают. В основном искусство связано с нашим собственным чувством смертности.

Лесли Берч, Йорк, Великобритания

@Lesley_Birch

Wind от Нины Фрейзер

Художники несут ответственность за раскрытие правды

Я считаю, что роль художника, прежде всего, заключается в том, чтобы быть максимально верным себе — в обществе, сообществе и мире в целом.Это звучит как клише, но само по себе это намного сложнее, чем кажется.

Чтобы быть художником, нужно носить всевозможные маски, как и на любой другой работе, но разница в том, что на нас лежит постоянная ответственность раскрывать правду. Иногда мы будем казаться уязвимыми, иногда будем ошибаться. Но главное не сдаваться.

Это находит отклик у людей на личном и глобальном уровне, потому что это не только расширяет возможности, но и начинается изнутри нас самих.Прежде чем принять решение следовать своему собственному творческому пути, я стал соучредителем общественного художественного кафе. Это был удивительный опыт сам по себе, но, поскольку это не было моим истинным призванием, я чувствовал, что есть предел тому, сколько я могу дать. Это потому, что я начал извне вовнутрь, пытаясь исправить вещи вокруг себя, прежде чем понял, что мне нужно подключиться к чему-то центральному для себя.

Нина Фрейзер, Португалия

@ Nina.fraser, @_ninafraser_

Поцелуй меня… Джинни Сайкс

Художники работают, чтобы выделить границы и внести социальные изменения

Вместо слова «роль» я предпочитаю «обязательство». На протяжении многих лет в качестве преподавателя искусств я помогал людям и сообществам находить свой голос и выражать свои опасения через индивидуальные и совместные художественные проекты. Раньше это называлось паблик-артом. Теперь это часто называют социальной практикой.

Моя собственная работа уходит корнями в феминизм — где выражение моих эмоций, целей и идей в сфере личного, социального и политического — это упражнение по передаче моего личного опыта.Работая с художниками и в художественных пространствах в других частях мира, часто происходит прекрасный обмен идеями, который создает художественный рост, сочувствие и новое понимание.

Все эти действия могут пролить свет на то, что скрыто или подавлено на полях или в тени. Новые идеи можно воплотить в жизнь. Эти идеи могут привести к маленьким или большим изменениям во взглядах и даже обществе.

Джинни Сайкс, Чикаго, США

De Negen Bargen, Noordsche Veld, Zeijen by Maarten Westmaas

Они рассказывают истории и передают традиции

Голландия — людное место.Наша история полна историй о том, как мы сделали землю из воды и приручили смертоносные моря. Почитается писателями, поэтами и художниками. Слово «пейзаж» происходит от голландского слова «landchap»: вид на землю. Он был изобретен здесь в 17 веке, с низкими горизонтами и огромным облачным небом.

Миллионы пейзажей были написаны здесь такими великими мастерами, как Рембрандт, Рейсдал, Хоббема, Вайссенбрух, Мауве, Ван Гог и Мондриан. Все были вдохновлены нашим плоским ландшафтом и большими горизонтами.Я придерживаюсь этой многовековой традиции. «Создание голландского пейзажа» — мой девиз, моя тема и моя жизнь.

Но наш ландшафт меняется. Наше постоянно растущее население меняет облик земли. Города растут, и наша история ландшафта тонет под бетоном, зданиями и асфальтом.

Итак, как художник, я не только хочу, чтобы мир увидел красоту голландского пейзажа, я также хочу повысить осведомленность о стойких видимых следах в пейзаже.От наших 5000-летних мегалитических памятников до наших современных ветряных мельниц. Как фотографический детектив, я ищу истории о нашем пейзаже.

Мы должны быть осторожны с этим ландшафтом, который сложен с таким маленьким пространством и более чем 17 миллионами жителей. Вот почему я решил пожертвовать 10 процентов своего дохода организациям, которые защищают голландский ландшафт. Это меньшее, что я могу сделать как художник — защитить горизонт.

Maarten Westmaas, Нидерланды

@Maarten_Westmaas, @maarten.westmaas.dutch.landscape

Мир, Ши Юн Ё

Художники связывают людей со всего мира и вдохновляют их

Поскольку мы живем в глобальной деревне, все мы каким-то образом связаны через социальные сети. Художники больше не отшельники, и все мы «где-то там [в мире]». Я надеюсь, что моя роль как художника — вдохновлять, общаться и сотрудничать!

Мои абстрактные работы — это одновременно живопись и графика.Картины геометрических и органических форм и линий, состоящие из слоев чернил, акрила и других материалов, отсылают к знакам жестов на поверхности абстрактного экспрессионизма. Мои картины отражают не только радикальный конфликт между двумя «бесцветными» цветами (черным и белым), но также их взаимодействие и взаимозависимость. Здесь есть историческое богатство, временное качество пейзажной живописи тушью, физическая сила и смелость черных чернил, их щедрость и бесконечные возможности.

Shih Yun Yeo, Сингапур

Без названия # 15, Бруно Кастро Сантос, 2017, бумага, цветной карандаш, графит, 33×46см

Художники записывают и сохраняют нашу человеческую историю

Мы живем во все более сложном обществе, где каждый человек, независимо от его конкретной роли, играет важную роль в социальном биоразнообразии мира.

Художники играли важную роль с самого начала нашего существования.От доисторических наскальных рисунков до фресок по всему миру, научных рисунков и авангардных движений — художники внесли свой вклад в расширение человеческой эволюции с самых разных точек зрения.

Это расширение, как и вселенная, все еще продолжается, и художники по-прежнему играют важную роль. Я считаю себя частью сообщества, работа которого в качестве глобальной силы способствует этому человеческому росту.

В том, как развивается мир искусства, существует полумесяц сложности, и мириады агентов, которые вращаются вокруг него, тесно переплетены с художниками и их творчеством.Хотя художники обычно работают в одиночку в своих студиях, они являются частью гораздо большего сообщества и играют гораздо большую роль, чем можно было бы ожидать.

Bruno Castro Santos, Лиссабон, Португалия

@ Bruno.castro.santos

INDUSTRIAL & URBEX: WHITSTABLE WHARF (Великобритания) от Алеты Мичалетос

Художники предлагают послания надежды

Я очень серьезно отношусь к своей роли художника, хотя до сих пор получаю бесконечное удовольствие и испытываю огромную радость в своей студии.Я стараюсь быть очень внимательным и социально и политически осведомленным о моем окружении. Всякий раз, когда я испытываю чувство дискомфорта в своей жизни, мне нужно найти ответ, трансформируя эти чувства с помощью своего искусства.

Роль художника — это почти роль алхимика — он способен преобразовать несколько скромных материалов в предметы, наполненные духовной и эстетической ценностью, а также, возможно, материальной ценностью.

Я предпочитаю быть предвестником хороших новостей и надежд в нашем все более разрушающемся мире, и я считаю, что образы обладают огромной силой, чтобы восстановить коллективную эмоциональную боль и поднять дух.

Поскольку я трансформирую свои собственные страдания по поводу настоящего, а также будущего в нечто осязаемое, простое, обнадеживающее и прекрасное, моя роль заключается в том, чтобы через свое искусство, не будучи поверхностным, предлагать послание надежды обществу, моему сообществу и всему миру. в целом.

Aleta Michaletos, Южная Африка

Паррсборо Уир от Поппи Бальсер

Они послы мира природы

Я всегда жил в пешей доступности от океана.Я чувствую, что моя роль как художника — быть послом природной красоты, которая здесь есть. Я рисую на улице так часто, как могу, чтобы как можно более отчетливо видеть свое окружение. Это помогает мне уловить наивысший уровень правды.

Я пишу свои картины, чтобы запечатлеть те части нашего пейзажа, которые мне дороги и которые кажутся мне красивыми. При этом я сохраняю взгляды, которые могут исчезнуть без предупреждения. Подумайте обо всех картинах, сделанных с пейзажами Северо-Запада, которые теперь отражают то, как эта среда выглядела там до лесных пожаров, которые охватили большую часть этой части континента.

Одна из моих повторяющихся тем — плотина для селедки, сделанная из сетей для ловли дикой сельди. Плотины в основном уникальны для залива Фанди. Когда я был молод, повсюду были водоемы для селедки; они были обычным явлением. Теперь их почти нет. Теперь мне нужно пройти приличное расстояние, чтобы нарисовать оставшиеся, пока они еще здесь. Эти довольно странные наборы сеток могут не иметь большого значения для людей, не имеющих отношения к этой области, но они мгновенно узнаваемы для людей отсюда, которые находят большое значение в моих картинах плотин.

Я выхожу рисовать то, что считаю красивым, не зная, что когда-нибудь станет особенным, потому что это тоже уже не так легко увидеть за пределами картин. Я выставляю свои картины в мир, чтобы люди, у которых никогда не будет возможности приехать сюда, все еще могли быть тронуты видами этого места.

Поппи Бальзер, Канада

@poppybalser, @poppybalserpaintings

Полихромия от Стива Иммермана

Художники создают чувство общности

Есть много ролей, которые исполняет художник.Но в небольших городах присутствие местных художников вызывает чувство гордости у сообщества. Он также является примером для молодых людей, которые могут подумывать о карьере в сфере искусства. Художники поддерживают свои сообщества, обучая их искусству и ремеслам.

Кроме того, в большинстве сообществ проводятся аукционы, которые приносят пользу местным организациям и благотворительным организациям, а пожертвования произведений искусства местными художниками являются одними из самых популярных предметов на этих аукционах.

Стив Иммерман, США

@docimmer, @clearwaterglass

Чтобы отпраздновать Международный день художника, мы предлагаем 20% скидку на ваш первый год на любой план архива произведений искусства.Только на этой неделе получите онлайн-инструмент, который художники со всего мира используют для управления своей студийной карьерой.

Что делает художника хорошим ?. «Ты художник, когда говоришь, что ты… | Кевин Чанг

«Ты художник, когда говоришь, что ты им такой. И ты хороший художник, когда заставляешь кого-то испытать или почувствовать что-то глубокое или неожиданное ». — Аманда Палмер

«Ты художник, когда говоришь, что ты имеешь. И ты хороший художник, когда заставляешь кого-то испытать или почувствовать что-то глубокое или неожиданное.»- Аманда Палмер

Люди всегда спорят о ценности искусства и о том, следует ли кого-то считать художником. Аманда Палмер прекрасно объясняет мои чувства по этой теме.

Кто мы такие, чтобы говорить, кто художник, а кто нет? Почему мы чувствуем себя вправе навешивать ярлыки на людей? Любой, кто создает искусство, вправе называть себя художником. При этом то, что вы художник, не означает, что вы хороший художник.

Любой может заниматься искусством, но не каждый может заставить вас что-то почувствовать при просмотре своего искусства.

Для меня это важная часть цитаты «Ты хороший художник, когда заставляешь кого-то испытать или почувствовать что-то глубокое или неожиданное». Любой может заниматься искусством, но не каждый может заставить вас что-то почувствовать при просмотре своего искусства.

Большинство художников творят не потому, что хотят, а потому, что должны. Есть сила, призывающая их творить свое искусство. Он будет есть их, пока их искусство не будет завершено.

Вы можете узнать великого художника по тому, как его работа заставляет других чувствовать себя

Хорошие художники превращают эту энергию в нечто прекрасное.Они используют это, чтобы подпитывать свое творчество и делать работу, которая находит отклик у других. Любой может быть художником, но вы можете узнать великого художника по тому, как его работа заставляет других чувствовать себя.

Только те, кто превосходит обыденное, могут достичь экстраординарного.

Искусство, по своей сути, должно заставлять вас что-то чувствовать. Иначе зачем нам это создавать? Искусство — это наш способ выразить себя миру. Занимаетесь ли вы изобразительным или исполнительским искусством, ваше искусство должно заставлять людей что-то чувствовать.В этом разница между художниками, у которых есть стойкость, и теми, у кого нет. Только те, кто превосходит обыденное, могут достичь экстраординарного.

Изначально это было размещено на Правильный маркетинг вашего искусства .

Если вам понравилось, подпишитесь на мою еженедельную электронную почту , в которой представлены мои еженедельные вдохновляющие цитаты и подкаст о творчестве.

Почему мы делаем искусство | Высшее хорошее

Почему вы занимаетесь искусством? Это простой вопрос, который Greater Good задал семи художникам.Их ответы удивительны и очень разнообразны. Они упоминают создание искусства для развлечения и приключений; наводить мосты между собой и остальным человечеством; воссоединение и запись фрагментов мыслей, чувств и воспоминаний; и говорить вещи, которые они не могут выразить никаким другим способом.

Все их ответы очень личные. В другом месте на Greater Good мы исследуем возможные когнитивные и эмоциональные преимущества искусства, и все же эти художники вызывают более фундаментальное преимущество: они просто делают то, для чего, как им кажется, они созданы.

Джина Гибни: Давать силу другим

Хореография Джины Гибни широко представлена ​​в США и за рубежом. © Анджей Олейничак / Джина Гибни

Джина Гибни — художественный руководитель нью-йоркской танцевальной труппы Джины Гибни, которая была основана в 1991 году для выполнения двойной миссии: создавать и исполнять современную хореографию, опирающуюся на силу и проницательность женщин и мужчин, и обогащать и изменять жизнь с помощью программ, которые дают голос нуждающимся сообществам, особенно пережившим домашнее насилие и людям, живущим с ВИЧ / СПИДом.

Рекламное объявление Икс

Meet the Greater Good Toolkit

От GGSC на вашу книжную полку: 30 научно обоснованных инструментов для благополучия.

Я занимаюсь искусством по нескольким причинам. В жизни мы испытываем такую ​​раздробленность мыслей и чувств. Для меня создание искусства объединяет вещи.

В моей собственной работе это верно на протяжении всего процесса. Вначале разработка основного сырья для работы носит глубоко рефлексивный и информативный характер.Позже объединение этих материалов в форму — дистилляция и формирование движения, создание контекста, работа над чем-то, что кажется связным и законченным. Это невероятно мощно для меня — то, что действительно поддерживает меня.

Интересно, что основная часть моих работ похожа на каталог событий и мыслей моей жизни. Для меня работа — это почти как вести дневник. Сделать это кому-то еще — как своего рода подарок через живое выступление — это самый значимый аспект моей работы.

Танец — мощная форма искусства именно по той причине, что его не нужно объяснять или комментировать. Одно из самых удивительных представлений, которые я когда-либо видел в своей жизни, — это женщина, пережившая насилие в семье, танцующая в крошечном конференц-зале приюта для других жертв домашнего насилия. Она не была профессиональной танцовщицей. Она была женщиной, которая столкнулась с невероятными трудностями и жила в большом количестве печали. Она создала и исполнила потрясающее соло, но охарактеризовать ее выступление как «грустное» значило бы умалить то, что мы испытали.

В этом сила танца. Вы можете что-то почувствовать и посочувствовать этому на очень глубоком уровне, и вам не нужно об этом говорить.

Джуди Датер: Я люблю выражать эмоции

Портрет Джуди Датер

Джуди Датер занимается фотографией более 40 лет и считается одним из ведущих фотографов Америки. Обладатель премии Гуггенхайма и многих других наград, ее книги включают Имоджен Каннингем: Портрет , Женщины и другие видения , Тело и душа и Cycles .

Мне нравится выражать эмоции — давать другим почувствовать то, что я чувствую, когда фотографирую людей.

Сочувствие необходимо в портретной живописи. Я делал пейзажи, и я думаю, что они могут быть очень поэтичными и эмоциональными, но это отличается от непосредственности фотографирования человека. Я думаю, что фотографирование людей для меня — лучший способ показать кому-то что-то о себе — будь то человек, которого я фотографирую, или человек, который смотрит, — что, возможно, они еще не знали.Может быть, это самонадеянно, но это желание. Я чувствую, что проявляю внимание к людям, когда фотографирую их, и думаю, что понимаю людей лучше, потому что пристально смотрю на них в течение 40 с лишним лет.

Пит Доктер: Создавать вещи — это весело

Пит Доктер принимал участие в некоторых из самых популярных и плодотворных анимационных фильмов Pixar Studio, включая «Историю игрушек», «Жизнь жука», «Тачки» и «Валл-И», но он наиболее известен как режиссер фильма «Монстры», удостоенного премии Оскар. , Inc.Доктер в настоящее время направляет Up, релиз которого запланирован на май 2009 года.

Я занимаюсь искусством в первую очередь потому, что мне нравится процесс. Делать вещи — это весело.

И я уверен, что существует также это универсальное желание каким-то образом соединиться с другими людьми, рассказать им о себе или своем опыте. Что я действительно ищу в проекте, так это то, что резонирует с жизнью, как я ее вижу, и говорит о нашем человеческом опыте. Возможно, это звучит довольно фальшиво, если исходить от кого-то, кто делает мультфильмы, но я думаю, что все режиссеры Pixar думают так же.Мы хотим развлекать людей не только в бессмысленном, эскапистском смысле (хотя, разумеется, в наших фильмах тоже много такого), но и таким образом, чтобы зрители были правдивыми в отношении жизни — некие более глубокие эмоциональные переживания. что они признают в своем собственном существовании. На первый взгляд, наши фильмы об игрушках, монстрах, рыбах или роботах; на фундаментальном уровне они касаются очень универсальных вещей: нашей собственной борьбы со смертностью, потерь и определения того, кем мы являемся в этом мире.

Как кинематографисты, мы в значительной степени похожи на пещерных людей, сидящих у костра и рассказывающих истории, только для этого мы используем технологии на миллионы долларов.Рассказывая истории, мы соединяемся друг с другом. Мы говорим о себе, своих чувствах и о том, что значит быть человеком.

Или просто мультики делаем. В любом случае мы стараемся хорошо провести время, и мы надеемся, что публика тоже.

Харрелл Флетчер: Все, что называют искусством, — это искусство

Кадр из фильма «Проблема возможного искупления в 2003 году», представленного на биеннале Уитни в 2004 году в Нью-Йорке. Видео представляет собой адаптацию романа Джеймса Джойса «Улисс», снятого в Центре для пожилых людей в Парквилле в Коннектикуте, где пожилые люди читают строки с карточек. © Харелл Флетчер

Харрелл Флетчер преподает на художественном факультете Портлендского государственного университета. Он выставлялся в Музее современного искусства Сан-Франциско, Художественном музее Беркли, Парке скульптур Сократа в Нью-Йорке, а также во многих других музеях и галереях по всему миру. В 2002 году Флетчер запустил совместно с Мирандой Джули веб-сайт Learning To Love You More, который они превратили в книгу, опубликованную в 2007 году. Флетчер является лауреатом Премии Альперта 2005 года в области визуальных искусств.

Прежде чем я смогу ответить на вопрос, почему я занимаюсь искусством, нужно остановиться.

Прежде всего, что такое искусство? Я придумал определение искусства, которое, кажется, лучше всего подходит для меня: все, что кто-то называет искусством, является искусством. Это происходит из-за моей убежденности в том, что в искусстве нет ничего внутреннего. Мы не можем провести химический анализ, чтобы определить, является ли что-то искусством или нет. Напротив, мне кажется, что называть что-то «искусством» на самом деле просто субъективный способ обозначения ценности, которая может быть эстетической, культурной, денежной и т. Д.

Если мы посмотрим на другие виды творческой деятельности, мы увидим, как различные формы могут существовать и быть действительными одновременно. С детства я занимался тем, что считаю искусством: сначала рисунки, затем фотографии, картины, видео и т. Д. К тому времени, когда я поступил в аспирантуру, я уже не был так заинтересован в создании большего количества вещей, и вместо этого начал двигаться в другом направлении, которое в наши дни иногда называют «социальной практикой».

Это своего рода сбивающий с толку термин, поскольку он настолько новый и неопределенный.В широком смысле я считаю это противоположностью студийной практики — создание объектов изолированно, чтобы их можно было показать и, надеюсь, продать в контексте галереи. Большая часть мира искусства работает с этим подходом студийной практики. В социальной практике больше внимания уделяется идеям и действиям, чем объектам; это может происходить вне художественного контекста, и в работе часто присутствует аспект сотрудничества или участия.

Итак, вернемся к вопросу, почему я делаю искусство. В моем случае проекты, которые я действительно позволяю, позволяют мне встречаться с людьми, с которыми я обычно не встречаюсь, путешествовать в места, где я обычно не бываю, узнавать о предметах, которые, как я не знал, мне были бы интересны, а иногда даже помогать людям маленькими способами, которые заставляют меня чувствовать себя хорошо.Мне нравится говорить, что я стремлюсь к интересной жизни, и работа, которую я делаю как художник, помогает мне в этом.

Кваме Дауэс: Среда сочувствия

© Рэйчел Элиза Гриффитс

Кваме Дауэс, доктор философии, заслуженный поэт, проживающий в Университете Южной Каролины. Он является автором 13 сборников стихов, последней из которых является «Песня Гомера», и романа «Она ушла», получившего в 2008 году премию «Наследие Херстона / Райта» как лучший первый роман.

Я пишу то, что, вероятно, является тщетной попыткой каким-то образом контролировать мир, в котором я живу, воссоздавая его в манере, которая удовлетворяет мое представление о том, как этот мир должен выглядеть и быть похожим.

Я пытаюсь передать на языке то, что я вижу и чувствую, как способ записать их красоту, силу и ужас, чтобы я мог вернуться к этим вещам и пережить их заново. Таким образом, я пытаюсь хоть как-то контролировать хаотический мир.

Я хочу как-то передать свое восприятие мира — способ понимания, вовлечения, переживания мира — кому-нибудь еще.Я хочу, чтобы они были перенесены в мир, который я создал с помощью языка.

Итак, конечная цель моих сочинений — создать среду сочувствия, что-то, что позволило бы совершить чудо сочувствия, где человеческие существа могут, казалось бы, подниматься из самих себя, распространяться на других и жить внутри других. Это имеет огромную силу для человека. И я знаю это, потому что это то, что другие люди делают со мной, когда я их читаю.

Джеймс Штурм: Причины неважны

Джеймс Штурм — художник-карикатурист и соучредитель Центра исследований карикатуры в Уайт-Ривер-Джанкшн, штат Вермонт.Он является автором бестселлера и отмеченного наградами графического романа «Могучие качели голема», признанного журналом Time лучшим графическим романом 2000 года. В 2007 году его трилогия исторических графических романов была собрана в сборнике под названием «Америка Джеймса Штурма: Бог, золото и големы».

Мне нравится вопрос «Зачем ты занимаешься искусством?» потому что это предполагает, что то, что я делаю, — это искусство. Лестное предположение. Этот вопрос также возвращает меня на первый год обучения в колледже, где такие вопросы, как «Что такое природа?» и «Действительно ли это волна или круг?» серьезно обсуждались (обычно поздно ночью и после того, как выкурили слишком много травки).

Двадцать пять лет спустя мне хотелось бы думать, что я стал немного более рассудительным в этом вопросе. Возможно, единственное, что я получил, — это знание, о котором я понятия не имею, и, во-вторых, причины не важны. В зависимости от моего настроения в любой день я мог приписать творчество искусству благородному порыву соединиться с другими или понять мир, или нарциссическому механизму выживания, или желанию прославиться, или терапии, или моей религиозной дисциплине, или обеспечить чувство контроля или желание отказаться от контроля и т. д.и т. д. и т. д.

Какой бы ни была причина, существует внутреннее принуждение, и я продолжаю соблюдать этот внутренний императив. Если бы я этого не сделал, я бы почувствовал себя ужасно. Я был бы сломленным человеком. Так что независимо от того, является ли попытка заниматься искусством благородным или эгоистичным, факт остается фактом: я тем не менее буду этим заниматься. Все, что выходит за рамки этого заявления, является домыслом. Я бы боялся, что провозглашение того, зачем я занимаюсь искусством, породило бы мою собственную пропаганду.

KRS-One: Хип-хоп вне времени, вне космоса

Лоуренс Кришна Паркер, более известный под своим сценическим псевдонимом KRS-One, широко известен критиками и другими ведущими как одна из самых влиятельных фигур хип-хопа.На церемонии вручения награды Black Entertainment Television Awards в 2008 году KRS-One был удостоен награды за заслуги перед рэпом и активностью.

Я родился таким, рожден заниматься искусством, делать хип-хоп. И я думаю, что я всего лишь один из людей, у которых хватило смелости остаться со своей прирожденной идентичностью. Хип-хоп держит меня верным самому себе, сохраняет человечность.

Хип-хоп — это противоположность технологии. Хип-хоп — это то, чем занимается человеческое тело: брейкинг, диджеинг, написание граффити. Человеческое тело танцует брейк-данс, это нельзя отнять.Диджеинг — это не технология; это человеческий разум выше технологий: резка, смешивание, царапание. Это физическое. Манипуляции с технологиями — это то, чем занимаются люди, это искусство.

Или возьмем граффити. Положите письменные принадлежности в руку любому ребенку в возрасте двух или трех лет. Они не будут писать на бумаге, как потом будут социализированы, они будут писать на стенах. Они просто играют. Это человек. Граффити напоминает вам о вашей человечности, когда вы караете свое самовыражение на стене.Хип-хоп помогает нам по-новому взглянуть на мир.

Вот почему хип-хоп сохранил мне молодость. Это не позволяет тебе слишком быстро расти. Хип-хоп вне времени, вне пространства. Вот почему я делаю хип-хоп.

Что такое искусство? Почему так важно искусство?

Что такое искусство? — Словарное определение искусства гласит, что это «сознательное использование навыков и творческого воображения, особенно в производстве эстетических объектов» (Merriam-Webster)

Но дело в том, что искусство настолько разнообразно, что существует как много способов понять это как есть люди.Вот почему есть ученые, которые дают свое собственное определение этого слова, например, данное этим известным русским писателем, которое звучит так:

«Искусство — это деятельность, посредством которой человек, испытав эмоцию, намеренно передает ее. другие »- Лев Толстой

Известно, что в течение своей жизни Толстой писал на основе своего жизненного опыта, такого как его самая известная работа« Война и мир », в которой использовалась значительная часть его опыта во время Крымской войны.

И независимо от того, является ли его определение искусства лучшим или нет, дело в том, что люди смотрят на искусство, основываясь на том, как они его пережили.

Что такое искусство?

Есть много общих определений искусства. Немного процитируем:

Искусство — это

• любая творческая работа человека
• форма самовыражения
• находится в качестве делания; процесс не волшебный
• акт создания чего-то визуально развлекательного
• деятельность, которая проявляет красоту (Что такое красота в искусстве?)
• мастерство, идеальный способ делать что-то
• не вещь — это путь (Эльберт Хаббард)
• наиболее интенсивный вид индивидуализма, который известен миру
• открытие и развитие элементарных принципов природы в прекрасных формах, пригодных для использования человеком (Фрэнк Ллойд Райт)

Почему искусство важно?

Наверное, лучшая теория, которая мне нравится, и которая лучше всего объясняет — Почему так важно искусство — принадлежит Ван Джонсу, тонко дает отличный ответ на тему «Что такое искусство?»

Ван Джонс представил график, который точно представляет взаимодействие между четырьмя аспектами общества и его различными членами.

Следовательно, Vones показывает, почему искусство важно для нашего общества?

График (ниже) представляет наше общество.

Обществом движут могущественные элиты, зависимые массы, правительство, культурные продюсеры и художники

График Ван Джонса

Слева — действие, а справа — идеи; элиты наверху, а массы внизу. Есть внутреннее действие и внешнее действие.

Внутри — большие деньги: элиты тратят миллионы долларов, чтобы влиять на политиков и политиков.Внутренний акт может повлиять на создателей политики.

Снаружи, мы на низовом уровне определяем наши ожидания и потребности, так что избранные кандидаты принимают законы, дающие нам власть. Массы отражают то, чего на самом деле хочет общество (сердце)

Левая сторона, «действие», часто означает поддающиеся количественной оценке изменения в политике. Правую сторону, «идеи», может быть труднее увидеть. Здесь мы не обязательно говорим о конкретных вещах, а скорее о «свободном пространстве».

Академические учреждения и аналитические центры, которые не всегда участвуют в немедленных политических победах, играют важную роль в создании культуры мышления

В то время как левая сторона, «действие», продолжает производить поддающиеся количественной оценке изменения политики и новые законы, правая стороны «идей», может быть трудно количественно оценить его результат.Хотя «голова» говорит о теориях и ученых, она не может внести сколько-нибудь значительного вклада в политику.

Здесь в этот момент участвуют художники.

Художники представлены здесь на стороне идей, в «пространстве сердца».

Искусство обладает уникальными возможностями для того, чтобы волновать людей — вдохновляя нас, вызывая новые вопросы и вызывая любопытство, волнение и негодование.

Художники могут усилить волю и подтолкнуть людей к действию.Они не думают, как политики или ученые.

Художники думают от всего сердца — большие, революционные и дальновидные идеи.

Вот почему художники могут побуждать людей к действию, тем самым внося значительный культурный и политический вклад.

Это то, что делает искусство мощным.

Влияние искусства на политику, культуру и людей

Искусство очень важно в обществе, потому что это важный ингредиент для расширения прав и возможностей сердец людей

Когда активисты демонстрируют изображения детей, страдающих от бедности или угнетения в их кампании, это искусство, которое тянет за собой элиту общества и заставляет ее вносить изменения.

Точно так же, когда фотографы публикуют фотографии разрушенных войной территорий, это привлекает внимание масс, сердца которых тянутся к тем, кто нуждается в помощи.

Когда артист создает отличную музыку и фильмы, это развлекает людей по всему миру. Это искусство, меняющее общество.

Очень современный пример искусства в действии — это уличное искусство. Когда знаменитый итальянский уличный художник Блю создал фреску в Кройцберге, это вызвало множество сильных и разных реакций, глубоко укоренившихся в различиях между Восточным и Западным Берлином.

Кто бы мог подумать, что настенная живопись, на которой изображены две фигуры в масках, пытающиеся разоблачить друг друга, может вызвать такую ​​сильную реакцию?

Теперь проблема, стоящая за этой фреской, — это совершенно другой вопрос для обсуждения. Но независимо от того, был ли эффект фрески хорошим или нет, нельзя отрицать, как хорошо выполненное произведение искусства может иметь большое влияние на общество.

Искусство — также замечательный способ изображения культуры со всего мира.

Когда вы видите дзен-сад в Сиднее или Сан-Франциско, вы знаете, что это практика, пришедшая из Китая.

Точно так же, когда вы видите бумажных лебедей, роящихся на красивой свадебной церемонии, вы знаете, что это оригами, искусство, пришедшее из Японии.

Когда вы смотрите фильмы с участием музыки и танцев Болливуда, вы знаете, что это фильм из Индии. Искусство обладает способностью брать культурные практики там, откуда они родом, а затем переносить и интегрировать их в разные части мира, не теряя своей идентичности.

Там эти формы искусства можно использовать, чтобы развлекать, повышать осведомленность и даже вдохновлять иностранцев принять эти культуры, какими бы странными или чуждыми они ни казались.

И именно это подразумевает Джон Дьюи в «Искусстве как опыте»:

«Барьеры растворяются; ограничивающие предрассудки тают, когда мы погружаемся в дух негритянского или полинезийского искусства. Это неощутимое таяние гораздо эффективнее, чем изменение, вызванное рассуждениями, потому что оно напрямую влияет на отношение ».

Это особенно важно в нашем глобализированном мире.

Искусство сыграло важную роль в борьбе с нетерпимостью к различным культурам, расизмом и другими формами несправедливой социальной сегрегации.

Поскольку иммиграция становится все более распространенной тенденцией, ожидается, что страны мира будут более терпимыми и принимать тех, кто въезжает на их границы.

Искусство помогает добиться этого, обеспечивая должное признание самобытности и культуры во всем мире.

Почему искусство так сильно?

Пожалуй, самый простой ответ на этот вопрос — искусство трогает нас эмоционально.

Искусство мощно, потому что оно потенциально может влиять на нашу культуру, политику и даже экономику.Когда мы видим мощное произведение искусства, вы чувствуете, как оно глубоко затрагивает вашу сущность, давая нам возможность вносить реальные изменения.

По словам Льва Толстого:

«Деятельность в области искусства основана на способности людей заражать других своими эмоциями и заражаться эмоциями других. Сильные эмоции, слабые эмоции, важные эмоции или несущественные эмоции, хорошие эмоции или плохие эмоции — если они загрязняют читателя, зрителя или слушателя — они достигают функции искусства.

В целом искусство можно считать могущественным по следующим причинам, среди прочего:

• У него есть способность обучать людей практически всему. Он может повысить осведомленность и представить информацию таким образом, чтобы многие могли легко ее усвоить. В мире, где есть те, у кого нет даже доступа к хорошему образованию; искусство делает образование еще более уравновешивающим фактором общества.
• It способствует культурному признанию среди поколения, которое в настоящее время озабочено своими технологиями.Фактически, можно сказать, что если бы не искусство, наша история, культура и традиции были бы в большей опасности быть забытыми, чем они уже есть.
• Это разрушает культурные, социальные и экономические барьеры . Хотя искусство само по себе не может решить проблему бедности или обеспечить социальную справедливость, его можно использовать как выровненное игровое поле для дискурса и самовыражения. Причина, по которой каждый может относиться к искусству, заключается в том, что у каждого есть эмоции и личный опыт. Таким образом, любой может научиться ценить искусство независимо от его социального происхождения, экономического положения или политической принадлежности.
• Это обращается к высшим уровням мышления . Искусство не просто заставляет впитывать информацию. Скорее, он заставляет задуматься о текущих идеях и вдохновляет на воплощение собственных. Вот почему творчество — это форма интеллекта — это особая способность, которая открывает возможности человеческого разума. Фактически, исследования показали, что знакомство с искусством может улучшить вас в других областях знаний.

На самом деле люди осознали, насколько мощным может быть искусство.

Много раз в истории мы слышали о людях, подвергавшихся критике, угрозам, цензуре и даже убийствам из-за их работ.

Те, кто несет ответственность за эти реакции, будь то воюющее правительство или диссидентская группа, принимают эти меры против художников, зная, насколько их работы могут повлиять на политику в данной области.

Однако в руках хороших людей искусство может быть использовано, чтобы вернуть надежду или вселить мужество в общество, которое переживает множество трудностей

Великое искусство порождает сильные чувства и рассказывает значимые истории

Искусство может принимать форму кино, музыка, театр и поп-культура — все они нацелены на то, чтобы развлечь людей и сделать их счастливыми.Но когда фильмы, песни или пьесы создаются для определенной аудитории или для определенной цели, искусство начинает диверсифицироваться.

Фильмы, например, могут быть сняты для распространения знаний или культурного признания. Песни также можно составлять таким образом, чтобы они вызывали определенные эмоции, вдохновляли или поднимали моральный дух людей.

В викторианский период в Англии женщины начали делать себе имя с помощью таких классических произведений искусства, как картина Элизабет Сирани « Порция, ранившая ее бедро ». гендерная предвзятость.

Порция ранила бедро, Элизабетта Сирани.

Сюжет картины изображает поступок женщины, обладающей такой же силой, как и у мужчины. «Порция» представляет собой капитуляцию, потому что она не из тех женщин, которых в обществе называют слабыми и склонными к сплетням.

Одна из революционных работ в истории, которая в конечном итоге открыла двери искусства для женщин в целом, в конечном итоге показала силу женщин в искусстве

Есть также произведения искусства, которые запрещают сильный интеллектуальный дискурс — такие, которые могут подвергать сомнению нормы и изменить поведение общества.

Иногда искусство все же существует для того, чтобы достучаться до человека, который разделяет те же мысли, чувства и переживания, что и художник.

На самом деле искусство — это больше, чем просто практика, это образ жизни. Искусство — это больше, чем просто умение, это страсть. Искусство — это больше, чем просто изображение — каждое из них рассказывает свою историю.

Тот факт, что искусство тесно связано с человеческим опытом, делает неудивительным, что мы всегда делали его частью нашего образа жизни.

Вот почему древние и современные коренные народы со всего мира умеют смешивать искусство и свои традиционные артефакты или ритуалы без их ведома, что на самом деле является одной из основных причин важности искусства. Искусство — мощная форма терапии

Некоторые говорят, что искусство скучно. Но факт остается фактом: искусство способно брать культурные практики там, откуда они родом, а затем переносить и интегрировать их в разные части мира, не теряя своей идентичности.

Там эти формы искусства можно использовать, чтобы развлекать, повышать осведомленность и даже вдохновлять иностранцев принять эти культуры, какими бы странными или чуждыми они ни казались.

Это особенно важно в нашем глобализированном мире.

Искусство сыграло важную роль в борьбе с нетерпимостью к различным культурам, расизмом и другими формами несправедливой социальной сегрегации.

Поскольку иммиграция становится все более распространенной тенденцией, ожидается, что страны мира будут более терпимыми и принимать тех, кто въезжает на их границы.

Искусство помогает добиться этого, обеспечивая должное признание самобытности и культуры во всем мире. Таким образом, неизбежно задуматься — Почему искусство так важно, — что на самом деле дает вам ответ на вопрос — Что такое искусство?

Вот почему мы в The Artist верим, что искусство — это форма творческого человеческого выражения, способ обогащения человеческого опыта.

Заключение: Почему искусство важно для человеческого общества?

Искусство и его определение всегда будут противоречивыми.

Всегда будут споры о том, что такое искусство, а что нет.

Но каким бы ни было определение, оно было вокруг нас с тех пор, как существовали люди (например, наскальные рисунки, иероглифы).

Осознаем мы это или нет, но мы позволяем искусству так или иначе влиять на нашу жизнь, а причин, по которым мы занимаемся искусством, много!

Мы используем искусство для развлечения, культурного признания, эстетики, личного совершенствования и даже социальных изменений.Мы используем искусство, чтобы процветать в этом мире.

Итак, поделитесь своими мыслями — Что для вас искусство?

Что делает искусство хорошим? 12 современных художников делятся своими мыслями

Что нужно, чтобы создать великое произведение искусства? Этот, казалось бы, простой, но в то же время очень сложный вопрос обсуждался на протяжении всей истории искусства. Кто решает, что такое «хорошее» искусство, а что «плохое»? В то время как многие обращаются за ответами к искусствоведам и кураторам, мы решили обратиться к широкому кругу современных художников, обратившись непосредственно к первоисточнику.

От иллюстраторов до художников по бумаге, от фотографов до художников-инсталляторов — что творческие умы, стоящие за самым вдохновляющим современным искусством, считают ключом к великому искусству? Для многих это субъективно и может включать в себя ряд характеристик, но, когда мы опросили художников, были выявлены общие темы. Инновации, эмоциональная связь и немного удачи неоднократно упоминались независимо от средства массовой информации.

Вечные поиски великого искусства, конечно, со временем меняются, угасая и изменяя вкусы и тенденции.Итак, давайте посмотрим, как эти художники 21-го века отвечают, когда им задают этот сложный вопрос.

Мы спросили 12 современных художников: «Что нужно, чтобы создать великое произведение искусства?» Вот что они сказали…

Ли Хунбо. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: удивительные скульптуры из бумаги, которые можно растягивать, кажутся сделанными из камня

Ли Хунбо

Когда я только начинал заниматься искусством, наши профессора заставляли нас рисовать бюсты широко известных скульптур. Бюсты стали моими терпеливыми друзьями и наставниками.Я до сих пор помню время, которое потратил на их наброски. Чтобы вдохнуть новую жизнь и оживить старые воспоминания, я воссоздал эти инструменты обучения, используя свой собственный способ выражения — бумагу.

В моём творчестве много тем. Однако все они близки моему мышлению, моему опыту и моей жизни сейчас. Те темы, которые были высказаны, — это материал, который исходит из моего внутреннего мышления. Когда люди смотрят на коробку, они думают: «Это коробка». Но, на самом деле, это может превратиться в другое.Я хочу изменить образ, изменить то, как люди видят вещи, чтобы они думали по-другому и глубже.

Есть китайская поговорка «Жизнь хрупка, как бумага», которая произвела на меня глубокое впечатление. Краткая и мучительная фраза суммирует хрупкость жизни и неустойчивость судьбы. Когда рождается жизнь, она чиста, как белый лист бумаги. Тем не менее, он столь же быстротечен, как белый конь галопом против бесконечного времени, так и хрупок и одинок против изменчивого мира. Жизнь уязвима и преходяща; он хрупок, как бумага.

Может быть, я как бумага: чист при рождении, безмолвен в смерти и расцветает, как цветы, даже в моих иссохших костях.

Ребекка Луиза Лоу. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: гигантская инсталляция из 150 000 местных австралийских цветов демонстрирует силу цветов

Ребекка Луиза Лоу

Терпение, мужество, смирение и трудолюбие. Я обнаружил, что сосредоточение внимания на будущем намного полезнее для моей художественной практики, чем взгляд на настоящее. Жизнь в настоящий момент может отвлекать и часто мешать творческому процессу.Лучшая работа — это всегда вызов, будь то время, финансы, материалы или концепция. Лучше рискнуть, чем перестраховаться.

Федерико Бабина. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Мощные архитектурные иллюстрации визуально интерпретируют психические заболевания

Федерико Бабина

Во всем есть немного ИСКУССТВА. Есть, вам просто нужно узнать, как это увидеть. Он часто бывает скрытым, фрагментарным, дезорганизованным и непритязательным. Задача состоит в том, чтобы открыть это, составить и упорядочить.Мы должны смотреть на вещи с другой точки зрения. Взгляд на мир вверх ногами может предложить множество творческих идей и пробудиться от своего рода «сна видения».

Универсальной формулы для создания произведения искусства не существует. Каждый должен найти свой путь. Ваши попутчики в этом путешествии по этим чувствительным местам — это «простота», «творчество» и «инВАРТИВНОСТЬ». Это похоже на сочинение песни или мелодии. Записки уже есть, а их семь. Самое сложное — собрать их вместе и найти правильный баланс между музыкой и тишиной, между гармонией и мелодией.

Мэтт Шлиан. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Художник использует инженерные разработки, чтобы сложить завораживающие геометрические бумажные скульптуры

Мэтт Шлиан

Это похоже на вопрос с подвохом. Это можно интерпретировать как то, что (инструменты, материалы, процесс) нужно для создания великого произведения искусства? Или это можно прочитать как то, что делает произведение искусства великим? И то, и другое — большие вопросы.

Позвольте мне начать с того, что делает изделие великим:

Произведение искусства требует подключения. В нем должна быть доля правды, которая находит отклик у зрителя и оставляет им что-то после того, как они покинули произведение.Хорошая статья задает вопросы и учит тому, чего вы не знали, или показывает то, о чем вы не знали, что знали. Он выражает то, что мы чувствовали, и мы связываемся с этим таким образом, когда в словах нет необходимости. Это чувство, которое трудно описать, но заставляет нас чувствовать себя менее одинокими — что кто-то другой понимает нас и дает голос тому, что внутри нас. Произведение искусства выходит за рамки своих рамок и становится частью нас.

Я работал почти 20 лет, и за это время я сделал тонну работы.Некоторые из них в порядке, большинство «да» и несколько хороших. Хорошие ведут к следующим кусочкам (и являются необходимой частью процесса), а хорошие иногда приходят сразу, а иногда вам нужно медленно их измельчать в течение нескольких лет, чтобы получить один. Это равные части добычи золота и стояние в поле, пытаясь застрять у молнии. В некоторые дни вы копаете, а в другие дни вы смотрите вверх и ждете.

Это возвращает нас к первому вопросу: что нужно, чтобы создать отличное произведение?

Требуется время, иногда лопата, а иногда — оказаться в нужном месте в нужное время.

Роне. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Уличный художник создает на заброшенных зданиях полуразрушенные портреты, чтобы показать хрупкость красоты

Rone

Я думаю, что для создания великого произведения искусства нужно установить связь с наблюдателем на эмоциональном или личном уровне. Немного таинственности может позволить наблюдателю интерпретировать работу, основываясь на собственном опыте, и позволить ему идентифицировать себя с ней. Если изложить все это по буквам, то может быть только один способ интерпретировать произведение, и я думаю, что великое искусство делает то, что каждый воспринимает его по-разному.

Мигель Шевалье. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: проекционное отображение часовни Королевского колледжа сочетает готическую архитектуру 16-го века с современным искусством

Мигель Шевалье

В моем случае в начале 1980-х я понял, что компьютерные инструменты станут основой структурно оригинального подхода, ставки которого нужно было понять сразу. Эти возможности казались безграничными, а преобразования бесконечными. Они представляли собой сказочный словарь форм и цветов, на основе которого я мог работать над изображением, изменять его и восстанавливать.

Цифровое искусство может открывать новые территории. Я считаю, что это действительно новая эстетика возникающего виртуального мира. Я чувствую, что нахожусь в гармонии со своим временем, создаю новую поэзию и новую поэтическую вселенную, способную поднимать эмоции. Для меня это искусство 21 века.

Сигалит Ландау. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: платье, погруженное в Мертвое море, превращается в мерцающий, покрытый солью шедевр

Сигалит Ландау

Чтобы создать великое произведение искусства, вам нужно верить, что у вас есть вечность времени — даже если это самая неотложная задача в вашей жизни — и вам также нужно много вещей, которые нельзя терять для его безупречного производства.Потреблять много музыки, любви и, конечно же, немного алкоголя.

Омар З. Роблес. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Динамические фотографии танцоров балета в движении на улицах Пуэрто-Рико

Омар З. Роблес

Для создания одного великого произведения искусства требуется более крупная комбинация элементов, но, в конечном итоге, должен возникнуть вопрос: «Что нужно, чтобы создать великие ЧАСТИ искусства?» (Обратите внимание на множественное число). Почему? Потому что для того, чтобы художник по-настоящему преуспел, он должен уметь создавать не одно, а множество великих произведений искусства.Так можно узнать, а точнее отличить художника от обывателя. Последовательность в их работе отличает их от того, чтобы они просто «чудо с первого взгляда».

Теперь, чтобы достичь этого, вам нужно иметь терпение, чтобы многократно повторять ошибки. Пока вы не начнете понимать это правильно, вы продолжаете продвигать себя по той же линии и не бросаете. Другой элемент — быть самокритичным. Один из моих наставников по фотографии однажды сказал мне: «Настоящий секрет великих фотографов в том, что они выставляют только свои лучшие работы.«Мы все можем произвести плохое изделие, даже в наши лучшие дни. Однако вы должны научиться отстраняться от своей работы и критиковать себя, прежде чем публиковать какую-либо работу.

Наконец, для того, чтобы работа была отличной, нужна сущность / контекст. Это, наверное, самое сложное для оценки. Я считаю, что все великие произведения искусства имеют одну общую черту, а именно то, что они поддерживаются контекстом. Это не может быть просто красивым или шокирующим просто ради этого. Великие произведения искусства очаровывают вас, потому что вы так или иначе можете идентифицировать себя с ними.Марсель Марсо все время говорил мне: « il fault toucher le publique » (нам нужно иметь возможность двигать аудиторию). Его идея заключалась в том, что недостаточно быть технически хорошим, нужно иметь возможность двигаться и касаться своей аудитории. Единственный способ привлечь внимание аудитории — это подкрепить вашу работу контекстом.

Шарль Петийон. ПРОЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: скопления белых шаров, похожие на облака, вторгаются в обычные среды

Шарль Петийон

Великие авторы, философы или критики опубликовали книги на эту тему, не имея возможности ответить на этот вопрос, поэтому я не понимаю, как я могу попытаться ответить на него….. Взгляд на работу множественный. Это эмоциональный и философский заряд, отношение к пространству, предмету, свету, отношение к зрителю, техника, сообщение, концепция и т. Д. ……

Лорен Бревнер.

Лорен Бревнер

Каждый раз, когда я вижу работу другого художника, которого я люблю, у меня есть тенденция интуитивно реагировать на произведение (а). Это может быть учащение пульса или бабочки в животе, то странное чувство, которое вы испытываете в животе, которое так похоже на реакцию, которую вы испытываете, когда испытываете вожделение к кому-то.Вот откуда я знаю, что это хорошо. Я не могу перестать улыбаться или смотреть; это вызывает у меня такой прилив эмоций, что я не могу не чувствовать влечение к нему. Я считаю, что все сводится к чистоте голоса артиста, которую действительно невозможно подделать.

Когда я делаю свою работу, я знаю, что выполнила свою работу, когда у меня возникает это чувство, этот приступ возбуждения (конечно, это случается не всегда, к сожалению), но я знаю, что старался изо всех сил, когда у меня есть эти чувства.

Philippe Echaroux. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Проекты серии Powerful: Лица коренных народов в тропических лесах Амазонки.

Филипп Эшару

Эмоция. Это первая искра каждого огня. Эмоции не обязательно положительные, но именно это первое чувство создает искусство. Если вы попытаетесь выразить то, что вы чувствуете, это будет искусством, независимо от того, в каком направлении и в какой форме.

Лореаль Пристай. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: Сюрреалистические портреты человеческого облика, скрывающегося за отражениями природы

Лореаль Пристай

Как художнику, важно создавать работы, которые действительно исходят изнутри.Это единственный способ найти новую и уникальную точку зрения. Для художника — легкая ловушка — создать произведение, которое, по его мнению, понравится своей аудитории. Действительно, зритель в конечном итоге определяет величие произведения искусства — великое искусство влияет на широкий спектр людей. Но изменчивую аудиторию невозможно предсказать, поэтому великое искусство редко бывает расчетным предположением, часто это случайность. Единственный способ представить новые перспективы для художника — это продолжать проявлять любопытство, задавать вопросы и исследовать. Взгляд на мир любопытными глазами ведет к новым открытиям.

My Modern Met предоставил разрешение на использование изображений через соответствующих художников.

Почему важно заявить о себе как о художнике? — ARTDEX

«Все дети художники. Проблема в том, как оставаться художником, когда мы вырастем ». — Пабло Пикассо

Тот факт, что один из величайших художников всех времен считал, что каждый человек несет в себе искру художественного вдохновения из своего детства, обнадеживает. Однако проблема сохранения этой творческой искры и превращения ее в движущую силу, делающую кого-то художником, часто озадачивала великого гения, а также тех, кто считает себя работающими художниками.

Здесь мы дадим ответы на несколько вопросов, которые должны прояснить некоторые дилеммы, связанные с восприятием художников и их искусства. Прежде всего, мы постараемся выяснить, когда вам уместно начать называть себя художником и сосредоточиться на важности определения себя как художника.

Когда можно называть себя артистом?

Это один из самых противоречивых вопросов, который до сих пор вызывает многочисленные жаркие споры в художественных кругах.В результате этих дебатов было три преобладающих мнения, и мы собираемся подвергнуть сомнению каждое из них, чтобы выяснить, насколько они правдоподобны. Предположительно, вы можете начать называть себя художником, когда:

1. Вы получили значительное формальное образование, связанное с искусством
2. Вы начали получать деньги за свои работы
3. Ваши работы получили долгожданное общественное признание

Джин Дюбюффе Гранд Джаз Бэнд (Новый Орлеан), декабрь 1944 года, холст, масло. Французский художник и скульптор принял «низкое искусство», которое отдает предпочтение более аутентичному и гуманистическому подходу к созданию искусства | Источник изображения: moma.org

Чтобы стать художником, не нужен диплом художественной школы

Прежде всего, можно легко опровергнуть представление о том, что только люди, получившие диплом в художественных школах и университетах, имеют право на звание «художник». Ваш успех как художника вряд ли будет зависеть от степени в области искусства, количества посещенных вами онлайн-курсов или количества лет изучения теории искусства. Как художник, ваша карьера в искусстве и успех будут больше зависеть от вашей художественной идентичности, вашего творчества или создания бренда художника.

Есть так много известных художников, которые были самоучками и оставили после себя великолепные произведения искусства, не имея диплома, подтверждающего их художественные процессы, талант и творения.

Существенная разница между настоящим художником и непрофессионалом заключается в количестве времени, которое они вкладывают в совершенствование своих художественных навыков, совершенствование своего художественного стиля и уникального выражения, обогащение своих произведений искусства и придание им долговременной эстетической ценности. Итак, если вы постоянно вовлечены в творческий процесс, регулярно изучаете и практикуете новые навыки и со временем склонны расти как художник, вы можете определить себя как начинающий художник, даже если у вас нет художественной школы. диплом.

Прибыльное произведение искусства не может определить художника

Нет ничего плохого в том, чтобы превратить свою работу в прибыльный арт-бизнес, который оплачивает счета. С другой стороны, тот факт, что ваше искусство стало прибыльным, не определяет вас как художника. Если вы оглянетесь назад, вы найдете множество борющихся художников, которые оставили свои шедевры в наследство миру искусства, но умерли в нищете, не имея возможности продать ни одно из этих произведений искусства, пока они были живы. Наиболее показательный пример — Ван Гог, которому удалось продать всего одну картину при жизни.Сегодня шедевры Ван Гога продаются на мировых аукционах рекордными суммами в десятки миллионов долларов.

Хотя коммерческий успех ваших работ — удивительное достижение, он не обязательно определяет вас как успешного художника. Многие состоявшиеся художники определяли успех как талант «сделать свое неизвестное, известным», в то время как любая другая концепция успеха для них не имела никакого отношения. Проще говоря, для определения себя как художника важна ваша способность выражать свой подлинный «внутренний голос» через искусство и рассказывать оригинальную историю о своем личном опыте, прошлом, воспоминаниях или идеях и убеждениях.

Однако, если вам удастся определить себя как артиста с особым стилем и уникальным голосом, вы создадите краеугольный камень для того, чтобы заявить о себе как о художнике. Существует множество других факторов, которые необходимо учитывать при развитии бренда и репутации артиста, например, создание бизнес-плана, создание сетей, видимость и легкодоступность. Тем не менее, история каждого успешного художника начинается с произведения искусства, которое выражает их личное художественное видение, интересное и интересное для более широкой аудитории.

Автопортрет Энди Уорхола, 1967 | Источник изображения: kdfc.com

Общественное признание вашей работы не может определять вас как художника

Некоторые люди считали, что они могут называть себя профессиональными художниками, если они получили признание своих произведений искусства от художественного сообщества, либо выиграв значительный грант или награду, либо разместив выставку в известной галерее. Для людей естественно искать одобрения своих достижений; вот как они чувствуют себя уважаемыми и измеряют свою художественную ценность.

С другой стороны, существует большое количество великих художников с мощным творческим самовыражением, чье искусство никогда не было признано жюри, галеристами или коллекционерами. Проще говоря, вам не нужно быть признанным художественным истеблишментом, чтобы определять себя как художника. Все, что вам нужно сделать, это оставаться в соответствии со своим предметом, вашим выбором среды и вашим подлинным видением, чтобы создать узнаваемое творение, которое выделит ваше произведение искусства на арт-сцене.

Важность определения себя как художника

Теперь, когда мы выяснили самые распространенные дилеммы: «Что определяет художника?» мы можем сосредоточиться на определении вашей идентичности как работающего художника.

Опытным артистам удается передать свое восприятие мира в подлинной манере, которая остается знакомой и интересной широкой аудитории. Суть в том, что вам как художнику нужно иметь оригинальную историю и использовать ее как основу для построения своего художественного видения. Ваш опыт, воспоминания, принципы, мечты, эмоции и травмы — все это составляет творческое путешествие, которое является уникальным для вас, но все же касается многих людей, особенно ваших целевых фанатов и аудитории.

Создайте свой неповторимый стиль

Еще один важный аспект, который определяет вас как художника, — это особый стиль. Мы уже упоминали, насколько важно выбрать тему и среду, которые достоверно выразят ваше видение мира. Выбираете ли вы живопись, перо и чернила или создаете мультимедийные инсталляции, чтобы поделиться своей историей с миром, оставайтесь в рамках своего жанра, своей любимой цветовой палитры и техник. Старайтесь не бродить слишком часто, потому что эта последовательность в вашем художественном голосе поможет вам развить узнаваемый стиль, который выделит ваше искусство среди других.

Достаточно одного взгляда на работы великих мастеров, чтобы сделать вывод, что все они, Климт, Моне, Дали и Пикассо, разработали художественные стили, которые идеально дополняли их подлинное видение мира. Это причина, по которой их произведения искусства были включены в культурные сферы мирового наследия и легко узнаваемы во всем мире.

Сальвадор Дали, испанский сюрреалист со знаменитой причудливой артистической личностью | Автор: Дэвид Гранда, источник изображения: ecos-online.де

Изобретая свою художественную личность заново

Очень важно определить вашу художественную личность, наряду с оригинальной историей и отличительным стилем, которые делают ваше искусство узнаваемым. Что это означает, и чем это может отличить вас от других художников, стремящихся быть замеченными на высококонкурентной арт-сцене?

Пикассо знал, что его огромный талант не будет единственным союзником на его пути к большому успеху и всемирному признанию. Вот почему он постоянно окутывал себя аурой противоречий, что пробуждало дополнительный интерес к его образу жизни, что успешно увеличивало внимание и увлечение его работами.Этот пример ясно показывает, что очарование великого искусства связано с личностью художника, которая должна соответствовать посланию, которое передает его искусство.

Итак, помимо создания подлинного искусства, которое определит вас как художника, для вас, как художника, не менее важно оставаться верным своей истории и создавать устойчивый образ художника, который будет столь же интригующим, как и ваша работа.

Заключение

По мере того, как мы раскрываем ключевые факторы определения себя как художника, мы пришли к выводу, что вам не нужно получать какое-либо формальное образование, чтобы видеть себя художником.Вам также не нужно зарабатывать прибыльное искусство или какие-либо деньги как художнику, чтобы называться им. Признание художественного сообщества или то, как вас воспринимают в социальных сетях, также не делает вас автоматически великим художником. Независимо от того, зарабатываете ли вы на жизнь как художник и работаете на полную ставку или работаете на дневной работе, совершенно не связанной с арт-сценой, и создаете изобразительное искусство в свободное время, ваша художественная идентичность остается вашей, чтобы формировать и определять.

Однако, если вы упорно работаете над своими навыками и развитием бренда художника, привержены своей идее успеха и будете соответствовать темам и материалам, которые выражают вашу подлинную художественную историю и видение, вы сформируете узнаваемый язык и стиль, которые будут определять вас. как художник.Это сделает ваше искусство запоминающимся и привлекательным для большого количества художественной публики, что позволит вам зарабатывать деньги и / или охватить более широкую аудиторию своим искусством, если вы того пожелаете.

Советы для художников о том, как зарабатывать на жизнь — продажа произведений искусства не окупает счета

Совместимая двойная карьера

В главе 2 «Начало или возобновление карьеры: преодоление карьерных блоков» обсуждаются проблемы и подводные камни, возникающие у художников. двойная карьера. Но бывают исключения, когда двойная карьера очень совместима.

Например, Морис Стерн известен как оперный певец и своими портретными скульптурами. Он выступал в Нью-Йоркской опере в американских и мировых премьерах, прежде чем стать ведущим драматическим тенором на четырех континентах. Выставки его работ иногда проводились одновременно в американских и европейских городах, где проходили его выступления. Описывая свои скульптуры, он подчеркивал, что запечатлел характер своих героев точно так же, как формировал персонажей, которых играл на оперной сцене.

Некоторые из моих клиентов отметили преимущества двойной карьеры. Фотограф изобразительного искусства, который также является психиатром, описал, как понимание человеческого разума помогло ему выбрать и запечатлеть свои объекты. Скульптор-абстракционист, который также является хирургом, считает, что его исследования в области анатомии и продолжающаяся работа с телом сыграли важную роль в придании ему уверенности в том, что лично и выражают человеческую форму. Другой скульптор и художник-инсталлятор сказал мне, что ее работа психотерапевта, включающая множество «сеансов бесед», значительно улучшила ее способность выражать свои собственные чувства по поводу цели и значения своих произведений искусства.

Ношение двух шляп также может быть выгодно художнику, если он использует и передает ресурсы и контакты второй карьеры в изобразительное искусство. Такую возможность предоставила художница Молли Херон, которая использовала серию своевременных мероприятий и работу фрилансера в персональной выставке в прекрасном месте на первом этаже офисного здания в центре Манхэттена.

Херон была нанята в качестве внештатного дизайнера книг в HarperCollins, которая, по совпадению, была издателем The Writing Life Энни Диллард, книги, которую она читала, смаковала и перечитывала.

Через шесть месяцев после того, как она получила должность внештатного сотрудника, Херон посетила выставку в галерее HarperCollins, расположенную в открытом и привлекательном двухуровневом пространстве. Впечатленная физическими характеристиками галереи и ее расположением, она поинтересовалась, как можно получить место для выставки. Через куратора галереи она узнала, что все выставки в пространстве должны быть связаны с книгой HarperCollins.

Эврика! Прежде чем лампочка в голове Герона успела погаснуть, она разработала выставочное предложение.В течение четырех недель она представила предложение и визуальные вспомогательные материалы куратору HarperCollins, а вскоре после этого получила приглашение установить персональную выставку в галерее позже в этом году.

Предложение Херона было основано на вдохновении, которое она почерпнула из книги Энни Диллард. Это наполнило ее новой энергетической силой, и она почувствовала себя обязанной визуально интерпретировать метафоры и наблюдения автора.

Heron продал пять работ, пока выставка была установлена.И как только шоу закрылось, она восприняла финал как новое начало и, не теряя времени, сделала следующий шаг. С пересмотренным предложением, сопроводительным письмом и вспомогательными материалами она начала налаживать новые контакты.