Музыку сочиняет композитор: Недопустимое название — Викицитатник

«Народ сочиняет музыку, мы, композиторы, только аранжируем ее»

«Народ сочиняет музыку, мы, композиторы, только аранжируем ее»

Эти крылатые слова были сказаны почти полтора века назад великим композитором, которого потомки удостоили беспримерной чести, назвав основоположником русской музыкальной классики, — Михаилом Ивановичем Глинкой. Слова эти, конечно, не надо понимать в их прямом смысле, тем более что сам Глинка редко пользовался в своих сочинениях мелодиями народных песен. Смысл этих слов в том, что композитор должен учиться у своего народа думать, чувствовать и творить. Глинка тем ивелик, что сумел воплотить в своей музыке думы, чувства и творческий дух русского народа так, как до него это еще никому не удавалось.

В своей первой опере «Иван Сусанин» он воспользовался лишь одним русским народным мотивом, но от первой до последней ноты опера дышит живой русской песенностью, вступая в острый контраст с совершенно иной по характеру музыкой, рисующей в этой опере вражеский лагерь поляков.

Во второй, сказочно-эпической опере «Руслан и Людмила» нет уже ни одной подлинной русской мелодии, а музыка по всему духу такая же русская, как была и в «Сусанине».

Но есть у Глинки несколько сочинений, целиком построенных на мелодиях народных песен. Среди этих сочинений — гениальная «Камаринская», про которую Чайковский сказал, что в ней, «как дуб в желуде», — вся русская симфоническая музыка. Две простые русские песни положил Глинка в основу этого удивительного сочинения — свадебную песню «Из-за гор, гор высоких» и популярнейшую плясовую «Камаринскую».

Сам Глинка писал, что не собирался изображать в «Камаринской» то, «что происходит на свадьбах, как гуляет наш православный народ и как может запоздалый пьяный стучать в дверь, чтобы ему отворили». Как видно, он не собирался рисовать этой музыкой какую-то определенную сценку или картинку из русской жизни. Но хотел он того или не хотел, а, построив музыку на двух очень известных русских песнях, он все равно вызывает в воображении слушателей какие-то странички

из жизни русского народа — такова уж сила народных песен! А то, что простые песенные мелодии превратились в богато развитые симфонические мелодии, лишь умножает их силу.

Довольно часто пользовался народными мелодиями в своих сочинениях один из величайших русских композиторов — Петр Ильич Чайковский.

В начале этой главы мы с вами вспоминали игровую песню «Журавель» и протяжную «Во поле березынька стояла». Обеим этим песням Чайковский дал новую жизнь, включив их в свои симфонии: «Журавля» — во Вторую, а «Березыньку» — в Четвертую.

В обоих случаях очень простые, можно сказать, совсем незатейливые песенки превратились в симфонические мелодии и легли в основу радостно-громкозвучных финалов больших симфоний.

Сделались ли эти песни лучше или хуже оттого, что переселились в мир симфонической музыки? Такой вопрос и задавать не нужно. Тут ничего нельзя и не нужно сравнивать.

Ну конечно же, песня в звучании живых человеческих голосов так хороша, что, кажется, в ином звучании ее и представить себе невозможно. И все же только в симфоническом оркестре, в руках мастера-симфониста она может превратиться в такой ослепительный фейерверк разнообразных вариаций, в какой превратил Чайковский незатейливый, баловной мотив «Журавля».

Только в симфоническом оркестре из такой простенькой, даже наивной мелодии, как «Березынька», могла вырасти такая сочная картина народного праздника, какую мы слышим в финале Четвертой симфонии Чайковского. Сохранив всю свою песенную прелесть и красоту, она звучит здесь совсем по-новому: то возбужденно и радостно, то мягко и задумчиво, то резким и напряженным звучанием напоминает о драматических событиях, наполнявших первые части симфонии, то с безудержным хохотом несется мимо нас в веселом хороводе. Даже трудно понять, как такой скромный росток мог дать такое роскошное цветение!

Вот как простая народная песня привела нас в богатый и сложный мир симфонической музыки! Но не только народные песни окружают нас здесь.

Создание музыки. Композиторы песен на заказ

Если в строке поиска вы набирали «ищу композитора», «певцы и композиторы», или же «скачать композитор» , то здесь Вы найдете  много полезного. В разделе портала Artist.ru КОМПОЗИТОРЫ представлена информация от композиторов, создание музыки для которых является призванием. Если вы ищите композитора песен, то здесь Вы найдете русских композиторов, даже советских композиторов, которые смогут написать для Вас песню под ключ.

Композиторы

Композитор – это человек, который пишет (сочиняет) музыку. Слово «композитор» произошло от латинского compositor – “составитель”. Композитор отличается от исполнителя, тем, что исполнитель только играет произведение, а композитор его сочиняет. Однако такое деление, весьма условно, т.к. и композитор музыки является музыкантом. Вообще, создание музыки — это очень сложный процесс, требующий большого количества теоретических знаний, а также практических умений и навыков. Французский композитор, итальянский композитор, латышский композитор, а также немецкие композиторы – классики заложили основы музыкальной теории. Музыкальная теория определяет правила, используя которые современные композиторы создают музыку.

Создание музыки

Возможно, Вы не раз задавались вопросом: «как писать музыку?» Создание музыки – это сложный процесс. Знания гармоний, полифонии, оркестровки – это минимальный набор знаний, который необходим для создания музыки. Кроме перечисленных выше знаний, музыкальный композитор должен владеть каким-либо музыкальным инструментом, например, гитарой. Но лучше, если это будет фортепиано, так как оно помогает развивать фактурный слух, а широкий диапазон этого инструмента позволяет исполнять самые сложные партитуры. Навыки импровизации также помогают в этом нелегком деле – создании музыки. Результатом, созданного произведения будут ноты композиторов, по которым исполнитель в дальнейшем смогут сыграть написанное произведение.

Композиторы песен

Тема создания музыки, в частности написание песни достаточно актуальна. Новые композиторы появляются каждый день, при этом среди них встречаются очень талантливые. Написание песни на сегодня это одно из самых востребованных направлений на рынке услуг, которые предлагают композиторы песен. Композитор песни – это ее создатель. Имена композиторов песен сегодня достаточно известны, как и исполнителей этих песен.

Если Вы являетесь композитором, и Вы готовы предоставить свои услуги, по созданию музыки, в частности по написанию песен, то Вам необходимо зарегистрироваться на портале

Artist.ru, и ваши данные будут доступны в каталоге в разделе композиторы. Посетители нашего сайта смогут легко с вами связаться.

Вторая симфония Бородина, Шестая симфония Чайковского, Третья симфония Скрябина.

В мире музыки существуют единственные в своем роде, знаковые произведения, звуками которых и пишется летопись музыкальной жизни. Некоторые из этих сочинений представляют собой революционный прорыв в искусстве, другие отличаются сложной и глубокой концепцией, третьи поражают необыкновенной историей создания, четвертые являются своеобразной презентацией композиторского стиля, а пятые… настолько прекрасны по музыке, что не упомянуть их невозможно. К чести музыкального искусства, таких произведений очень много, и в качестве примера поговорим о пяти избранных русских симфониях, уникальность которых сложно переоценить.

Вторая (богатырская) симфония Александра Бородина (си-бемоль минор, 1869–1876)

В России ко второй половине XIX века в композиторской среде назрела идея фикс: пора создавать свою, русскую симфонию. К тому времени в Европе симфония отпраздновала столетний юбилей, пройдя все стадии эволюционной цепочки: от оперной увертюры, покинувшей театральные подмостки и исполнявшейся отдельно от оперы, до таких колоссов, как Симфония №9 Бетховена (1824) или Фантастическая симфония Берлиоза (1830). В России мода на этот жанр не прижилась: попробовали раз, другой (Дмитрий Бортнянский — Концертная симфония, 1790; Александр Алябьев — симфонии ми минор, ми-бемоль мажор) — да и оставили эту затею с тем, чтобы вернуться к ней десятилетия спустя в творчестве Антона Рубинштейна, Милия Балакирева, Николая Римского-Корсакова, Александра Бородина и других.

Упомянутые композиторы рассудили совершенно правильно, осознав, что единственное, чем может похвастаться русская симфония на фоне европейского изобилия, так это своим национальным колоритом. И Бородину в этом нет равных. Его музыка дышит раздольем бескрайних равнин, удалью русских витязей, задушевностью народных песен с их щемящей, трогательной ноткой. Эмблемой симфонии стала главная тема первой части, услышав которую, друг и наставник композитора, музыковед Владимир Стасов предложил два названия: сначала «Львица», а затем — более соответствующее идее: «Богатырская».

В отличие от симфонических полотен того же Бетховена или Берлиоза, основанных на человеческих страстях и переживаниях, Богатырская симфония повествует о времени, истории и народе. В музыке нет драматизма, нет ярко выраженного конфликта: она напоминает череду плавно сменяющихся картин. И это коренным образом отображается на структуре симфонии, где медленная часть, обычно стоящая на втором месте, и оживленное скерцо (традиционно шедшее после нее) меняются местами, а финал в обобщенном виде повторяет идеи первой части. Бородин таким способом сумел добиться максимального контраста в музыкальной иллюстрации национального эпоса, а структурная модель Богатырской впоследствии послужила образцом для эпических симфоний Глазунова, Мясковского и Прокофьева.

---

Шестая (патетическая) симфония Петра Чайковского (си минор, 1893)

Свидетельств, трактовок, попыток объяснить ее содержание существует столько, что вся характеристика этого сочинения могла бы состоять из цитат. Вот одна из них, из письма Чайковского к племяннику Владимиру Давыдову, которому симфония и посвящена: «Во время путешествия у меня явилась мысль другой симфонии, на этот раз программной, но с такой программой, которая останется для всех загадкой. Программа эта самая что ни на есть проникнутая субъективностью, и нередко во время странствования, мысленно сочиняя ее, я очень плакал». Что же эта за программа? В том Чайковский признается своей двоюродной сестре Анне Мерклинг, предположившей, что в этой симфонии он описал свою жизнь. «Да, ты угадала», — подтвердил композитор.

В начале 1890-х годов мысль о сочинении-мемуарах неоднократно посещала Чайковского. К этому времени относятся эскизы его неоконченной симфонии под названием «Жизнь». Судя по сохранившимся черновикам, композитор планировал изобразить некие абстрактные стадии жизни: юность, жажда деятельности, любовь, разочарование, смерть. Однако объективного замысла Чайковскому оказалось недостаточно, и работа прервалась, зато в Шестой симфонии он руководствуется уже исключительно личными переживаниями. Как же должна была изболеться душа композитора, чтобы родилась музыка с такой невероятной, потрясающей силой воздействия!

Лирико-трагические первая часть и финал неразрывно связаны с образом смерти (в разработке первой части цитируется тема духовного песнопения «Со святыми упокой»), о чем свидетельствовал и сам Чайковский, сославшись на эту симфонию в ответ на предложение великого князя Константина Романова написать «Реквием». Потому-то так остро воспринимаются светлое лирическое интермеццо (пятидольный вальс во второй части) и торжественно-триумфальное скерцо. О роли последнего в сочинении существует множество рассуждений. Как думается, Чайковский пытался показать тщетность земной славы и счастья перед лицом неотвратимой утраты, тем самым подтверждая великое изречение Соломона: «Всё проходит. Пройдет и это».

---

Третья симфония («Божественная поэма») Александра Скрябина (до минор, 1904)

Если темным осенним вечером вам доведется побывать в Доме-музее Александра Скрябина в Москве, вы непременно почувствуете ту жутковато-таинственную атмосферу, окружавшую композитора при жизни. Странное сооружение из цветных лампочек на столе в гостиной, пухлые тома по философии и оккультизму за мутным стеклом дверцы книжного шкафа, наконец, аскетического вида спальня, где Скрябин, всю жизнь боявшийся умереть от заражения крови, скончался от сепсиса. Мрачноватое и загадочное место, прекрасно демонстрирующее мировоззрение композитора.

Не менее показательна для характеристики скрябинского мышления его Третья симфония, открывающая так называемый средний период творчества. В это время Скрябин постепенно формулирует свои философские воззрения, суть которых в том, что весь мир — это результат собственного творчества и собственной мысли (солипсизм в крайней стадии) и что создание мира и создание искусства, по сути, аналогичные процессы. Протекают эти процессы так: из первичного хаоса творческого томления зарождаются два начала — активное и пассивное (мужское и женское). Первое несет в себе божественную энергию, второе порождает мир материальный с его природными красотами. Взаимодействие этих начал создает космический эрос, приводящий к экстазу — свободному торжеству духа.

Как бы странно ни звучало все вышеизложенное, Скрябин искренне верил в эту модель Бытия, по которой и написана Третья симфония. Ее первая часть носит название «Борения» (борьба человека-раба, покорного верховному Властителю мира, и человека-бога), вторая — «Наслаждения» (человек отдается радостям чувственного мира, растворяется в природе), и, наконец, третья — «Божественная игра» (освобожденный дух, «создающий вселенную одной лишь властью своей творческой воли», постигает «возвышенную радость свободной деятельности»). Но философия философией, а музыка сама по себе дивная, раскрывающая все тембровые возможности симфонического оркестра.

---

Первая (классическая) симфония Сергея Прокофьева (ре мажор, 1916–1917)

На дворе 1917 год, тяжелые военные годы, революция. Казалось бы, искусство должно мрачно насупить брови и повествовать о наболевшем. Но горестные раздумья не для музыки Прокофьева — солнечной, искрящейся, по-юношески обаятельной. Такова его Первая симфония.

Творчеством венских классиков композитор интересовался еще в студенческие годы. Теперь же из-под его пера вышло сочинение, а ля Гайдн. «Мне казалось, что, если бы Гайдн дожил до наших дней, он сохранил бы свою манеру письма и в то же время воспринял кое-что от нового», — прокомментировал Прокофьев свое детище.

Состав оркестра композитор избрал скромный, опять же в духе венского классицизма — без тяжелой меди. Фактура и оркестровка — светлые, прозрачные, масштабы произведения не велики, композиция отличается стройностью и логичностью. Словом, очень напоминает сочинение классицизма, по ошибке родившееся в ХХ веке. Однако есть и чисто прокофьевские эмблемы, например излюбленный им жанр гавота в третьей части вместо скерцо (позднее композитор использует этот музыкальный материал в балете «Ромео и Джульетта»), а также острая «с перчинкой» гармония и бездна музыкального юмора.

---

Седьмая (ленинградская) симфония Дмитрия Шостаковича (до мажор, 1941)

2 июля 1942 года двадцатилетний летчик лейтенант Литвинов, чудом прорвавшись сквозь вражеское окружение, сумел привезти в блокадный Ленинград медикаменты и четыре пухлые нотные тетради с партитурой Седьмой симфонии Д.Д. Шостаковича, а на следующий день в «Ленинградской правде» появилась короткая заметка: «В Ленинград доставлена на самолете партитура Седьмой симфонии Дмитрия Шостаковича. Публичное исполнение ее состоится в Большом зале Филармонии».

Событие, аналогов которому история музыки еще не знала: в осажденном городе страшно истощенные музыканты (участвовали все, кто остался в живых) под управлением дирижера Карла Элиасберга исполнили новую симфонию Шостаковича. Ту самую, которую композитор сочинял в первые недели блокады, пока его с семьей не эвакуировали в Куйбышев (Самару). В день ленинградской премьеры, 9 августа 1942 года, Большой зал Ленинградской филармонии был до отказа заполнен обессиленными жителями города с полупрозрачными лицами, но при этом в нарядных одеждах, и военными, приехавшими прямо с передовой. Через динамики по радио симфония транслировалась на улицах. В этот вечер весь мир, замерев, внимал небывалому подвигу музыкантов.

…Примечательно, но знаменитая тема в духе равелевского «Болеро», которую теперь принято олицетворять с бездумно движущейся и уничтожающей всё на своем пути фашистской армией, была написана Шостаковичем еще до начала войны. Однако в первую часть Ленинградской симфонии она вошла вполне закономерно, заняв место так называемого «эпизода нашествия». Провидческим оказался и жизнеутверждающий финал, предвосхитивший вожделенную Победу, от которой его отделяли еще такие долгие три с половиной года…

Автор: Татьяна Любомирская

Как создавал шедевры потерявший слух композитор Бетховен — Российская газета

Великий Бетховен, чей 250-летний юбилей отмечается в этом году, свою знаменитую «Девятую симфонию» и другие известные произведения создал, практически полностью потеряв слух. Как такое возможно? Этот феномен для «РГ» объяснил один из авторитетных отоларингологов, заместитель главного врача московской городской больницы № 29, профессор Михаил Григорьевич Лейзерман:

— С 20 лет Бетховен начал ощущать шум в ушах (тинитус), который постепенно усиливался и был одним из признаков заболевания внутреннего уха. Это в дальнейшем привело к глухоте. Причины заболевания композитора неизвестны. Однако исследования немецких ученых показали, что в волосах и костях Бетховена было повышено содержание свинца, попавшего в организм, вероятно, из бокалов для вина, в стенках которых был свинец, или из самого вина из-за добавок свинца, использовавшегося в то время в качестве усилителя вкуса. Свинец вызвал хроническую интоксикацию, проявлением которой и стало поражение слуховых нервов, а также печени и почек. Это было обнаружено при вскрытии. А умер великий глухой в возрасте всего 55 лет!

Встает вопрос: а как же, не слыша звуков, можно было писать и исполнять музыку? Для ответа необходимо знать, что при воздействии звука на ухо существует два вида проводимости. Воздушная — когда ушная раковина, слуховой проход, барабанная перепонка, слуховые косточки передают колебания на жидкости внутреннего уха. И костная — когда колебания костных капсул лабиринта передаются на жидкостные составляющие внутреннего уха. Поэтому при проверке слуха камертонами или на аудиометре мы отмечаем значения как воздушной, так и костной проводимости и.

Если взять камертон и приложить его к костям черепа или к передним зубам, мы почувствуем вибрацию и услышим звук. Это и будет результатом проверки костной проводимости. Именно этим способом и воспользовался великий и глухой композитор. Вначале он применял специальный «ушной рожок» с расширением на конце. А потом стал брать в сжатые зубы деревянную палочку, которая вторым концом упиралась в переднюю панель фортепьяно! Таким образом он различал звуки. Бетховен обладал необыкновенными музыкальными способностями, позволяющими ему сочинять музыку «мысленно», а потом уже записывать ноты. Среди больших музыкантов есть люди, которые также способны «играть музыку мысленно». Однако делать это при почти полной глухоте способен был лишь гениальный Бетховен!

Если у поэтов мысли складываются в стихи, то у больших музыкантов в голове звучат мелодии. Это дар свыше. Дар, дарованный природой. Это врожденные способности, которые могут стать основой гениальности. Поэтому задача родителей и педагогов — понять и развить эти задатки, направить их в нужное русло, и тогда, возможно, появится гениальный композитор, певец или скрипач!

Кстати, в настоящее время людям с выраженным снижением слуха проводится специальное лечение, а при его неэффективности подбирается слуховой аппарат, который также может быть использован для улучшения слуха как по воздуху (в слуховой проход) или по кости (в заушную область), или в сочетании этих способов передачи звука. Кроме того, один из современных способов помощи глухим пациентам — кохлеарная имплантация, когда специальный имплантат устанавливается в тканях черепа и передает звуковые волны непосредственно во внутреннее ухо.

Вероятно, сегодня Бетховену можно было бы помочь услышать свою музыку

Ныне специализированная помощь слабослышащим и глухим пациентам на достойном уровне и способна улучшить слух абсолютному большинству больных. Жаль, что Бетховен не дожил до наших дней! Вероятно, ему можно было бы помочь услышать свою музыку даже без помощи деревянной палочки в зубах.

Подберу музыку к дождю – Учительская газета

Наше общение началось с шутки. Студенты рассказали анекдот о Шостаковиче, у которого соображающие на троих пытались выяснить, кем работает композитор. Профессия эта настолько редкая, что сложно представить себе, что на вопрос о профессии кто-то ответит: «Композитор». Но, несмотря на такие диссонансы современного восприятия, в Петрозаводской государственной консерватории имени А.К.Глазунова работает кафедра теории музыки и композиции, где и учатся будущие композиторы.

«Конса» – так любовно студенты называют образовательную организацию, в которой учатся молодые люди из российских городов и разных стран. Петрозаводская консерватория – единственная на Северо-Западе, дальше Петербург и Москва. По рейтингам в десятке сильнейших. По бонусам – отремонтированное здание консерватории, уютное общежитие, современная библиотека, фонотека, три концертных зала, бесплатная звукозапись для студентов.
Четвертый этаж. Небольшая аудитория, где умещаются два рояля, пара столов, шкаф и стулья. Здесь обитают композиторы.
– Осторожно! – предупреждает преподаватель кафедры теории музыки и композиции Полина Крышень. – В аудитории превышено количество композиторов на квадратный метр.

Полина Викторовна, студенты зовут между собой преподавателя ПВ, вокруг себя распространяет ауру неформального общения. В учениках ПВ души не чает, каждого слушает внимательно, в каждом видит талант и способности… Еще бы!
Первокурсник Максим Бобин приехал в консерваторию из Архангельска и пишет фортепианную сонату и духовой квартет. Студент второго курса Паша Жебелев, тоже архангелогородец, создал струнный квартет. Татьяна Попова из Вологды на третьем курсе работает над концептуальным программным циклом для смешанного состава. Четверокурсники и вовсе творят в крупных жанрах. Так, Даниил Попов из Сыктывкара завершает создание кантаты. Петербуржец Александр Гагулашвили пишет симфонию. Выпускница консерватории этого года Олеся Величко из Воркуты создала три картины для оркестра, премьера концерта прошла 27 мая в Большом зале консерватории.

– Композитор – это скорее о призвании, потребности создавать музыку. Иногда и уверенности нет, что сочинение будет сыграно, – рассказывает Полина Крышень о том, как соединяются творчество и жизнь. – Как это ни странно, но композиторы, как и много веков назад, пишут в стол. Высшее музыкальное образование позволяет, например, преподавать в музыкальной школе, колледже, в общеобразовательной школе вести музыку… Студенты консерватории, как правило, уже работают.
Выбор собственного пути, не профессии, может быть предопределен в детстве, в музыкальной школе.
– Раньше в музыкальной школе у детей был курс композиции, но из-за тенденции к сокращению часов и оптимизации теперь сочинять детей не учат, – рассказывает Полина Викторовна, которая занимается со школьниками и учит азам композиторского искусства. – Знаю, остались дети, которые пишут музыку. Сама поддерживаю нескольких таких ребят, в том числе и из районов республики.
Понятно, что помогают не каждому талантливому ребенку, но те, кто сочиняет музыку и без нот с инструментом жизни не мыслит, поступают в музыкальный колледж, а там как раз и есть курс композиции, в рамках которого студент сочиняет.
– Путь до нашей кафедры у каждого свой. В композиторы приходят уже люди сложившиеся, которым есть что сказать, – продолжает рассказывать Полина Крышень. – Иногда в консерваторию поступают после колледжа, где учатся четыре года, реже после 11‑го класса. Обычно студенты посещают музыкальную школу, это семь-восемь лет занятий параллельно с общеобразовательной школой.
Так что для того, чтобы стать композитором, требуется лет пятнадцать. Но вопрос о том, как научиться сочинять музыку, у студентов вызывает заминку.
– Никто не скажет ни точно, ни приблизительно, – нарушает молчание преподаватель. – Все индивидуально и совершенно не поддается описанию. Одни пишут быстро, другие днями сидят за инструментом, отрешившись от действительности. Композитору иногда легче писать для кого-то и знать, что произведение сыграют, но так наверняка бывает только в годы студенчества…
Более 30 лет композицию на кафедре вел профессор Александр Белобородов, известный композитор России и Карелии. После ухода из жизни в 2016 году класс перешел к его выпускнице Полине Крышень, члену Союза композиторов России, лауреату международных конкурсов, автору камерных и хоровых сочинений. В кабинете на подоконниках разложены книги из личной библиотеки композитора, которые отдала студентам вдова Александра Белобородова.
Вопрос о том, как зарабатывать композитору, вызывает легкую растерянность у студентов. На вопрос отвечает Александр, который уверен, что можно и рекламу для радио и телевидения писать, и для сериалов музыку создавать. Александр из Петербурга. Чувствуется, что он лучше остальных знает, как не пропасть.
… Говоря о впечатлениях, связанных с творческой жизнью, студенты вспоминают поездки. В этом они солидарны с преподавателем Полиной Викторовной: чтобы развиваться, нужно выезжать, встречаться с коллегами на конкурсных и фестивальных площадках, играть, сочинять, ощущать биение жизни. В 2018 году карельская делегация побывала на Всероссийском конкурсе композиции имени C.С.Прокофьева в Королеве Московской области. В 2019 году карельские студенты-композиторы стали участниками IV Международного конкурса-фестиваля молодых музыкантов имени А.Я.Эшпая в Йошкар-Оле. Студенты Полины Крышень – лауреаты российских и международных конкурсов.
Есть у студентов и преподавателя мечта – организовать фестиваль в Петрозаводске, где композиторы разных уровней и возрастов могли бы сыграть собственную музыку. «Не на оценку, не для соревнования, кто лучше и сильнее, а чтобы обменяться идеями, получить поддержку творческого сообщества и почувствовать радость общения», – мечтает Полина Крышень.

Петрозаводск

Композитор, которому жаль. Пять необычных фактов о Фредерике Шопене

Однажды кто-то спросил у Фредерика Шопена, каким словом он мог бы описать настроение всех своих произведений. Композитор подумал и сказал, что в его родном польском языке есть слово «жаль» (zal). И в нем для Шопена заключалась целая радуга чувств: скорбь, ненависть, печать, предчувствие угрозы. Такую окраску он приписывал своему творчеству. 

Станислав Рихтер, прославленный русский пианист, говорил про него: «Таинственный, дьявольский, женственный, непонятный, всем понятный трагический Шопен». Такой же разной была и его жизнь, но, пожалуй, в большей степени она была трагичной. 

‘ YouTube / Tiffany Poon’

Родившись в 1810 году в музыкальной семье, он был с детства будто окутан каким-то неземным флером — у него были голубые глаза, белая, почти прозрачная кожа, а сам он проявлял удивительные интеллектуальные способности. Маленький Фредерик буквально проглатывает книгу за книгой, сочиняет стихи, концертирует с восьми лет, даже рисует. Его привлекают народное творчество и музыка, потому особое место в его жизни займут мазурки — польские танцы. А многие шопеновские мелодии появятся из простых песен, будут написаны в народных ладах, содержать народную ритмику, а иногда даже имитировать звучание разных национальных инструментов. Например, как в Балладе №2, F-dur (Оp. 38).

‘ YouTube / Chopin Institute’

Великий русский композитор и пианист Антон Рубинштейн сказал про Шопена легендарную фразу, которая есть во всех учебниках по музыкальной литературе: «Шопен — это бард, рапсод, дух, душа фортепиано». Поляк всего себя посвятил музыке, а именно — этому инструменту, действительно заставив его петь. 

Шопен музицировал в темноте

Еще будучи ребенком, Фредерик страдал от ночных кошмаров и эпилепсии, но, несмотря на это, прямо посреди ночи он мог вскочить с кровати и побежать к фортепиано что-нибудь наигрывать. 

Позже он понял, что темнота дает ему настроиться на нужную волну. Поэтому, музицируя, он просил погасить все свечи, даже если был в гостях, при огромном количестве людей. Эта привычка сохранилась у него до конца жизни.  

«Фредерик Шопен в артистическом салоне Антония Радзивилла, Берлин, 1829 год», Генрих Семирадский

© Fine Art Photographic Library/CORBIS/Corbis via Getty Images

В этом есть смысл, особенно если обратиться к его популярным ноктюрнам (в переводе с французского «ночной»). Их еще иногда называют песнями при луне. Как правило, это небольшая пьеса лирического характера — его ранние работы в этом жанре именно такие. Послушайте один из самых знаменитых — Ноктюрн №2, Es-dur (Оp. 9), написанный 1829–1830 годах.

‘ YouTube / Chopin Institute’

Всего Шопен написал более двух десятков ноктюрнов, и более поздние миниатюры не похожи на ранние — они мрачные, со сложной гармонией и драматическим сюжетом. Один из таких примеров — Ноктюрн №1, c-moll (Оp. 48), который он написал за семь лет до смерти, в 1841 году.

‘ YouTube / Chopin Institute’

Шопен писал исключительно для фортепиано

Как бы странно это ни звучало, но такой большой композитор не писал больших произведений для оркестра или ансамбля. Ну, в целом не писал. Он, скажем так, пробовал — у него есть, например, два концерта для фортепиано с оркестром, и их даже исполняют на больших конкурсах или на концертах. Но все это были ранние опусы, когда он еще только искал себя. А нашел, как известно, в миниатюрах для фортепиано. 

Возможно, это было связано с тем, что сам Шопен предпочитал играть не на большую аудиторию, а в маленьких салонах. Он вообще не любил публичные выступления — за всю свою карьеру дал от силы три десятка живых концертов. Он был таким странным исключением из правил, учитывая то, что многие музыканты зарабатывали (и до сих пор зарабатывают) в основном именно этим. 

Между тем Шопен был превосходным пианистом. О нем писали: «Совершенно не верится, что эта музыка создана человеком», «Он играл так самозабвенно, как никакой другой музыкант…» Про него говорили: «Единственный в своем роде, непохожий ни на одного музыканта». А многие исполнители-современники признавались, что исполнить его музыку так же, как это делал он, — невозможно. Послушайте, как Шопена играет другой великий композитор — Сергей Рахманинов.

‘ YouTube / classicalrarities’

Шопен придумал специальное приспособление для растяжки пальцев

У Шопена была небольшая ладонь. Возможно, поэтому у него так много красивых филигранных произведений, как говорят пианисты, на мелкую технику. Послушайте его «Фантазию-экспромт» (Оp. post. 66) с такими пассажами. 

‘ YouTube / Chopin Institute’

Но чтобы быть настоящим виртуозом, нужно уметь совладать с любой техникой. Поэтому он придумал некий прибор, который носил с самой юности, даже во сне. Хотя он, конечно, приносил нестирпимую боль, но был, безусловно, очень эффективным. С помощью растяжки композитор и пианист мог работать со своей давней проблемой — сложными большими аккордами.   

Похожий способ был и у его современника — композитора Роберта Шумана. Тот фиксировал свои пальцы в растянутом положении, это закончилось довольно серьезной травмой, из-за чего Шуману пришлось закончить карьеру пианиста. 

Шедевральный «Собачий вальс» Шопен написал по просьбе любимой

Они познакомились в Париже, в 1837 году. Аврору Дюпен знали под именем Жорж Санд, она была довольно знаменитой писательницей и эпатажной личностью — носила брюки, курила трубку, но, несмотря на это, была натурой чрезвычайно тонкой, нежной и влюбчивой (она была любовницей Проспера Мериме, Альфреда Мюссе и многих других).

«Портрет Жорж Санд и Фредерика Шопена» по наброску Эжена Делакруа

© Public Domain/PD-Art via Wikimedia Commons

Однажды в салоне у композитора и пианиста Ференца Листа собралась литературная и музыкальная аристократия. В тот вечер Шопен впервые увидел свою будущую возлюбленную. «Какая малоприятная женщина», — сказал он, влюбился в нее и прожил с ней девять лет своей жизни. 

Их отношения были очень нежными, Аврора всегда заботилась о своем возлюбленном, проявляя к нему чуткость и трепетность, ведь у Шопена было довольно слабое здоровье. Тот всегда отвечал ей взаимностью. Однажды, когда женщина играла со своей собачкой, она сказала, что если бы сама была композитором, то обязательно бы сочинила для своей собачки что-то шедевральное. Ну, Шопен и написал вальс, который впоследствии назовут «Собачьим вальсом», или «Вальсом маленькой собачки» (не тот, который из «Джентльменов удачи», а другой). 

‘ YouTube / Chopin Institute’

В 1847 году их отношения закончились — композитор, который в тот момент уже страдал от туберкулеза, собрав все вещи, покинул поместье Жорж Санд в Париже. Это для столь хрупкой натуры, как Фредерик Шопен, стало очередным ударом, который он с трудом мог перенести.

Шопен глубоко переживал разлуку с родиной

В 1829 году в Варшаве прошла коронация русского императора Николая I. Это привело к гражданским волнениям, и 2 ноября 1830 года Шопен покидает Варшаву. Его друзья устроили ему пышные проводы и подарили сосуд с польской землей. Принимая его, композитор заявил, что уже никогда не сможет вернуться на родину. Эти слова оказались пророческими. 

Как известно, восстание не увенчалось успехом. Приняв эти события близко к сердцу, Шопен написал свой знаменитый «Революционный этюд». 

‘ YouTube / Chopin Institute’

Композитор написал более пяти десятков мазурок — польских народных танцев. Тяжело переживая разлуку с родиной, он создал свою последнюю, пожалуй, самую проникновенную и печальную, Мазурку №4, f-moll (Оp. post. 68). 

‘ YouTube / Chopin Institute’

В 1848 году, незадолго до смерти, композитор отправился в свое последнее турне — по Англии и Шотландии. Климат этих стран, как и переживание разрыва с Жорж Санд, пагубно сказались на его и без того хрупком здоровье. Вернувшись в Париж, великий композитор скончался в октябре 1849 года. Сердце Фредерика Шопена, согласно его желанию, было возвращено на родину, в Польшу. Оно хранится в церкви Святого Креста, где его замуровали в одну из колонн.

Композиторы — участники ВОВ.

Композиторы – участники ВОВ

 

            Они были разными людьми. Людьми разных национальностей и разных талантов. Но все они были музыкантами, мечтали о большой карьере, славе, аплодисментах… Им было немного лет, и жизнь представлялась длинной. А у некоторых она оказалась совсем короткой. В преддверии Дня Победы мы вспоминаем композиторов, которые воевали на фронтах Великой Отечественной, а некоторые не вернулись…

Яруллин Фарид Загидуллович – родился в Казани в 1914 году. Учился на рабфаке, затем окончил Московскую консерваторию по классу композиции Генриха Литинского. Автор первого национального татарского балета «Шурале». Сочинял музыку для камерных инструментальных ансамблей – квартеты, трио, сонаты, пьесы, а также песни и романсы. Был призван в армию в июле 1941 года. Погиб на фронте.
Дунаевский Исаак Осипович – родился в 1900 году. В 1919-м окончил Харьковскую консерваторию по классу скрипки. В 20-х годах руководитель московских театров – «Эрмитажа» и Театра Сатиры. Пишет музыку к фильмам «Веселые ребята», «Цирк», «Волга-Волга». Возглавляет Ленинградский союз композиторов. Во время Великой отечественной войны руководит Ансамблем песни и пляски железнодорожников. Много выступал по всей стране. Создал более 70-ти музыкальных произведений на военную тему.

Хренников Тихон Николаевич – родился в 1913 году. В 1936-м оканчивает Московскую консерваторию по классу композиции. Ученик Виссариона Шебалина. Пишет оперу «В бурю», музыку к спектаклям и кинофильмам. Во время Великой Отечественной войны принимает участие в концертах для солдат на передовой. Вместе с армией Чуйкова вступает в Берлин в мае 1945 года. С 1948 по 1991 год – генеральный секретарь Союза композиторов СССР. Автор большого числа крупных сочинений, в том числе оперы «Мать», балетов «Любовью за любовь» и «Наполеон Бонапарт».
Фрид Григорий Самуилович – родился в 1915 году. В 1939-м окончил Московскую консерваторию по классу композиции. Ученик Виссариона Шебалина. Во время Второй мировой войны выступал на передовой в составе фронтового музыкального ансамбля. После окончания войны преподавал в Московской консерватории. Автор моноопер «Дневник Анны Франк» и «Письма Ван Гога», вокально-инструментальных концертов, музыки к драматическим спектаклям и кинофильмам.
Мурадели Вано Ильич – родился в 1908 году в Гори. В 1931-м окончил Тбилисскую консерваторию по классу композиции. Стажировался в Московской консерватории в классе Мясковского. С 1942 по 1944 год руководитель Центрального ансамбля Военно-морского флота СССР, с которым выступал на передовой. Автор ряда опер, оркестровых и вокально-симфонических сочинений, музыки к кинофильмам и популярных песен.

Латыпов Масгут Галеевич (1913-1987) – известный татарский композитор, дирижер, заслуженный деятель искусств ТАССР, один из основоположников профессионального татарского музыкального искусства, участник Великой Отечественной войны. Родился 23 августа 1913 г. в Сергиополе (ныне Аягуз Республики Казахстан).
Родители Масгута Галеевича были казанскими учителями, приехавшими в Сергиополь по приглашению для открытия татарской школы. С раннего детства у мальчика обнаружились большие музыкальные способности, но возможность учиться музыке появляется лишь после возвращения семьи в 1925 г. в Казань. В Казани Масгут берет уроки игры на духовых инструментах у своих дядей Хасана и Салиха Зульфокаровых и играет в их оркестрах. Постепенно музыка начинает занимать главное место в его жизни и для получения профессионального образования он в 1932 г. едет в Москву, где поступает на рабфак при Московской государственной консерватории (в класс тромбона профессора В.М. Блажевича). В 1934 г. переводится в музыкальное училище при консерватории, где проходит курс композиции у профессора Е.О. Месснера. Начало его творческой деятельности связано с оркестром НКВД Московской области. Для этого оркестра он сочиняет свои первые музыкальные произведения: “Татарская сюита”, марш “Красная Армия”, удостоенный премии конкурса маршей для духового оркестра (1936) и изданный Музгизом.
В 1936 г. М. Латыпов поступает в Татарскую оперную студию при Московской государственной консерватории по классу композиции профессора Г.И. Литинского, которую заканчивает в 1941 г. Талантливый ученик жадно впитывал все, чему его учили маститые наставники-педагоги. В эти же годы тесные узы дружбы связывали его с татарскими композиторами, объединенными вокруг Татарской оперной студии – Ф. Яруллиным, Н. Жигановым, Дж. Файзи, З. Хабибуллиным, С. Сайдашевым. В сентябре 1939 г. М.Г. Латыпов вместе с ними вступает в члены Союза композиторов ТАССР. К этому времени относится создание романсов “Радостная весть” на слова М. Джалиля, “Любовь моя” на слова Н. Валеевой, “Я здесь, Инезилья” на слова А. Пушкина в переводе М. Джалиля, массовых песен, песен для детей, обработок татарских народных песен, а также работа над операми “Сафа” (либретто А. Файзи) и “Зульхиджа” (либретто А. Ерикея). Творческая деятельность М. Латыпова в эти годы протекала активно и плодотворно. Накануне Великой Отечественной войны в 1940 г. в Москве состоялся авторский концерт композитора, в котором прозвучали дуэты и арии из его опер “Сафа” и “Зульхиджа”, квартет для деревянно-духовых инструментов, вариации для арфы, обработки татарских и башкирских народных песен, романсы на слова Г. Тукая и И. Саитова. 
Летом 1941 г. М. Латыпова призвали на фронт. В это же время на войну уходят его друзья-композиторы Ф. Яруллин и З. Хабибуллин. Свой боевой путь М. Латыпов начал под Москвой в составе 360-й стрелковой дивизии 4-й Ударной армии. Участвовал в боях за освобождение городов Осташково, Торопец, Велиж, Великие Луки, Невель, Даугавпилс, Клайпеда, Кенигсберг. 
В первые дни формирования дивизии М. Латыпову было поручено организовать военно-духовые оркестры. Впоследствии М. Латыпов был назначен начальником и художественным руководителем Ансамбля песни и пляски 360-й стрелковой дивизии (1943-1945). На фронте по инициативе М. Латыпова был сформирован оркестр из детей ­сирот, подобранных на дорогах войны. Военно-музыкальное обучение проводилось в школе, организованной специально для них. Творческая деятельность М. Латыпова продолжалась и в военные годы. На фронте он пишет кантату для солиста, хора и оркестра “Большая любовь” на слова М. Солянникова и М. Клипиницера. Под звуки созданных им многочисленных маршей и песен воинские формирования уходили на передовую. Трижды раненый, награжденный двумя орденами (орден Отечественной войны и орден Красной Звезды) и восемью медалями, М.Г. Латыпов заканчивает свой фронтовой путь в 1945 г. в Клайпеде. 
В сентябре 1945 г. М. Латыпов возвращается в Казань и передает только что открывшейся консерватории большое количество ценных клавиров и партитур немецких изданий, найденных им в разрушенном доме Кенигсберга. В этом же году он приступает к преподавательской работе в консерватории и одновременно руководит Окружным ансамблем песни и пляски Казанского военного округа (1945-1946), а после его расформирования ансамблями песни и пляски Приволжского военного округа (1946-1950) и Восточно-Сибирского военного округа (1950-1953). За этот период композитором были написаны три кантаты, сюита для симфонического оркестра “После победы”, романсы на слова М. Ногмана, С. Шакира, Г. Насретдинова, множество песен. В качестве руководителя военных ансамблей М. Латыпов сделал много обработок мелодий популярной советской музыки. 
В 1953 г. после демобилизации М.Г. Латыпов вновь вернулся в Казань. Среди произведений, созданных им в 50-е гг., – “Кантата о Родине” на слова М. Хусаина, кантата “Столице нашей отчизны – Москве” на слова Н. Исанбета, “Танцевальная сюита” для оркестра народных инструментов, романсы и песни на слова Н. Даули, Н. Арсланова, И. Юзеева, М. Ногмана, А. Еники, С. Хакима, обработки татарских народных песен для хора. 
В 1956 г. М. Латыпову было поручено создание Ансамбля песни и пляски нефтяников Татарии для участия в Декаде татарского искусства и литературы в Москве (1957). Концертная программа, подготовленная под его руководством, имела огромный успех. 
Творческая и просветительская деятельность композитора получила высокую оценку: в 1957 г. М.Г. Латыпову было присвоено почетное звание “Заслуженный деятель искусств ТАССР”. 
В 1960-х гг. в республике получили широкое признание созданные и руководимые М.Г. Латыповым молодежные духовые оркестры в Кукморе и Лениногорске. Большой популярностью пользовался духовой оркестр “Сармановские цветы”, состоявший из ста девушек. В эти и последующие годы М.Г. Латыпов продолжал создавать новые сочинения. Им было написано 8 хоровых циклов, в том числе “Песни, ведшие в бой” на слова советских поэтов, “Песнь о современнике” – вокально-симфоническая поэма в семи частях на слова М. Хусаина, камерноинструментальная музыка, пьесы для инструментальных ансамблей, песни и романсы на слова татарских поэтов, три сюиты для духового оркестра. Многие его песни опубликованы в сборниках, вошли в репертуар татарских исполнителей и получили широкое признание. Его песня “Кырда” (“В поле”) стала поистине народной.
М.Г. Латыпов умер 9 апреля 1987 г. На доме 17 по ул. Горького, в котором проживал композитор, установлена мемориальная доска. В 1994-2006 гг. издательством Еникеевой были изданы хоровые, инструментальные и вокальные произведения М.Г. Латыпова. Начиная с 1998 г. в ежегодном конкурсе молодых исполнителей Татарстана, учрежденном сыном композитора Рустамом Латыповым, исполняются произведения М.Г. Латыпова для фортепиано, скрипки и виолончели. 
В 2003 г. к 90-летию со дня рождения М.Г. Латыпова была сделана видеозапись из хоровых произведений композитора в исполнении солистов, хора и оркестра Татарского академического театра оперы и балета им. М. Джалиля (дирижер Р. Салаватов). 
Имя Масгута Галеевича носит улица в Вахитовском районе Казани. 

Хабибуллин Загид Валеевич родился 20 сентября 1910 г. в г. Орске Оренбургской области. Жизненный путь композитора был непрост. Его детство пришлось на тяжелые годы гражданской войны, голода и разрухи. В девять лет мальчик остался без родителей, некоторое время воспитывался в детдоме, из которого вскоре сбежал и стал бродяжничать. Его жестоко били за то, что он отказывался воровать, и тогда сирота бежал в Актюбинск, где нашел себе приют в чайхане. Так вспоминал Загид Хабибуллин о своем знакомстве со скрипкой: «…устроился работать в чайхану, мыл посуду, выполнял любые поручения. В чайхане был свой музыкальный ансамбль, в котором играли талантливые самоучки.(…) По мусульманским законам в пятницу чайхана не работала. Музыканты днем репетировали, я слушал, как они играют, благо, жил прямо при чайхане, а потом стал подбирать по слуху. Один из музыкантов, латыш по национальности, однажды застал меня за этим занятием и показал, как надо играть на скрипке. С тех пор я не расстаюсь со скрипкой.(…) Я подбирал на ней все мелодии, которые слышал. В основном это были казахские и татарские народные песни. Видимо, я преуспевал в игре на скрипке, так как вскоре меня стали заставлять играть при именитых гостях. Мною «угощали» клиентов, как диковинкой. Чуть что: «Загид, сыграй».

    Однажды в Актюбинск приехали известные татарские музыканты Г.Альмухаметов и С.Габаши. После концерта они зашли в чайхану. Услышав там игру скрипача-самоучки Загида Хабибуллина, С.Габаши стал уговаривать его приехать в Казань и дал свой адрес. Так целеустремленный мальчик, привыкший к невзгодам и лишениям, начинает копить деньги на дорогу в неведомую Казань.

     В 1927 г. Загид Хабибуллин приехал в Казань. Ему было уже семнадцать лет. Со скрипкой в руках он явился в музыкальное училище, где играл перед внушительной комиссией, в состав которой входили А.Литвинов, Р.Поляков, М.Пятницкая, А.Васильев, Г.Корбут и др. И стал студентом Казанского музыкального училища. В годы учебы в музыкальном училище выявились творческие способности будущего композитора: он пробует писать небольшие пьесы для скрипки и фортепиано.

     «Это были трудные годы. Приходилось и учиться, и работать» – вспоминал Загид.

    Помимо игры в оркестре С.Сайдашева в татарском академическом театре, вскоре он стал руководить музыкальной частью рабочего театра при льнокомбинатском доме культуры в Заречье. Пишет песни, марши и танцы к спектаклям. Так начинается большой путь Загида Хабибуллина в музыке и искусстве.

    Ощущая свое призвание композитора, молодой музыкант Загид Хабибуллин в 1934 году едет продолжать учебу в Москву, где он был принят на 2 курс композиторского отделения рабфака при Московской консерватории в класс профессора М.Ф.Гнесина, а затем продолжил учебу в Татарской оперной студии по классу сочинения профессора Г.И.Литинского. В годы учебы в Казани и Москве Загид сближается с видными татарскими писателями, поэтами, деятелями театра, познает национальную литературу и фольклор. Близко дружит с С. Сайдашевым, Ф.Яруллиным, М.Джалилем, Х.Такташем.

   В Москве довольно определенно формируются характерные черты его творчества, отличающиеся стремлением композитора к яркой выразительности музыки, жанровой характерности и почти зримой выразительности музыкальных образов.

  З.Хабибуллин пишет разнообразные произведения: песни, пьесы для отдельных инструментов (трубы, кларнета, скрипки), «Татарский марш» для инструментального ансамбля, обрабатывает народные песни. Но, обращаясь к различным жанрам, именно в песенном жанре ощущает родную для себя стихию. В эти годы им написано более 50 песен, отличающихся разнообразием тематики, богатством мелодико-ритмических рисунков, эмоциональной емкостью и выразительностью. Многие его песни обрели большую популярность и стали подлинно народными (вспомним, к примеру, его песню «Сагыну» (Томление) на слова М.Джалиля). Творчество композитора сыграло значительную роль в становлении и развитии песенного жанра в татарской музыкальной культуре.

   В 1940 году З.Хабибуллин возвращается в Казань и начинает работу в инструментальном ансамбле Татарской государственной филармонии.

    Вскоре вспыхнула война. В первые же дни Великой Отечественной войны З.Хабибуллин был призван в ряды Красной Армии. В день отъезда своей части из Казани композитор написал песню «Возвращайся с победой» на только что сочиненный писателем К.Наджми текст. Находясь в армии, в короткие минуты отдыха он продолжает заниматься творчеством. Пишет различные песни, разящие врага, в том числе частушки, хлесткие задорные припевки. Из произведений суровых военных лет выделяются «Команда вперед» на стихи А.Кутуя, «Джигит-партизан» на слова Н.Арсланова, «Бойцу» на народные слова.

    В 42 году композитор был отозван из войсковой части и переведен в Казань.

   В 1943 году, к тридцатилетию со дня смерти татарского народного поэта Г.Тукая, Загид Хабибуллин первым из композиторов Татарии написал цикл песен на слова поэта.

     Большой активностью отмечено его творчество в послевоенные годы.

    Одно из центральных мест в творчестве З.Хабибуллина занимает работа с Татарским ансамблем песни и танца, для которого он создал прекрасные обработки народных песен и оригинальные песни, ставшие украшением его репертуара. Всеобщее признание получили такие музыкально-хореографические композиции, как «Сабантуй» (постановка Гаскарова), «Дружба», «Мои цветы» (постановка Г.Тагирова), «Свадьба» (постановка А. Нарыкова).

    Композитора волнуют события, происходящие в его стране, он живет делами и подвигами своего народа: «Да здравствует мир», «Советский солдат», «Песня пахарей», «Извилистый ручеек» и т.д.

    Во второй половине семидесятых годов композитор создает такие впечатляющие вокальные произведения, как «Хатынь» на слова Н.Даули и «Мамдуда» на слова С.Хакима.

    Почетное место в его вокальной лирике занимают песни, воспевающие красоту природы, проникнутые любовью к родному краю. Загид Хабибуллин дарит много интересных и разнообразных песен детям, часто бывает в школах, рассказывает учащимся о музыке, знакомит их со своими произведениями.

   Композитор обогатил и балетный жанр, создав два балета. В 1950 г. совместно с композитором Н.И.Пейко и балетмейстером Ф.Гаскаровым он завершает балет «Весенние ветры» по одноименному роману К.Наджми, повествующий о событиях Октябрьской революции в Казани.

   А в 1960 завершает свой второй балет «Раушан», основанный на мотивах татарских народных сказок Г.Тукая (либретто Г.Салимова). Этот балет был поставлен в 1961 году и стал первым детским балетом, а в1974 году композитор представил вторую редакцию балета уже под названием «Заколдованный мальчик», обновив музыкальные сцены и дополнив балет новыми образами.

     Многие годы З.Хабибуллин композиторскую деятельность сочетал с исполнительством.

     Со своими авторскими концертами он исколесил всю Татарию, и многие города Союза.

     Активно участвовал в музыкально-общественной жизни республики, ведя значительную

работу по организации и руководству коллективами художественной самодеятельности, оказывая им постоянную творческую помощь.

   Личность талантливого композитора и виртуозного скрипача отличала удивительная скромность и безграничная преданность искусству.

   «Безграничная влюбленность в народную жизнь, в его быт и традиции, прекрасное знание его музыки, владение искусством импровизации деревенских музыкантов, неподдельная искренность – исходные факторы, определяющие творческий облик композитора, исполнителя-скрипача Загида Хабибуллина» — писал о нем М. Нигмедзянов.

   Творчество З.Хабибуллина получило высокую оценку: ему присвоено почетное звание заслуженного деятеля искусства ТАССР(1950), народного артиста ТАССР(1970), заслуженного деятеля искусства РСФСР (1981), а песенное творчество удостоено Государственной премии им. Г.Тукая (1968 г).

 

Лучшие произведения классической музыки 21 века | Классическая музыка

25

Дженнифер Уолш

XXX Live Nude Girls (2003)

Дженнифер Уолш спросила девочек о том, как они играют со своими куклами Барби, и превратила признание в оперу ужасов, в которой игрушки развязывают игру темного секса и нанесение увечий. Уолш — настоящий гений для подобных вещей: она сдирает пластиковую оболочку коммерческой культуры, пародируя, а затем систематически расчленяя архетипы. KM
Прочтите наш обзор | смотрите постановку 2016 года BIFEM

24

Джон Адамс

Город Нуар (2009)

Яркий портрет Лос-Анджелеса Адамса, изображенный в фильме нуар 1940-х и 50-х годов, представляет собой своего рода симфонию из трех частей, и концерт для оркестра тоже. Это откровенное прославление оркестровой виртуозности, которое отсылает к множеству американских идиом, но при этом не становится слишком конкретным. Это ни в коем случае не лучшая его оркестровая работа (те, что вышли в прошлом веке), а эффектный, экстравертный экспонат. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Немедленно… The Sixteen и Britten Sinfonia исполняют Stabat Mater под управлением Гарри Кристоферса. Фотография: Марк Аллан

23

Джеймс Макмиллан

Stabat Mater (2016)

Плодовитый шотландский композитор оказал влияние на хоровую музыку, опираясь на свои римско-католические корни, совсем недавно в его Пятой симфонии Le grand Inconnu, и в его «Ответах Тенебры». Его Stabat Mater для хора и струнного оркестра, премьера которого была сделана по заказу Гарри Кристоферса и Шестнадцати, привлекла внимание публики, его послание было прямым, непосредственным, ярким и страстным. FM
Прочтите наш обзор | Посмотрите мировую премьеру выступления в Ватикане.

22

Линда Кэтлин Смит

Фортепианный квинтет (2014)

Она держит ткань между пальцами, она проверяет волокна. Она оставляет пространство вокруг материала, чтобы рассмотреть его с разных сторон, а затем глубоко погружается. Музыка Кэтлина Смита медленная и тихая, но в то же время сочная. Больше, чем любой минималист, она черпает вдохновение из Куперена, Дебюсси и картин Агнес Мартин.Результаты скудные, грубые и чувственные; «тихий» не обязательно должен означать «мягкий». KM
Прочтите наш обзор

21

Макс Рихтер

The Blue Notebooks (2004)

Написанные в преддверии вторжения в Ирак в 2003 году, The Blue Notebooks — это размышления Макса Рихтера о насилии и войне. это было записано за три часа. Цикл песни связан повествованием Тильды Суинтон, но самые интересные произведения не требуют слов. Organum — это траурное органное соло, Shadow Journal — часть эмбиент-хауса, но центральным элементом является On the Nature of Daylight (с тех пор он используется в бесчисленных фильмах и саундтреках для телевидения), где постоянно расширяющиеся слои струн используются для душераздирающего эффекта. JL
Рихтер пишет о своем сочинении | Слушайте на Spotify.

20

Кэролайн Шоу

Партита (2013)

Партита Кэролайн Шоу, написанная для ее собственного вокального октета Roomful of Teeth, представляет собой взрыв энергии, захватывающий речь, песню и практически все расширенные вокальные техники, которые вы можете придумать. четыре «классических» танцевальных движения. Это может разрушить торжественные, крутые представления о величии, но это должна быть самая радостная работа в этом списке. EJ
Подробнее здесь | Слушайте на Spotify.

19

Кассандра Миллер

Дуэт для виолончели с оркестром (2015)

Медленная виолончель вращается между двумя нотами, стойкий путешественник по дороге, пронизанной блестящим соблазнением (медные фанфары, пылкие струнные). Путешествие длится полчаса; он подводит итоги решительной жизни, когда мы держим курс в яркие и тяжелые времена. Миллер — мастер сажать семена и запускать увлекательный процесс, а затем доводить дело до конца с величайшей убедительностью. KM
Прочитать обзор | Послушайте отрывок.

18

Бретт Дин

Гамлет (2017)

Австралиец Бретт Дин, альтист в Берлинской филармонии, прежде чем сосредоточиться на композиции, нашел свой оперный голос с Гамлетом. Гениальная переработка Шекспира (либретто Мэтью Джослина), которая открывается фрагментом «Быть ​​или не быть…», премьера состоялась в Глайндборне в 2017 году с Алланом Клейтоном в главной роли и Барбарой Ханниган в роли Офелии. FM
Читать обзор | Смотрите трейлер

Вроде закрытие… Квартет Кронос проводит 11 сентября ВТЦ. Фотография: Марк Аллан

17

Стив Райх

WTC 9/11 (2011)

Типичному нью-йоркскому композитору понадобилось целых 10 лет, чтобы осознать ужасы 11 сентября и сочинить эту диссонирующую бурю, которая заставляет Райха распиливать струны против манипулируемых голосов. Записи испуганных авиадиспетчеров и очевидцев склеиваются и зацикливаются, тональность их речи воспроизводится (иногда почти насмешливо) квартетом Кронос, прежде чем мы доходим до своего рода завершения с молитвой кантора. JL
Прочитать обзор | Смотрите живое выступление.

16

Ребекка Сондерс

Кожа (2016)

Музыка Ребекки Сондерс всегда создает интуитивную и жестокую, но чувственно резонирующую поэзию. Созданный в сотрудничестве с сопрано Джульет Фрейзер, Skin черпает вдохновение у Сэмюэля Беккета, превращая писательский образ пыли как «кожи комнаты» в 25-минутное потрошение звуков, которые могут издавать солист и ансамбль. Сондерс проникает во внутренний мир инструментов и в зернистость голоса Фрейзера — царапанья и крики, вдохи и вздохи — и обнаруживает откровенный мир повышенных чувств. TS
Слушайте живое выступление

15

Дэвид Ланг

Little Match Girl Passion (2007)

Объедините рассказ Ганса Христиана Андерсена о Little Match Girl со Страстью Баха по Матфею, и вы получите одно из самых оригинальные вокальные произведения последнего времени. Отрывки из рассказа Андерсена и Евангелия от Матфея чередуются с тесно сплетенным вокальным письмом, иногда без аккомпанемента, иногда с акцентом на сдержанную перкуссию и часто успокаивающе тональным и вызывающим навязчивое впечатление. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

14

Паскаль Дюсапин

Страсть (2008)

Опера Дюсапина переосмысливает заключительный разговор Орфея и Эвридики на границе между жизнью и смертью как медитацию на идею страсти как выражения желания и страдания. Партитура тонко намекает на Монтеверди и французское барокко, но звуковой мир, который она создает, уникален для Дюсапина: напряженный, тихо завораживающий и сурово красивый. TA
Читать обзор | Послушайте работу «

» Жанрово-разночтение… Затерянное шоссе Ольги Нойвирт. Фотография: Сара Ли / The Guardian

13

Ольга Нойвирт

Затерянное шоссе (2003)

Немного сбивающий с толку фильм Дэвида Линча, в котором джазовый музыкант убивает свою жену, впадает в психогенную фугу и полностью становится другим человеком, был идеальным подходит для адаптации этого эксцентричного австрийского композитора, чья жанровая работа исследует идеи идентичности.Иммерсивная постановка, поставленная Английской национальной оперой в Young Vic, использовала фильм, щебечущую электроакустическую музыку и ужасающий андрогинный голос Дэвида Мосса, чтобы еще больше запутать ситуацию. JL
Прочтите наш обзор | Послушайте произведение

12

Унсук Чин

Концерт для виолончели (2009)

Серия концертов для западных и восточных сольных инструментов проходит как позвоночник в оркестровой музыке Унсук Чин. Но работа для виолончели, пожалуй, самая оригинальная и увлекательно сбивающая с толку из всех из них, состоит из четырех блестящих частей, которые никогда не вполне соответствуют типу, но при этом делают все, что ожидается от концерта, свежим и нетрадиционным способом. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

11

Джеральд Барри

Важность быть серьезным (2012)

С ролью леди Брэкнелл, отведенной басу, ссора между Гвендолен и Сесили проходила через мегафоны и сопровождалась разбитыми стеклами и многим другим. текста, доставленного с пулеметной скоростью, этот оперный взгляд на Оскара Уайльда не для слабонервных. Но каким-то образом он блестяще передает абсурдность пьесы, добавляя слой сюрреализма, который полностью принадлежит Барри. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

10

John Luther Adams

Become Ocean (2013)

Монументальный оркестровый палиндром, который сделал Джона Лютера Адамса всемирно известным композитором, представляет собой захватывающее изображение воды в неотразимых движениях в традициях музыки Вагнера , Дебюсси и Сибелиус. Но намерение Адамса — это гораздо больше, чем простое описание — это предупреждение о том, что ждет нас и наши моря, если мы не заботимся о них. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Остроумие… Хаширигаки. Фотография: Тристрам Кентон / The Guardian

9

Хайнер Геббельс

Хаширигаки (2000)

Роман Гертруды Стайн, японская народная музыка и альбом Beach Boys «Звуки домашних животных» — не самые очевидные источники одного из уникальных произведений Геббельса. личные слияния слов, музыки и изображения. Но, как это часто бывает в его театральных пьесах, самые невероятные ингредиенты волшебным образом сочетаются, создавая остроумный, инклюзивный драматический мир, непохожий на любой другой, со звуками 1960-х годов, противопоставляющими бессвязный сюрреализм Штейна. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте запись на YouTube

8

Джонатан Харви

Струнный квартет № 4 (2003)

Для живой электроники и струнного квартета это произведение 2003 года написано циклами, а не движениями, с идеей умирания, обновления и продолжение. Харви экспериментирует с технологиями, чтобы открыть новые слуховые возможности и сохранить традиционную форму. Он написал все свои квартеты для Arditti, зная, что они справятся с любой задачей, которую он им поставил.Результат красноречив и лиричен. FM
Прочитать обзор | Послушайте работу

7

Луи Андриссен

La Commedia (2009)

После сотрудничества с режиссерами Робертом Уилсоном и Питером Гринуэем над предыдущими сценическими работами Андриссен обратился к Хэлу Хартли для создания своей «пятичастной киноперы». серия размышлений над эпизодами из «Божественной комедии» Данте. Фильм Хартли был частью оригинальной постановки, но чудесная многоязычная партитура Андриссена с множеством исторических отсылок и ярким сочетанием джаза и фолк-музыки стоит особняком. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Завораживающий… Кайджа Саариахо. Фотография: Philippe Merle / AFP / Getty Images

6

Kaija Saariaho

L’Amour de Loin (2000)

Первая опера финского происхождения Саариахо, премьера которой состоялась в Зальцбурге в 2000 году, расположена во Франции XII века. навязчивая история о поисках трубадура идеализированной любви, а также о размышлениях о жизни, тоске и смерти. Основанная на La Vida breve Джофра Руделя на либретто франко-ливанского писателя Амина Маалуфа, музыка имеет средневековые и ближневосточные отголоски, но переливается характерным и завораживающим голосом Саариахо. FM
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

5

Thomas Adès

The Tempest (2003)

Это начинается с геометрического шторма и заканчивается утешительной чаконой. «Буря» Томаса Адеса стала катализатором его создания музыкального языка, который одновременно и хорошо знаком, и заманчиво странен. Это произведение сразу же оправдало ожидания относительно того, что Адес будет делать со всеми ресурсами Королевского оперного театра во время его премьеры в 2004 году, и превзошло их. TS
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

4

Дьёрдь Куртаг

Fin de Partie (2018)

Хотя часто казалось, что Куртаг так и не завершит оперу о финале Сэмюэля Беккета, которым он был одержим более полувека, это было в итоге появился в 93-м году композитора. Строгий, предельно точный перевод оригинала, в основном речитатив, усиленный типично лаконичным, жилистым оркестровым письмом.Это квинтэссенция бескомпромиссно прямой музыки, которую Куртаг сочинял на протяжении всей своей карьеры. AC
Прочтите наш обзор | Смотрите постановку

3

Харрисон Биртвистл

Минотавр (2008)

После опер о Панче, Орфее, Гавейне и Кинг-Конге, главный герой «Минотавра», получеловек-полубык, пожалуй, самый симпатичный из «Биртвистла». герои ». Его сцена смерти, созданная специально для баса Джона Томлинсона, представляет собой величественную оперную сцену, кульминацию произведения, в котором вспышки оркестрового насилия компенсируются музыкой лирической красоты и острой прозрачности. AC
Прочтите наш обзор.

Захватывающий… Барбара Ханниган и Кристофер Пёрвс в фильме «Написано на коже» в Королевском оперном театре в Лондоне. Фотография: Тристрам Кентон / The Guardian

2

Джордж Бенджамин

Написано на коже (2012)

Первая полномасштабная опера Джорджа Бенджамина, написанная Мартином Кримпом, вышла в 2012 году, казалось бы, вне времени во всех отношениях, ее в конечном итоге ужасная история рассказано современной публике захватывающе через напряженную, точную и часто сияюще красивую партитуру.Продуманная постановка Кэти Митчелл была только началом: с тех пор ни одна опера не ставила столько разных постановок в таком большом количестве театров. EJ
Прочтите наш обзор | Посмотреть постановку

1

Ханс Абрахамсен

Позвольте мне рассказать вам (2013)

Когда начался 21 век, идея о том, что Ганс Абрахамсен сочинит один из шедевров следующих 20 лет, казалась экстраординарной. В то время почти десять лет из его музыки было мало слышно — он пережил творческий кризис, который с тех пор описал как «парализованный белой бумагой», от которого он в конце концов спас себя, сочинив серию аранжировок. как его собственных ранних партитур, так и произведений других авторов, в том числе Баха и Дебюсси.

Родившийся в 1952 году в Копенгагене, Абрахамсен начал свою карьеру в составе группы молодых датских композиторов, которые отреагировали на то, что они считали чрезмерной сложностью европейской новой музыки, которую они слышали, и которые стремились к более простому стилю. Он исследовал минимализм и какое-то время учился у Дьёрдь Лигети, и вскоре зарекомендовал себя как один из молодых европейских композиторов, за которым стоит наблюдать. Его произведения в 1980-х годах получили признание таких дирижеров и композиторов, как Ганс Вернер Хенце и Оливер Кнуссен.После раннего успеха наступило долгое молчание — он закончил всего одну короткую пьесу за восемь лет, но все же вернулся к композиции с фортепианным концертом, который он закончил в 2000 году, в котором он начал изобретать для себя совершенно оригинальный и совершенно личный звуковой мир. .

Этот список можно так же легко возглавить как произведение, которое впервые использовало этот недавно изобретенный мир, Schnee, необычную часовую ансамблевую пьесу из 2008 года, так и восхитительный цикл оркестровых песен Let Me Tell You, последовавший за ним пятью годами позже. .Сложные симметрии и микротональные каноны Шни определяют ледяной, хрупкий мир, который Абрахамсен наметил для себя и который в дальнейшем стал идеальной средой для постановки отрывков из одноименного романа Пола Гриффитса, который он написал для себя. песни.

Как и книга Гриффитса, «Позволь мне рассказать тебе» — это портрет Офелии, но тот, который рассказывает ее историю с ее точки зрения, а не с того, как она изображена в Шекспировском «Гамлете». Это оперная сцена, такая же, как и песенный цикл, одна из парящих строк и дрожащих пианиссимо, в которой используются заикающиеся повторения, stile concitato, которые Монтеверди ввел в оперу четыре столетия назад для обозначения гнева или беспокойства.Вокальные записи на удивление надежны. Трудно поверить, что это была первая крупномасштабная вокальная работа Абрахамсена, и она кажется идеально подходящей для сопрано Барбары Ханниган, для которой она была задумана, а также из-за ее драгоценной способности парить неземно и без усилий над иногда отвратительными, иногда восхитительно красивыми звуковыми ландшафтами. что оркестр создает под ней. Как сказал Ханниган о цикле, есть ощущение: «Музыка всегда была там», и ощущение того, что в «Let Me Tell You» есть что-то вневременное и совершенно неизбежное, придает ему особую силу. АС
Слушать работу

^{Эта статья содержит партнерские ссылки, что означает, что мы можем заработать небольшую комиссию, если читатель перейдет по ссылке и совершает покупку. Вся наша журналистика независима и никоим образом не зависит от рекламодателей или коммерческих инициатив. Нажимая на партнерскую ссылку, вы соглашаетесь с установкой сторонних файлов cookie. Больше информации.}

Музыка и эмоции — взгляд композитора

Front Syst Neurosci.2013; 7: 82.

One Track Music, Ltd., Частный композитор, Лос-Анджелес, Калифорния, США

Отредактировал: Дэниел Бендор, Университетский колледж Лондона, Великобритания

Рецензент: Адриан Расс, Общество композиторов и авторов текстов, СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ; Нори Якоби, Еврейский университет Иерусалима, Израиль; Анхель Лам, композитор, США

* Для переписки: Джоэл Дуэк, One Track Music, Ltd., частный композитор, Лос-Анджелес, Калифорния, США e-mail: moc.ynmto@seinapmoc

Эта статья была отправлена ​​в журнал Frontiers in Systems Neuroscience .

Поступила 01.06.2013; Принято 24 октября 2013 г..

Это статья в открытом доступе, распространяемая в соответствии с условиями лицензии Creative Commons Attribution License (CC BY). Использование, распространение или воспроизведение на других форумах разрешено при условии указания автора (авторов) или лицензиара и ссылки на оригинальную публикацию в этом журнале в соответствии с принятой академической практикой. Запрещается использование, распространение или воспроизведение без соблюдения этих условий.

Abstract

Эта статья представляет собой экспериментальный и анекдотический взгляд на повседневную жизнь и работу композиторов фильмов как создателей музыки. Он пытается отойти от того, что практикующие в музыкальном искусстве делают инстинктивно или бессознательно, и пытается пролить свет на это как на сознательный процесс. В нем исследуется роль композитора фильма в его задаче — передать часто сложный набор эмоций и общаться с непосредственностью и универсальностью, которые часто выходят за рамки общего языка.Благодаря опыту автора, а также интервью с коллегами-композиторами, он исследует как конкретные, так и абстрактные способы, с помощью которых музыка может привнести смысл и магию в слова и изображения, а также в качестве акцента в нашей повседневной жизни.

Ключевые слова: музыка, фильм, творчество, эмоции, композиторы

Для меня большая честь быть приглашенным внести свой вклад в Frontiers in Neuroscience по этой самой захватывающей и гнусной из тем. Эта статья никоим образом не предназначена для научного характера.Скорее, это более анекдотический взгляд на опыт сочинения музыки и, в частности, на управление человеческими эмоциями через музыку для улучшения движущихся изображений и диалогов. Я пытаюсь отойти от того, что мы, как практики музыкального искусства, инстинктивно или бессознательно делаем, и пытаюсь пролить свет на это как на сознательный процесс. Некоторые из этих мыслей, без сомнения, констатируют очевидное, но я надеюсь, что они также послужат стимулом для обсуждения. Почему эти вещи должны быть очевидными? Потому что в глубине души, кажется, есть основная музыкальная интуиция и опыт, которые пронизывают человеческий опыт.В музыке есть универсалии, которых просто не существует в языке. Это часть нашей человечности.

Почти каждый момент в жизни человека постоянно подчеркивается музыкой — от нашего рождения до нашей свадьбы до нашей смерти, наших празднований, наших войн и наших побед. От случайного прослушивания музыки дома, в фильме или по телевизору, от iPod, когда мы движемся, или звука проезжающей машины скорой помощи, призыва к молитве или просто кого-то у двери — музыка присутствует. В отличие от глаз, уши могут обнаруживать явления в любом направлении, не обращая на них внимания, что дает явные преимущества для выживания на протяжении всей эволюции (MPF, 2004).Чувство вибрации, звуковое восприятие — древнее, внутреннее и неразрывно связанное со старыми и глубокими эмоциональными центрами в мозгу, факт, который позволяет композиторам получать доступ и вести диалог со своей аудиторией на глубоком уровне.

Такова сила воздействия музыки, мозг утверждает, что она может вызвать то, что почти невозможно не увлечься. Для суфиев музыка — это путь к просветлению, это «пища для души» ¹ . В древних шаманских традициях это средство передвижения в более глубокие миры и исцеление человека (Harner, 1990).Джаз, открывающий шлюзы интеллектуальной свободы и абстракции, был объявлен нацистским рейхстагом вне закона. Светская музыка часто оказывается объектом презрения со стороны фундаменталистских режимов настолько, что отношение к музыке является довольно точным барометром политической и религиозной идеологии. Тем не менее, несмотря на силу этого влияния, как сказал Боб Марли, «одна хорошая вещь в музыке — это то, что когда она поражает вас, вы не чувствуете боли» (чтобы не было слишком громко).

Что делает музыку для кино (и средств массовой информации в целом) особенно интересной для любого исследования того, как музыка влияет на эмоции, так это то, что в кино это ее основная функция.Как однажды сказал ветеран кинокомпозитора: «В фильме диалоги и действие говорят нам, что думают и делают персонажи, а музыка может сказать нам, что они чувствуют». Музыка и кино сосуществовали с самого начала фильма — немого кино никогда не было. До появления синхронного звука в кинотеатре всегда был аккомпанирующий инструмент. Если вы смотрите фильм без музыки, он становится безличным, его энергия и движение остаются неопределенными. Режиссеры могут даже извлечь выгоду из полной бездушности фильма без музыки.Лишенный музыки фильм братьев Коэн « Нет страны для стариков» (2007) — это холодность, бесчеловечность, пронизывающая вас насквозь.

Написание музыки для фильма, в отличие от песен или концертной музыки, обычно выполняется в рамках множества ограничений и соображений. Он должен поддерживать конкретное повествование и не мешать диалогу, может потребоваться использовать только определенную палитру инструментов и происходить от одной точки к другой на временной шкале. В отличие от концертных композиторов и авторов песен, которые могут исследовать свое творчество горизонтально, ограниченные этими параметрами, композиторы фильмов должны исследовать вертикально.

Как вы создаете музыку?

Если не считать уловок профессионала, я думаю, что большинство музыкальных авторов сами озадачены тем, откуда берутся их идеи. Те, кого я спросил: «Как вы создаете музыку?» ответил просто: «Понятия не имею». Ядро создания и формулирования музыкальных идей кажется на 100% инстинктивным. Подобно интуиции или рефлексу, он имеет непосредственное отношение к себе, и в этом смысле он ощущается как активное взаимодействие между бессознательным и сознательным опытом. То, что вы никогда не сможете контролировать, но можете научиться использовать.

И мы пробуем все, чтобы уговорить эту чистую искру, которая может вспыхнуть на мгновение и породить симфонию или песню. Возможно, именно эта неуловимость ставит на обочину стольких людей творческих профессий. Кризис и творчество — странные, но беспорядочные соратники: возможно, это потому, что кризис требует непосредственного опыта. Может быть, грубые эмоции принуждения проясняют путь от эмоций к музыкальному выражению. Моя первая настоящая попытка сочинять музыку была вызвана раздираемыми эмоциями болезненного разрыва.Как сказал один из моих учителей: «Когда вы достигаете места, где у вас действительно нет выбора, где вам уже все равно, вы можете начать с этого».

У творческой чувствительности есть палка о двух концах. Жизнь в этом парадоксальном месте, где можно в одно мгновение получить доступ к самым темным из темноты, к самым светлым и возвышающим эмоциям, оставляет человека решительно уязвимым для «пращей и стрел невероятной удачи». Это жизнь, прожитая интенсивно, но в то же время опыт очень абстрактен.

Итак, какие навыки нужны композитору? Мы психологи или эмпаты? Наверное, да, и то и другое. Требуется ли повышенная эмоциональная зрелость? Возможно нет. Моцарт — отличный пример инстинктивной чистоты и блеска, которые, казалось, бросали вызов его недостаточной эмоциональной зрелости.

Я считаю, что творчество воплощает в себе некую «конструктивную неугомонность». Если не дефицит внимания, то, пожалуй, краткость внимания. Склонность отвлекаться, отклоняться от темы, — явное преимущество для художников.Не быть упрямым, а следовать прихоти, творческой интуиции. Потому что это на грани нашего осознания, где тиранический сознательный разум на самом деле не обращает внимания на то, что происходит настоящая магия. Вы ловите идею, которая отвлекает вас, и бежите с ней.

В то время как большинство людей обладают способностью ощущать эмоции и вызывать их или усиливать с помощью музыкальных сигналов, композиторам необходимо иметь своего рода открытый проводник между чувством и пальцами, канал, по которому сложный, бессловесный внутренний опыт перемещается к внешнему выражению.Мы черпаем эти чувства из нашего колодца переживаний и влияний, из того, что движет нами . И мы должны позаботиться о том, чтобы наполнить наш колодец новыми жизненными приключениями, чтобы он не иссяк.

Я вижу сочинение не как процесс, а как пространство. Конвергенция творчества и мастерства в совершенную гармонию, известную как вдохновение, лучше всего проявляется в работе, а не вне ее. Можно ли этому научиться? Хотя приемам и приемам можно научиться, я считаю, что способность передавать эмоции через музыку более врожденная, более личная.Итак, если это инстинктивная вещь, как композитор фильма справляется с необходимостью доставлять эмоции на заказ и работать по требованию? Путешествуя по эмоциональному ландшафту сцены или в голове рассматриваемого персонажа (вот тут-то и проявляется сочувствие или психология), выстраивая элементы, которые вы можете, а затем просто позволяя остальному происходить интуитивно. Если вы разместите место за столом, Муза может прийти и присоединиться к вам.

Не все композиторы пишут одинаково: кто-то слышит симфонию сразу, кто-то — пронзительный мотив, крючок.Как и многие, я склонен импровизировать вокруг идей и начинаю «слышать то, чего еще нет, но должно быть». Подразумевается мелодия или гармония. Я работаю с имеющейся у меня информацией — аккордовыми или модальными структурами, которые вызывают нужное мне настроение, палитру или ритмический темп, а затем недостающие части становятся более заметными. Ощущение сочинения часто описывается как сродни «ченнелингу», возможно, от бессознательного к сознательному, возможно, откуда-то более эзотерического. Подобно саду, вы сажаете семена идей, поливаете и взращиваете их, и если вы хорошо ухаживаете, вырастут цветы и плоды.

Как вы вызываете эмоции с помощью музыки?

Композиторы фильмов быстро усваивают то, что когда дело доходит до эмоций, люди гораздо больше ориентированы на музыку, чем на визуальное. Чтобы обмануть глаза, нужно всего 25 кадров в секунду, а то и меньше. Но вам нужны тысячи выборок в секунду, чтобы обмануть ухо. Непосредственная реакция на саундтрек к фильму показывает, что по крайней мере эмоционально мы более предвзято относимся к звуку, чем к изображениям. Один из моих любимых примеров такой предвзятости — переработанный трейлер « Scary Mary Poppins » (ссылка ниже) ² , где Мэри Поппинс с магическим материнством становится злой ведьмой, когда ее подчеркивает жуткая музыка.

В монтаже фильмов есть известное правило: «Звук перед изображением». Вы часто будете слышать звук из следующей сцены раньше, чем визуальные образы, и мозг способен понять это. Мы продвигаемся вперед с предвидением того, что будет дальше. Не так, когда мы ставим визуальные эффекты перед сопровождающими их звуками — это кажется бессмысленным, и мозг сбивается с толку.

Советы и уловки

Большая часть работы композитора фильма — это своего рода музыкальная алхимия, вливание редких ингредиентов (и больше, чем капля нашей собственной крови) в пузырящийся коктейль, состоящий из звуков, паттернов, режимов и воспоминаний.Мы можем придерживаться нейтралитета или крайностей, открыто манипулировать чистыми эмоциями, при этом не зная, как и почему это может заставить человека плакать. Но есть несколько советов и приемов, которые может изучить и применить.

На самом фундаментальном уровне мы используем ритм и динамику, другими словами, скорость и громкость, чтобы сообщить о срочности и важности. Эти музыкальные сигналы являются первичными реакциями. Они существуют на культовом уровне, почти полностью независимо от культуры.Возможно, нет лучшего примера, чем тема из « Jaws» (режиссер Стивен Спилберг / композитор Джон Уильямс, 1975). Это похоже на музыкальный эффект Доплера, когда акула становится все ближе и ближе, быстрее и громче … Точно так же сама высота звука может обозначать размер и серьезность, от зловещих и угрожающих минимумов до крохотных максимумов.

Следующими краеугольными камнями музыкального повествования являются напряжение и расслабление, которые можно исследовать многими способами. Движение от нарастающего диссонанса к нежной, решающей гармонии.Ускоряющийся ритм сменяется устойчивым заявлением о прибытии.

Мы можем исследовать темы и вариации для большого эффекта в музыке для фильмов. Заимствуя Leitmotif ³ техник в опере, короткая тема используется для создания мелодической идентификации с определенным персонажем или ситуацией. Поездка на этом музыкальном знакомстве отправляет слушателю полезную информацию и помогает ему узнать, что происходит или о ком мы говорим, на экране или за его пределами. Мы можем почувствовать приближение Дарта Вейдера, даже если мы не едины с Силой, потому что мы слышим его мелодию.Затем мы можем создавать вариации темы в соответствии с настроением и ситуацией, переходя к основным или второстепенным тонам, ускоряя или расширяя ее содержание.

Один из самых прекрасных примеров такого использования тем — партитура Нино Рота для « Крестный отец» (Фрэнсис Форд Коппола, 1972). Он вводит новую тему, когда мы встречаемся с молодым Майклом Корлеоне. Это кажется невинным и немного задумчивым. Тема становится все более интенсивной и заметной по мере того, как он набирает силу, пока смелая слава полностью сформированной темы Майкла не сигнализирует о том, что он прибыл, чтобы занять свое место у руля семьи.

Можно использовать неожиданный музыкальный сдвиг, отсутствие разрешения, чтобы удивить и оживить. Это могло быть нарушение музыкальной формы или времени, или и то, и другое вместе.

Мы можем эффективно использовать тембральное разнообразие оркестра. Выбор, который мы делаем в оркестровке, может отражать определенные эмоциональные черты, которые предлагают эти тембральные различия: меланхолия виолончели, невинная печаль гобоя, тайна флейты, смелость трубы или прозрачная красота арфы. .

Мы можем пойти глубже и исследовать тембральные различия внутри самого инструмента в форме тесситуры. Например, выбор использовать более высокий диапазон виолончели, а не более низкий диапазон альта, приведет к немного иному эмоциональному качеству. Достигает немного большего.

Использование тремоло в устойчивых струнных линиях создает или отражает натяжение. Почему? Возможно, потому, что человеческое восприятие ориентировано на распознавание изменений, а тремоло — это постоянная нестабильность, непрерывное изменение.Таким образом, это дает нам чувство нестабильности и неопределенности.

Мы можем представить несоответствия между изображением и музыкой, чтобы создать ощущение чего-то неправильного, чего-то сюрреалистического, смысл которого ставится под сомнение. Начальная сцена битвы в фильме Ридли Скотта « Гладиатор» (2000) накладывает нежное, страстное оркестровое движение на ужас кровопролитной войны, когда истребляются армии гуннов.

Точно так же и в комедии, в основе которой лежит несовместимость, вы часто будете видеть комедийный экшен, оцениваемый как серьезное мероприятие.С точки зрения главного героя фильма, это серьезные дела. Нам это становится смешно.

Часто используемый способ передать ощущение непрерывного движения вперед — это сдвигать музыкальную тональность вверх с интервалом в треть. Музыкальная основа состоит в том, что эта модуляция «разрушает основной тон» (основной тон — это нота, на которой построен исходный аккорд). По какой-то причине мозг перескакивает в это новое место и больше не ищет разрешения к исходному ключу.

Эти идеи — лишь некоторые из многих давно используемых в западной традиции композиционных и оркестровых средств, которые мы можем адаптировать, чтобы помочь рассказать историю.И работают они довольно универсально. Несколько удивительно, что эмоциональные сигналы в музыке из самых разных культур могут быть легко уловлены теми, кто ранее не сталкивался с такой музыкой (Balkwill and Thompson, 1999).

Для чего нужна музыка?

Так для чего же нужна музыка? Вот несколько идей, которые переплетаются между собой:

Биология

На протяжении всей эволюции, начиная с самых примитивных произнесений животных, музыкальные звуки служили нашей основной биологии — привлекая и удерживая партнера, удерживая хищников или предупреждая об опасности.У более сложных видов они являются катализатором связей и социальной сплоченности (2008). Они могут как подтвердить, так и отвергнуть индивидуальность животного. У людей он идет дальше, выражая общие вкусы, настроения и более глубокую идентификацию друг с другом и с самим собой (Shepherd and Wicke, 1997). Однако в глубине души музыка — это игра. При изучении изображений мозга (Левитин, 2006) не только мозг композитора или импровизатора демонстрирует широкую активность. Мозг слушателя загорается, как рождественская елка, наполняясь сочувственными и скрытыми ответами, копаясь в собственном понимании, воспоминаниях и переживаниях.На самом деле, как композиторы, мы не рисуем для наших слушателей полную картину того, что нужно чувствовать, мы просто открываем окно и указываем в определенном направлении. Слушатели находят там свой собственный путь и, может быть, идут дальше или куда-то еще. Возможно, именно это и делает музыку такой захватывающей: мы все 90 285 участников 90 288, мы являемся соавторами всех этих музыкальных эмоциональных переживаний. Мы исследуем совместное сочувствие.

Абстракция

Быть человеком — значит быть способным к абстрактному мышлению, концептуализации, сознательному и бессознательному.Мы представляем себе путешествие на Луну в абстрактном плане, а затем воплощаем его в жизнь. Эта способность — продукт и инструмент нашей эволюции. Каким бы определением ни была музыка, она все еще в основе своей абстрактна. Возможно, музыка больше, чем позволяет нам говорить между строк, она представляет нашу способность к абстрактному воображению условий окружающей среды. Возможно, это перекликается с сигналами окружающей среды, которые были с нами на протяжении всей нашей эволюции:

• — Пульсация низких барабанов напоминает паническое бегство стада, грохот грома, сотрясение землетрясения.

• — Гобой или виолончель — это скорбный плач взрослого человека.

• — Скрипка, крики или игривость ребенка.

• — Дыхание деревянной флейты напоминает шепот любимого человека вам на ухо.

• — Нежное сотрясение перкуссии, напоминает ветер сквозь листья.

Влияние и контроль

Мы также можем контролировать нашу эмоциональную среду так же, как мы контролируем температуру в помещении.Мы можем успокоить или стимулировать себя, довести толпу до безумия танцев или спеть колыбельную, чтобы отправить ребенка спать. Один из наиболее ярких примеров музыкального контроля — это использование на автобусных остановках и в общественных местах, где, как правило, царит преступность. Классическая музыка транслируется через динамики, чтобы уменьшить агрессивное поведение и сдержать непослушных людей (Midgette, 2012).

Транспорт

Для меня музыка — это открытое место, портал. Это транспортная система между нашими подсознаниями, нашими инстинктами и нашей общей культурой.Эта древняя и удивительная технология, которая все еще развивается от первобытного звука до пения птиц и вплоть до симфоний и сальсы. Это технология, которая может мгновенно перенести нас в прошлое или будущее, но не пассивным образом. Мы погружены в атмосферу и можем пережить переживание с яркой глубиной и чувством: песня, которая играла, когда мы впервые влюбились, или которая подпитывала дикие выходки летних каникул. Музыка может перенести нас в какое-то место или географию — звучание ситара, горный йодль или африканский полиритм, каждый из которых кодирует культурную долготу и широту.Он может перенести нас к человеческим эмоциям в путешествие от печали к радости. Потому что, в конце концов, «эмоция» означает двигаться, двигаться дальше. И он может перенести нас куда-то за пределы человеческого опыта, за пределы слов, за пределы мысли, за пределы наших самых дальних представлений — к трансценденции.

Заявление о конфликте интересов

Автор заявляет, что исследование проводилось в отсутствие каких-либо коммерческих или финансовых отношений, которые могут быть истолкованы как потенциальный конфликт интересов.

Благодарности

Дэниел Бендор, проф. Ян Шнупп, Дэвид Вольферт, Джордж Акогни, Чарльз Бернштейн, Кубилай Юнер, Грег Плиска, Марк Киллиан, Майкл Беккер, Патрик Кэрд, Элик Альварес, Фредди Шейнфельд, Ирриан Проф, Эшли Расс, Эшли Барбара Демман, интервью с Джоном Уильямсом изданием Art Works.

Сноски

¹ Насрабади в Аттаре: Тадхкират, 793.

² www.youtube.com/watch?v=2T5_0AGdFic (2006) Это повторение классической диснеевской «Мэри Поппинс» Крис Рул при содействии Ника Эккерта.Он содержит музыкальную пьесу «Жестокое нападение», написанную Кейном Дэвидсоном для фильма «Призраки американцев», «Бодрствуйте», написанную Ричардом и Робертом Шерманами для диснеевского фильма «Мэри Поппинс», и стандартные звуки из iMovie.

³ Лейтмотив /, latmoƱ’ti: f / — это «короткая, постоянно повторяющаяся музыкальная фраза, связанная с определенным человеком, местом или идеей. Рихард Вагнер — самый ранний композитор, наиболее тесно связанный с концепцией лейтмотива.

Итак, если Бетховен был полностью глухим, как он сочинял?

3 сентября 2020, 13:08 | Обновлено: 25 января 2021, 10:36

Людвиг все еще создавал шедевры, даже будучи полностью глухим. Вот как он это сделал.

«Последние три года мой слух неуклонно ухудшается… »- так написал 30-летний Бетховен в письме другу.

Молодой Бетховен был известен как самый выдающийся музыкант со времен Моцарта. К 25 годам он учился у Гайдна и прославился как блестящий пианист-виртуоз.

График жизни Бетховена: 1770 — 1802>

К 30 годам он написал пару фортепианных концертов, шесть струнных квартетов и свою первую симфонию. Все складывалось для парня довольно хорошо, с перспективой на долгую успешную карьеру.

Нажмите здесь, чтобы прослушать наш подкаст «Бетховен: Человек, раскрытый на Global Player», официальное приложение Classic FM>

Затем он начал замечать жужжание в ушах — и все должно было измениться.

Сколько лет было Бетховену, когда он стал глухим?

Примерно в возрасте 26 лет Бетховен начал слышать гудение и звон в ушах. В 1800 году, в возрасте 30 лет, он написал из Вены другу детства, который к тому времени работал врачом в Бонне, и сообщил, что какое-то время страдал:

«Последние три года мой слух неуклонно ухудшается.Я могу дать вам некоторое представление об этой своеобразной глухоте, когда я должен сказать вам, что в театре мне нужно подойти очень близко к оркестру, чтобы понять исполнителей, и что издалека я не слышу высокие ноты инструментов и голоса певцов… Иногда я тоже плохо слышу людей, которые говорят тихо. Звук, который я слышу, правда, но не слова. И все же, если кто-то кричит, я не могу этого вынести «.

Бетховен старался держать новости о проблеме в секрете от своих близких.Он боялся, что его карьера будет разрушена, если кто-нибудь это поймет.

«В течение двух лет я избегал почти всех общественных мероприятий, потому что для меня невозможно сказать людям:« Я глухой », — написал он. «Если бы я принадлежал к какой-либо другой профессии, было бы легче, но в моей профессии это ужасное состояние».

Однажды Бетховен отправился на деревенскую прогулку с другим композитором Фердинандом Рисом, и во время прогулки они увидели пастуха, играющего на дудке. Бетховен мог бы видеть по лицу Риса, что играет красивая музыка, но он не мог ее слышать.Говорят, что Бетховен уже никогда не был прежним после этого инцидента, потому что он впервые столкнулся со своей глухотой.

Бетховен, по-видимому, все еще мог слышать речь и музыку до 1812 года. Но к 44 годам он был почти полностью глухим и не мог слышать голоса или многие звуки своей любимой деревни. Должно быть, для него это было ужасно.

Почему Бетховен оглох?

Точная причина потери слуха неизвестна.Теории варьируются от сифилиса до отравления свинцом, сыпного тифа или, возможно, даже его привычки погружать голову в холодную воду, чтобы не уснуть.

В какой-то момент он заявил, что в 1798 году у него случился приступ гнева, когда кто-то прервал его на работе. Он сказал, что упав, он встал и обнаружил, что глухой. В других случаях он винил в этом проблемы с желудочно-кишечным трактом.

«Причиной этого должно быть состояние моего живота, которое, как вы знаете, всегда было ужасным и ухудшалось, — писал он, — поскольку меня всегда беспокоит диарея, которая вызывает необычайную слабость.«

Вскрытие, проведенное после его смерти, показало, что у него было вздутое внутреннее ухо, на котором со временем образовались повреждения.

Вот знаменитая Симфония № 5 Бетховена, написанная в 1804 году. Ее знаменитый вводный мотив часто называют «судьба стучится в дверь»; жестокая потеря слуха, которой он боялся, будет мучить его всю оставшуюся жизнь.

Викторина: Насколько хорошо вы ДЕЙСТВИТЕЛЬНО знаете пятую пьесу Бетховена? >

Какого лечения Бетховен искал для своей глухоты?

Теплая ванна с дунайской водой, казалось, помогала Бетховену при желудочных недугах, но его глухота ухудшалась.«Я чувствую себя сильнее и лучше, за исключением того, что мои уши поют и гудят постоянно, днем ​​и ночью».

Одно странное лекарство заключалось в привязке влажной коры к его плечам до тех пор, пока она не высохла и не образовались волдыри. Это не вылечило глухоту — это только удерживало его от фортепиано в течение двух недель.

После 1822 года он отказался от лечения слуха. Он попробовал разные слуховые аппараты, например, специальные слуховые трубы. Взгляните:

Если он не слышал, как он писал музыку?

Бетховен слышал и играл музыку в течение первых трех десятилетий своей жизни, поэтому он знал, как звучат инструменты и голоса и как они работают вместе.Его глухота была медленным ухудшением, а не внезапной потерей слуха, поэтому он всегда мог представить себе, как будут звучать его композиции.

График жизни Бетховена: 1803-1812 гг.>

Домработницы Бетховена вспоминали, что по мере того, как его слух ухудшался, он садился за пианино, клал карандаш в рот и касался другим концом его деки инструмента, чтобы почувствовать вибрацию ноты.

Изменила ли глухота Бетховена его музыку?

Да.В своих ранних работах, когда Бетховен мог слышать весь диапазон частот, он использовал более высокие ноты в своих композициях. Поскольку его слух стал хуже, он начал использовать более низкие ноты, которые он мог слышать более отчетливо. В этот период были написаны его произведения, в том числе Лунная соната , его единственная опера Fidelio и шесть симфоний. Высокие ноты вернулись к его композициям к концу его жизни, что говорит о том, что он слышал, как произведения обретали форму в его воображении.

Вот « Große Fuge » Бетховена, соч.133, написанная глухим Бетховеном в 1826 году, полностью сформирована из звуков его воображения.

Продолжал ли Бетховен выступать?

Он сделал. Но в конце концов он сломал пианино, так сильно стучав по ним, чтобы слышать ноты.

После просмотра Бетховена на репетиции в 1814 году для трио эрцгерцога, композитор Луи Шпор сказал: «В пассажах forte бедный глухой стучал по клавишам до тех пор, пока не зазвенели струны, а в фортепиано он играл так тихо, что все группы нот были опущены, так что музыка была неразборчивой, если никто не мог заглянуть в партию фортепьяно.Я был глубоко опечален такой тяжелой судьбой ».

Когда дело дошло до премьеры его массивной Девятой симфонии, Бетховен настоял на дирижировании. Оркестр нанял другого дирижера, Майкла Умлауфа, чтобы он встал рядом с композитором. Умлауф сказал исполнителям следовать за ним и игнорировать указания Бетховена.

Симфония вызвала восторженные аплодисменты, которых Бетховен не мог услышать. Легенда гласит, что юная контральто Каролина Унгер подошла к маэстро и развернула его лицом к публике, чтобы увидеть овации.

Вот как мог бы выглядеть момент, если бы Гэри Олдман играл Бетховена в фильме Бессмертные возлюбленные :

Композитор (Телевидение) | Berklee

Подобно композиторам фильмов, композиторы на телевидении используют язык музыки, чтобы рассказывать истории. Независимо от того, работаете ли он над драмой, комедией, научной фантастикой, документальным фильмом или реалити-шоу, работа композитора заключается в написании музыки, которая усиливает действие, происходящее на экране, и усиливает эмоциональные переживания для зрителя.

В то время как телевизионный композитор может отвечать за написание темы шоу — запоминающейся песни или инструментального отрывка, играемого в начале каждого эпизода, который вызывает настроение шоу, — его основная ответственность заключается в написании партитуры для каждого эпизода, состоящего из ряд коротких отдельных пьес, называемых «репликами». Реплики различаются по стилю и тону и используются для выделения определенных моментов: например, автомобильной погони или любовной сцены.

Помимо темы и партитуры, телевизионные композиторы могут также создавать «исходную музыку», музыку, которая существует в мире шоу.Исходная музыка встречается гораздо реже, чем фон или темы, и часто принимает форму оригинальных песен, которые персонажи слышат по радио или в исполнении вымышленных групп.

Сочинять для телевидения — значит быть глубоко настроенным на сюжет и характеры и обладать достаточными навыками, чтобы переводить эмоциональные и психологические нюансы в эффективные музыкальные саундтреки.

По сравнению с сочинением для кино, где каждое творческое решение сильно взвешивается в течение месяцев, сочинение для телевидения является быстрым и интенсивным.Телешоу с огромным бюджетом на производство нанимают композиторов для написания индивидуальной партитуры для каждого эпизода, что означает создание огромного количества музыки за относительно короткий промежуток времени. Для получасовых шоу композитор может поставить 10–20 минут музыки, в то время как для часовых шоу может потребоваться 20-40 минут музыки, неделя за неделей, если шоу сериализуется. В результате этих быстрых изменений у большинства телевизионных композиторов есть команда, в которую входят несколько помощников композитора и, возможно, оркестратор.Телевизионные композиторы обычно подчиняются продюсерам и / или шоураннерам, а также могут активно координировать свои действия с музыкальными редакторами. В процессе записи многие композиторы также работают дирижерами сессий.

Не вся музыка для телевидения написана композитором; многие произведения предпочитают лицензировать темы и реплики из музыкальных библиотек, в которых хранится музыка любого стиля, написанная композиторами-фрилансерами. Кроме того, музыкальные супервайзеры работают независимо, чтобы найти и лицензировать уже существующие песни для использования в своих шоу.

25 величайших классических композиторов всех времен — The Juice

Есть известная поговорка: «писать о музыке — это как танцевать об архитектуре». Однако мы думаем, что сможем принять вызов. Вот наш список 25 величайших классических композиторов всех времен в произвольном порядке.

Сергей Рахманинов (1873-1943)

Сергей Рахманинов считается одним из величайших композиторов-классиков России. Исследование, проведенное группой физиков-теоретиков, показало, что он был самым новаторским композитором в истории классической музыки.

Пианист-виртуоз, композитор и дирижер, он наиболее известен своим фортепианным концертом № 2 . Это было восемь раз признано любимым произведением британской классической музыки в ежегодном опросе Classic FM, Зале славы Classic FM. Это один из самых популярных концертов классического репертуара, и за ним стоит интересная предыстория.

Рахманинов сочинил ее после четырех лет депрессии после негативной критической реакции на его симфонию № .1 . Только после прохождения терапии он создал одну из величайших классических работ всех времен, которую посвятил своему терапевту.

В последующие годы Рахманинов гастролировал по Соединенным Штатам и написал ряд других уважаемых композиций, таких как «Рапсодия на тему Паганини» .

Рахманинов во многом обязан своим успехом своему соотечественнику Петру Ильичу Чайковскому, который наставлял его в ранние годы. В музыке этих композиторов прослеживаются явные параллели, оба из которых представлены в этой статье.

Фредерик Шопен (1810–1849)

Польский композитор и пианист-виртуоз, Фредерик Шопен — не только один из величайших композиторов эпохи романтизма, но и один из немногих музыкантов того времени, которые посвятили себя одному инструменту.

В отличие от других композиторов, он не сочинял оперы и симфонии. Он писал в основном для фортепиано соло, потому что знал, что в этом его сила. Таким образом, он считается величайшим пианистом-виртуозом своего поколения, и его часто называют Поэтом фортепиано.

Он радикально расширил возможности фортепиано и был настоящим провидцем, постоянно экспериментировавшим с аппликатурой и педалированием. Результатом стала серия увлекательных, элегантных и неподвластных времени произведений, в том числе Соната для фортепиано № 2 си-бемоль минор , Героический полонез и Ноктюрн, соч. 9 №2 ми-бемоль мажор. Последний (его самый известный ноктюрн) вы можете послушать выше.

Как и несколько композиторов, упомянутых в этой статье, Шопен умер молодым человеком в возрасте 39 лет.Его здоровье начало ухудшаться в начале 30-х годов и резко ухудшилось в последние несколько лет его жизни.

Он оставил после себя множество поклонников и проложил путь нескольким великим знаменитостям. Дворжак, Рахманинов и Чайковский подражали Шопену в использовании национальных модусов и идиом, что является свидетельством его мастерства и новаторства.

Он — еще один пример композитора, которого давно не было, но музыка которого будет длиться вечно.

Джузеппе Верди (1813 — 1901)

Джузеппе Верди, величайший итальянский оперный композитор ^– века, был прогрессивным, индивидуалистическим и анти-условным.

Он преобразовал традиционную итальянскую оперную структуру, основанную в основном на мелодии, добавив больше гармонической и оркестровой изысканности, что принесло ему широкое признание.

Музыка Верди насыщена, драматична и временами мрачна, отражая трудности, с которыми он столкнулся в молодости. Он родился в семье трактирщиков на севере Италии и считался «простым человеком». Кроме того, его жена и двое детей умерли между 1838 и 1840 годами, когда ему было еще около 20 лет и его родственник был неизвестен.

Какое бы горе или печаль он ни чувствовал, он выразил их своей музыкой с потрясающим эффектом, создав такие шедевры, как Rigoletto .

Он также использовал свои композиции как средство выражения своих политических взглядов. Верди, страстный сторонник объединения Италии, объединил страну своей музыкой. Одно из его самых известных произведений, хор «Va, pensiero» из его оперы Nabucco , был мощным символом движения за объединение.Вы можете послушать это, посмотрев видео выше.

Иоганнес Брамс (1833 — 1897)

Иоганнес Брамс был одним из ведущих композиторов эпохи романтизма. По иронии судьбы, он был сторонником классических традиций, которые доминировали в музыке поколением раньше.

Его музыка была вдохновлена ​​Людвигом ван Бетховеном, и Брамс считался его преемником. Его положение в классической музыке настолько велико, что он является частью группы The Three Bs, в которую также входят Бетховен и Бах.

Брамс специализировался на фортепианных произведениях, хоровых сочинениях, камерной музыке и симфониях. Однако поначалу он не хотел сочинять последнее. Из-за влияния Бетховена в этой области Брамс боялся, что его музыку сочтут гораздо менее совершенной.

Однако эти опасения не оправдались. Его симфонии покорили мир, в том числе Симфония № 1 , на сочинение которой Брамс потратил 21 год. Это показывает, что хорошие вещи приходят к тем, кто ждет.

Морис Равель (1875-1937)

Морис Равель и соотечественник Клод Дебюсси часто упоминаются в одном разговоре. Оба француза были ведущими композиторами-импрессионистами начала ^{-х годов} века, несмотря на то, что они отвергли этот ярлык.

Но, несмотря на то, что у них было много общего, Равель был гениальным композитором сам по себе. Его считали величайшим из ныне живущих композиторов Франции 1920-х и 30-х годов.

В этот период, в 1928 году, он написал свою самую известную работу — Болеро . Одночастное оркестровое произведение, оно использовалось танцорами Торвиллом и Дином в качестве музыкального сопровождения их танцев на льду, завоевавших золотую медаль на Олимпийских играх 1984 года. Хотя это подтверждает широкую и непреходящую привлекательность Bolero , сам Равель был удивлен его успехом, сказав: «Я написал шедевр — к сожалению, в нем нет музыки».

Хотя он был родом из Франции, композиции Равеля основывались на мелодических фразах, ритмах и модальных вариациях испанской музыки.Две его оперы, L’heure espagnole и L’enfant et les sortilèges , воплощают этот подход.

Йозеф Гайдн (1732 — 1809)

Пожалуй, самый влиятельный композитор классического периода, Йозеф Гайдн имеет два титула — «Отец симфонии» и «Отец струнного квартета».

Австрийский композитор почти в одиночку создал современную форму камерной музыки, жанра, которым до сих пор пользуются в концертных залах по всему миру.Он также сыграл ключевую роль в развитии концерта, фортепианной сонаты и фортепианного трио.

Но его репутация основана не только на этих достижениях или на том факте, что он написал 106 симфоний. Его влияние на других музыкантов также достойно похвалы — в 1790-х годах он научил молодого Людвига ван Бетховена некоторым контрапунктам в своем родном городе Айзенштадте. Это оказалось бы бесценным упражнением.

Учитывая огромное количество произведений, написанных Гайдном, выбрать его лучшую работу — гигантская задача.Тем не менее, симфония № 44 («Trauer»), симфония № 88 и симфония № 49 («La Passione») относятся к числу его самых известных симфоний.

Феликс Мендельсон (1809 — 1847)

Когда кто-то из ваших сверстников называет вас «Моцартом 19, ^-го, -го века», вы знаете, что произвели неизгладимое впечатление.

Так Роберт Шуман, еще один композитор из этого списка, описал своего близкого друга Феликса Мендельсона.

Немецкий композитор, пианист, органист и дирижер, Мендельсон приобрел известность в период раннего романтизма. Тем не менее, его считают классико-романтическим композитором, поскольку в его музыке сочетаются романтическая субъективность и фантазия с классическим балансом и пропорциями.

Его самые известные сочинения включают Шотландскую и Итальянскую симфонии и увертюру к балету «Сон в летнюю ночь» . Он даже сочинил мелодию, которая связана с неким рождественским гимном.Мелодия «Слушай! The Herald Angels Sing ’была адаптирована из его хоровой кантаты Festgesang .

Мендельсон умер в возрасте 38 лет от серии инсультов. Но, хотя его жизнь была недолгой, он оказал огромное влияние на протяжении всей своей жизни.

Сергей Прокофьев (1891 — 1953)

Если вы не знакомы с русско-советским композитором Сергеем Прокофьевым, вы почти наверняка знакомы с его творчеством.

Танец рыцарей, из балета Ромео и Джульетта, считается одним из величайших его произведений . Сегодня это обычно ассоциируется с музыкой для прогулок для музыкальных групп и футбольных команд, такова его непреходящая и повсеместная популярность. В нем запечатлены запоминающиеся, свежие мелодии Прокофьева, а также энергичное, насыщенное чувство его музыки.

Эта интенсивность отражена во многих других его знаковых произведениях, включая оперы Любовь к трем апельсинам и Огненный ангел , сюиту Лейтенант Кидже и Петр и Волк .

Прокофьев, ключевой композитор начала — середины 20-х годов ^{-х годов} века, пострадал от того же конфликта, что и многие музыканты того времени.Как сказал Classic FM: «В одну минуту он переосмысливал классические идеалы 18-го века или романтизм 19-го века, а в следующую он выступал против тех же самых традиций».

Какими бы ни были его убеждения, Прокофьев умудрялся создавать увлекательную и заставляющую задуматься музыку на протяжении 20, ^и века.

Роберт Шуман (1810 — 1856)

Мы упоминали Шумана выше, и, как и Мендельсон, он считается одним из величайших композиторов эпохи романтизма.

Он написал десятки сольных фортепианных произведений, сотни хоровых произведений, оперу, четыре симфонии и бесчисленное множество других произведений. Он очень интересовался литературой, и повествовательная, а иногда и автобиографическая природа его музыки отражала это.

Шуман однажды сказал: «Послать свет во тьму человеческих сердец — таков долг художника». Его долг был исполнен должным образом — Иоганнес Брамс, Ференц Лист и Рихард Вагнер были вдохновлены его произведениями.

Однако его жизнь была окутана трагедиями и триумфом. Шуман умер сравнительно молодым человеком, ему было всего 46 лет. Считается, что он страдал от шизофрении или биполярного расстройства, а обстоятельства, приведшие к его смерти, были крайне неприятными.

В 1854 году он бросился в реку Рейн, но был спасен и отправлен в частное психиатрическое учреждение. Он умер в учреждении два года спустя, и причина смерти так и не была полностью установлена, хотя считается, что это была пневмония.

Но, как и в случае с Мендельсоном, его репертуар, несмотря на то, что он прожил недолго, выдержал испытание временем. Послушайте один из его шедевров, Träumerei , посмотрев видео выше.

Клаудио Монтеверди (1567 — 1643)

Теперь мы обратимся к началу периода барокко и одной из его основополагающих фигур, Клаудио Монтеверди.

Итальянец помог преодолеть периоды Возрождения и Барокко почти без особых усилий, отказавшись от традиционных концепций в пользу новаторских стилей.

Например, в эпоху Возрождения композиторы обычно не указывали, на каких инструментах они хотели бы играть определенные партии в своих партитурах. Однако Монтеверди при написании партитуры для опер приписывал партиям определенные инструменты.

Он также был одним из главных действующих лиц бассо континуо, системы, состоящей из непрерывной басовой линии и аккордового аккомпанемента. Басовая партия обычно исполняется на виолончели или контрабасе, в то время как орган или клавесин играют аккорды.Этот прием можно услышать в его опере L’Orfeo , , самой ранней из сохранившихся опер и одной из величайших опер всех времен.

Музыка Монтеверди находилась в некотором пренебрежении в 18, ^, и 19, ^, веках, когда современная музыка была в приоритете. Но, по иронии судьбы, музыка, ознаменовавшая конец периода Возрождения, возродилась в начале 20-го, ^-го, -го века.

Его произведения до сих пор регулярно исполняются и записываются, а в декабре 2019 года он был признан одним из 10 лучших композиторов всех времен по версии BBC Music Magazine .

Франц Шуберт (1797 — 1828)

Франц Шуберт, от природы одаренный и плодовитый композитор, считался последним писателем-классиком и одним из первых писателей-романтиков.

Его музыка была идеальным исследованием мелодии и гармонии, он преуспел в нескольких жанрах, сочиняя симфонии, камерную музыку, струнные квартеты и оперы.

Другой композитор, проживший трагически короткую жизнь, Шуберт умер в возрасте 31 года, причём его смерть была официально указана как брюшной тиф.

Однако за свою короткую жизнь Шуберт написал более 600 светских вокальных произведений, в том числе Gretchen am Spinnrade и Du bist die Ruh . Только в 1815 году он написал более 20 000 музыкальных тактов, в том числе девять церковных произведений, симфонию и около 150 песен — когда ему было всего 18 лет.

Явный талант Шуберта проявился с раннего возраста, что он довел своего учителя Михаэля Хольцера до слез, когда Хольцер описал его отцу игровые способности Шуберта.Хольцер сказал о Шуберте: «Каждый раз, когда я пытался сказать ему что-то новое, он это уже знал. Как следствие, я никогда не давал ему уроков, просто разговаривал с ним и молча восхищался им ».

Мы подозреваем, что вы тоже будете молча восхищаться музыкой Шуберта, если послушаете ее.

Рихард Штраус (1864-1949)

Это красноречиво свидетельствует о таланте, необходимом для того, чтобы стать великим композитором, если учесть, что Рихард Штраус написал свое первое произведение в возрасте шести лет.В течение следующих 80 лет он стал ведущим композитором эпохи позднего романтизма и раннего модерна.

Штрауса считали холодным и отстраненным человеком, но теплота его музыки опровергала такие представления. Его яркие оркестровки, интенсивные мелодии и изощренное использование гармонии привели его к статусу почти знаменитости к концу 19 ^-го века, когда он сочинил такие шедевры, как Till Eulenspiegel и Don Quixote.

Да, и не забываем про Также Sprach Zarathustra .Вы уже слышали фанфары от этой работы, особенно если вы смотрели 2001: Космическая одиссея.

Штраус, наиболее известный своими стихотворениями и операми с богатым озвучиванием, был одним из главных новаторов в своей области.

Соответственно, Штраус занимал несколько руководящих должностей. Он был главным дирижером Баварской государственной оперы в Мюнхене с 1894 по 1898 год, Берлинской государственной оперы с 1898 по 1913 год и Венской государственной оперы с 1919 по 1924 год.

У него была любовь к голосу сопрано, и певцы сопрано всего мира расскажут вам, какое это удовольствие — петь его сочинения.Вы можете послушать, как американское сопрано Рене Флеминг исполняет невероятную кульминацию своей оперы Каприччио выше.

Антонио Вивальди (1678 — 1741)

С чего начать объяснение влияния Антонио Вивальди на музыку барокко? По прозвищу Il Prete Rosso («Красный священник») из-за его рыжих волос (и того факта, что он некоторое время был священником) музыка итальянца была такой же характерной, как и его внешность.

Он фактически стал пионером концертного жанра, в котором виртуозные сольные исполнители чередуются с целым оркестром или вместе с ним.Его концерты стали эталоном для композиторов-классиков — самый известный из них, конечно же, The Four Seasons , группа из четырех скрипичных концертов.

Это один из 500 концертов, сочиненных Вивальди за его выдающуюся карьеру. Он написал концерты для мандолины, виолончели, флейты, альта д’амур, флейты и лютни.

Всего Вивальди написал 800 музыкальных произведений, создав сочинения для опер, сольных инструментов и небольших ансамблей.Его другие крупные композиции включают Nisi Dominus, Gloria и L’Estro Armonico .

Однако, несмотря на его таланты, музыку Вивальди редко играли после его смерти в 1741 году. Он был признан немощным среди слушателей классической музыки, а его рукописи были заперты или даже приписаны другим композиторам.

Однако в последние годы его музыка полностью возродилась — и разве мы не благодарны за это?

Ференц Лист (1811 — 1886)

Ференц Лист был одним из важнейших композиторов эпохи романтизма и, возможно, самым выдающимся пианистом своего поколения.

Другой вундеркинд, венгр невероятным образом освоил фортепианный концерт № 2 ми-бемоль мажор Фердинанда Риса к девяти годам.

В последующие десятилетия Лист внес несколько революционных вкладов в музыку. Он изобрел симфоническую поэму и был первым композитором, который сыграл полностью по памяти — чего раньше не делал ни один музыкант.

Он также был первым музыкантом, который разместил свое пианино под прямым углом к ​​сцене — преднамеренная уловка, чтобы спроецировать его звук и сделать его более заметным для публики.

Это вызвало у его публики истерическую реакцию: женщины кричали во время его выступлений, кидались в него своей одеждой и пытались отрезать прядь его волос. Эти события стали частью явления, получившего название «Листомания», и привели к тому, что Лист был назван «первой рок-звездой мира».

За свою карьеру Лист написал более 700 произведений, из которых фортепианная соната си минор считается его шедевром. В отличие от большинства традиционных фортепианных сонат, она состоит из одной гигантской арки из одной части, длящейся почти полчаса — что-то неслыханное в эпоху романтизма.

Если и нужно было раздвигать границы, Лист раздвигал их — с громким эффектом.

Антонин Дворжак (1841 — 1904)

Антонин Дворжак, первый чешский композитор, получивший мировое признание, был одним из самых выдающихся музыкальных деятелей эпохи романтизма.

Он наиболее известен своими симфониями, которые почитают за их лирическую теплоту, а его произведения основаны на народном материале его родины.

Несмотря на то, что Дворжак рано продемонстрировал свои обещания, его имя стало нарицательным только после того, как ему исполнилось 30 лет.Он уничтожил большинство своих ранних работ, заявив: «У меня всегда достаточно бумаги, чтобы развести огонь». К счастью, несколько композиций были сохранены и стали ключом к его возможному прорыву.

В 1874 году Дворжак представил свою работу на австрийскую государственную премию в области композиции, а Иоганнес Брамс был в жюри.

Пораженный способностями Дворжака, Брамс рекомендовал произведение чешского композитора своему издателю Фрицу Симроку. Это привело к публикации «Славянских танцев », серии из 16 оркестровых пьес, написанных Дворжаком в 1878 году, которые привели его к славе.

К 1893 году он переехал в Америку и сочинил, возможно, свое лучшее произведение — Симфонию № 9, «Новый мир» . Мировая репутация Дворжака совершила гигантский скачок… и Нил Армстронг даже взял с собой магнитофонную запись во время своей миссии «Аполлон-11» в 1969 году.

Клод Дебюсси (1862-1918)

Предыстория Клода Дебюсси так же замечательна, как и его сочинения. Родом из бедного пригорода Парижа, он был принят в Парижскую консерваторию в возрасте 10 лет.Остальное, как говорится, уже история.

Дебюсси считается первым в мире композитором-импрессионистом. Однако для того, чтобы сказать ему это, понадобился смелый человек, поскольку он назвал импрессионизм «слабоумным».

Каким бы он ни был, его музыка отражала идеи художников-импрессионистов того времени, таких как Клод Моне. Подобно картинам Моне, музыка Дебюсси размывает края и создает новые гармонии, которые придают его музыке сказочный, цветной и атмосферный вид.

Он был отчетливо французским и был реакцией на германскую музыку, характеризующуюся формой и развитием, которая определила романтическую эпоху.

Это воплощено в его культовой композиции Clair de Lune , третьей части из Suite bergamasque , любимой слушателями во всем мире. Его название по-французски означает «лунный свет» и взято из одноименной поэмы французского поэта Поля Верлена.

Это одна из многих определяющих работ Дебюсси, среди которых Prélude à l’Après-midi d’un faune , La Mer и Images .Это дает вам представление о способностях великого человека.

Жан Сибелиус (1865 — 1957)

Вы не поверите, но Финляндия произвела множество легендарных композиторов. Тем не менее, Жан Сибелиус, безусловно, самый известный из них.

Когда Сибелиус впервые стал выдающимся композитором, Финляндия была частью Российской империи. К 1917 году, когда он был на пике своей славы, страна окончательно обрела независимость. Считается, что его музыка сыграла ключевую роль в помощи Финляндии в преодолении российского правления, дав его родине сильное чувство национальной идентичности в период напряженной борьбы.

Многие композиции Сибелиуса черпали вдохновение из Калевала , сборника финского фольклора, поэзии и мифологии. Он также написал такие произведения, как Finlandia (вверху), тональное стихотворение, которое было протестом против цензуры со стороны Российской Империи. Это произведение, наряду с такими произведениями, как Karelia Suite и Valse triste, , положило Сибелиуса (и Финляндию) на карту.

Он понравился не всем — New York Herald Tribune назвал его Symphony No.2 «вульгарный, своенравный и провинциальный вне всякого описания». Но как однажды сказал великий человек: «Не обращайте внимания на то, что говорят критики; ни одной статуи критику не ставили ».

Рихард Вагнер (1813 — 1883)

Необязательно быть приверженцем классической музыки, чтобы услышать Рихарда Вагнера. Если вы когда-нибудь напевали «Here Comes the Bride» (из романа Вагнера Lohengrin ) или смотрели сцену нападения вертолета из фильма Apocalypse Now с участием Ride of the Valkyries , вы были заняты его работой пассивно.

Это всего лишь два примера сейсмического влияния Вагнера на западную музыку. Он поднял оперный жанр на новый уровень, исследуя богатые гармонические структуры и оркестровку и сочиняя эпические крупномасштабные произведения, такие как The Flying Dutchman .

Он даже отстаивал концепцию Gesamtkunstwerk , , что означает «полное произведение искусства» . Это стремилось объединить музыку и драму и было реакцией на то, что Вагнер считал ограничительным характером итальянской оперы.

Хотя он из Германии, работу Вагнера можно охарактеризовать как панъевропейскую, такова ее глобальная привлекательность. Об этом свидетельствует Байройтский фестиваль, ежегодный фестиваль в его честь, который посвящен исключительно его произведениям и привлекает посетителей со всего мира.

Однако можно с уверенностью сказать, что не все были вагнерианцами в течение своей карьеры. Дебюсси называл его «старым отравителем», в то время как у него также было давнее соперничество со своим соотечественником Брамсом в рамках «Войны романтиков».

Но, какое бы безразличие к нему ни испытывали некоторые из его сверстников, никто не мог отрицать влияние Вагнера в середине и конце 18-го, ^-го, -го века и позже.

Густав Малер (1860 — 1911)

История Густава Малера завораживает. Хотя он написал одни из лучших симфоний со времен Бетховена и считается одним из самых влиятельных композиторов позднего романтизма, при жизни он был более известен как дирижер.

Работы Малера получили широкое признание только после того, как были заново открыты в середине 20-го, ^-го, -го века.Его музыка была запрещена к выступлениям в большей части Европы в нацистскую эпоху из-за его еврейского происхождения. Его сочли «дегенеративным», и его могли играть в Европе только еврейские музыканты для еврейской публики.

Только после вмешательства американского композитора Леонарда Бернстайна мир смог наконец оценить подвижный талант Малера.

Он был страстным философом, глубоко интересовавшимся трудами Фридриха Ницше. Таким образом, его композиции исследовали смерть, ужас, жизнь и радость в равной мере.Хотя этот подход отговорил некоторых зрителей еще в конце 19-го, ^-го, -го века, сегодня он олицетворяет его привлекательность.

В 2016 году BBC Music Magazine опросили 151 дирижера, согласно которому три его симфонии были включены в десятку лучших симфоний всех времен.

Игорь Стравинский (1882 — 1971)

Игорь Стравинский — самый современный композитор из этого списка, скончавшийся менее 50 лет назад.

Широко известный как самый важный композитор 20 ^-го -го века, Стравинский был революционером, который раздвинул границы и адаптировал свой стиль на протяжении всей своей карьеры.Его музыку можно разделить на три стиля по разным периодам — ​​русский (1907 — 1919), неоклассический (1920 — 1954) и сериальный (1954 — 1968).

Еще одним свидетельством его разносторонности было то, что он мог писать практически для любого жанра. Однако наиболее известен он своими балетами, самый известный из которых — Весна священная . Когда в 1913 году премьера спектакля состоялась в Париже, считается, что он вызвал бунт из-за радикальных технических новшеств и провокационной хореографии.

Однако его долгосрочное влияние было более позитивным. Его хрустящие гармонии, нерегулярный размер и сильный ритмический акцент изменили то, как последующие композиторы думали о музыке — Карлхайнц Штокхаузен и Стив Райх — два примера.

Весна священная был одним из трех балетов, которые сделали имя Стравинского нарицательным, два других — Жар-птица и Петрушка .

Хотя его стиль изменился в последующие годы, он продолжал создавать такие шедевры, как Oedipus Rex , The Rake’s Progress и к концу своей карьеры Agon .

Более чем за полвека его сочинения навсегда изменили ход музыки. Проще говоря, они осветили мир.

Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750)

В глазах многих Иоганн Себастьян Бах — самый выдающийся композитор из когда-либо живших. Почти 200 ведущих композиторов мира назвали его величайшим композитором всех времен по версии BBC Music Magazine .

Хотя такие мнения субъективны, бесспорно то, что немец изменил музыку навсегда.Объяснить, как в паре сотен слов почти невозможно, но мы попробуем…

Во-первых, Бах был дотошным. Его музыку часто воспринимают как науку, точность которой почти математическая. Это явная синхронность между контрапунктом и гармонией, мастерство диссонансных звуков, бесшовная интеграция мелодических структур. Никто в то время не усовершенствовал эти элементы так, как Бах.

Во-вторых, он был работоспособен. За свою жизнь (65 лет) он сочинил невероятное 1128 музыкальных произведений, в том числе 200 кантат.

Он тоже был новатором. Он обогатил существующие немецкие стили, адаптировав ритмы, формы и текстуры из-за границы, особенно из Италии и Франции. Бетховен называл его «изначальным отцом гармонии», в то время как он оказал огромное влияние на Моцарта, Шопена и Брамса.

Как однажды сказал телеведущий Эндрю Марр: «В Бахе есть размер, оптимистическая сложность и радость, которые заставляют меня возвращаться к нему в любом настроении, никогда не скучая. Это все, что я могу сказать.”

Тем не менее, чтобы рассмотреть, что могло бы быть. Бах был более известен как органист при жизни, и лишь несколько его сочинений были опубликованы за 50 лет после его смерти. Только примерно с начала 19, ^-го, века и далее его творчество было возрождено и полностью оценено.

Его самые знаменитые композиции включают клавишные, такие как The Well-Tempered Clavier , Brandenburg Concertos и вокальную музыку, такую ​​как St Matthew Passion .Послушайте финальный припев из этой пьесы, и вы поймете, что делает Баха таким особенным.

Пётр Ильич Чайковский (1840 — 1893)

Говоря о Петре Ильиче Чайковском, будет справедливо, что мы подробно исследуем его музыкальные вклады, неоднократно ссылаясь на него.

Мы упоминали влияние Рахманинова и Прокофьева выше, но Чайковский был первым российским композитором, получившим международное признание.Однако его путь к признанию был далеко не простым.

Он начал свою трудовую деятельность в качестве государственного служащего на случай, если его музыкальная карьера не удалась. К счастью, этот план на случай непредвиденных обстоятельств понадобился ему недолго. Когда ему был 21 год, открылась новая школа — Петербургская консерватория. Чайковский поступил туда, окончил институт в 1865 году и никогда не оглядывался назад.

Обучение, которое он получил, было сосредоточено на западных традициях, и это было неотъемлемой частью его сочинений, в которых сочетались элементы русской народной музыки с немецкими, итальянскими и французскими традициями.Такой подход отличал Чайковского от его соотечественников, таких как «Пятерка».

Его произведения включают симфонии, концерты, оперы, балет и камерную музыку. Среди его самых известных произведений — увертюра 1812 года и один из последних сочиненных им балетов Щелкунчик . Затем есть «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» — список можно продолжить.

Какое бы произведение Чайковского вы ни послушали, вы услышите множество красочных, теплых и величественных обертонов.

Джордж Фредерик Гендель (1685 — 1759)

Наряду с Бахом, Вивальди и Монтеверди, Джордж Фредерик Гендель считается одним из величайших композиторов периода барокко.

Гендель, известный своими операми, ораториями и органными концертами, родился и вырос в Германии, но жил там только до 20 лет. Он переехал в Рим на несколько лет, а затем переехал в Англию в 1710 году и прожил здесь более 50 лет до своей смерти.

Эти движения сформировали музыку Генделя.В начале своей карьеры он сочинял в основном итальянские оперы, начиная с его революционной работы Ринальдо в 1710 . Однако, когда вкусы изменились, а итальянская опера стала менее модной, Гендель перешел к ораториям, вдохновленным хоровыми произведениями английского композитора Генри Перселла.

Вы можете услышать это в оратории Messiah , , написанной в 1741 году на английском языке и повествующей историю Иисуса Христа. Если вы не знакомы с этим, вы узнаете это в тот момент, когда услышите.Это наиболее почитаемое произведение Генделя и одно из наиболее часто исполняемых классических произведений в западной музыке.

Среди других его примечательных произведений — «Пир Александра» , который побудил Генделя отойти от итальянской оперы, и «Садок-священник» , сочиненный им для коронации Георга II. В какой-то момент Гендель был капельмейстером (или человеком, отвечающим за создание музыки) короля.

Вдобавок его музыка оказала большое влияние на Моцарта и Бетховена.По наследству, конечно, можно было сделать и хуже.

Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791)

Термин «гений» часто используется при описании музыкантов, но он едва ли оправдывает Вольфганга Амадея Моцарта.

Австриец широко признан величайшим композитором классической эпохи и одним из лучших композиторов западной музыки.

Он один из немногих композиторов в истории, создавших произведения во всех жанрах своего времени, один из двух самых исполняемых композиторов всех времен. За свою короткую жизнь он написал 626 музыкальных произведений.

Невероятно, но свою первую пьесу он написал, когда ему было всего пять лет, — менуэт и трио соль мажор . К 14 годам он мог полностью по памяти расшифровать 15-минутное произведение итальянского композитора Грегорио Аллегри « Miserere ».

Эти первые признаки обещания были указанием на то, что должно было произойти. Моцарт покорил мир, написав такие шедевры, как:

Но хотя большая часть жизни Моцарта была определена успехом, она закончилась при сомнительных обстоятельствах.Он умер в возрасте 35 лет, и причина его смерти является предметом многочисленных предположений. Некоторые считают, что это было вызвано ревматической лихорадкой, другие считают, что его отравил его коллега Антонио Сальери.

К сожалению, большая часть музыки Моцарта не была опубликована на момент его смерти, но она более чем выдержала испытание временем. Еще в 2016 году Моцарт превзошел Бейонсе, Адель и Дрейк. И это еще не все — в прошлом году одна из его ранних рукописей недавно была продана на аукционе за 318 400 фунтов стерлингов. Это говорит вам все, что вам нужно знать о его наследии.

Людвиг ван Бетховен (1770 — 1827)

Людвиг ван Бетховен считается самым важным и влиятельным композитором своего времени.

Его музыка опередила свое время и отличала его от предшественников. Он создавал более крупные структуры, исследовал больше тем и сочинял более громкие, длинные и захватывающие симфонии, чем когда-либо существовало раньше. Он также поднял гармонические эксперименты на новый уровень, идя вразрез с упрощенной гармонией классического периода.

Таким образом, он был неотъемлемой частью перехода между классической и романтической музыкальными эпохами. Проще говоря, он расширил эмоциональный язык музыки.

Считается, что Бетховен достиг своего пика между 1802 и 1812 годами, его средним, или «героическим» периодом. В течение этого периода он написал свою Пятой симфонии , Концерт для скрипки , Лунную сонату (вверху) , и оперу Fidelio — его единственную оперу.

С 1813 года его слух резко ухудшился, и к 44 годам он полностью оглох. Каким-то чудом это не помешало ему сочинять, и в последние несколько лет своей жизни он завершил знаменитую симфонию 9, , . Это Ода к радости, мелодия, принятая Европейским Союзом в 1985 году в качестве «гимна Европы».

Как и многие великие композиторы, Бетховен был сложным и беспокойным человеком. Помимо глухоты, у него было бурное детство.Его отец подвергался жестокому обращению, а его мать умерла от туберкулеза, когда ему было всего 16 лет. Позже он подумывал о самоубийстве и так и не женился.

Нет никаких сомнений в том, что невзгоды, с которыми столкнулся Бетховен, являются ключом к его произведениям. В разные моменты они рассказывают истории о суматохе, борьбе, надежде и восторге — эмоциях, которые нам всем понятны.

Если вы играете в оркестре, вы, вероятно, исполнили хотя бы одно из сочинений этих гениев. Это, без сомнения, возбуждающее чувство — и вы не хотите, чтобы вас уносили, потому что у вас не было надлежащей страховки.

Но, если ваше оборудование украдено, потеряно или повреждено и вы не защищены надлежащим образом, вы столкнетесь с невозможностью работать в течение длительного периода.

Здесь на помощь приходит наша специализированная страховка. Она не только покрывает ремонт или замену вашего инструмента, но и включает страхование гражданской ответственности — то, что требуется большинству общественных мест перед тем, как позволить вам выступать.

Узнайте больше о нашей страховке оркестра, щелкнув ссылку выше, или получите онлайн-расценки за считанные минуты и посмотрите, что мы можем для вас сделать.

Романтический период музыки

Спросите большинство людей, что они считают романтической песней, и вы получите такие ответы, как «All of Me» Джона Легенда или что-нибудь еще от Марвина Гэя. Но, как известно, заглавная буква «Р» в романтической музыке — это произведения, написанные в романтическом стиле, возникшем в эпоху романтизма. Но что характеризует музыку романтического периода? Как оно развивалось? Вот некоторые из вопросов, на которые мы здесь ответим.

Краткое описание музыки эпохи романтики

По своей сути, композиторы эпохи романтизма рассматривали музыку как средство индивидуального и эмоционального выражения.Действительно, они считали музыку формой искусства, наиболее способной выразить весь спектр человеческих эмоций. В результате композиторы-романтики расширили диапазон эмоционального содержания. Ожидалось, что музыка будет общаться с аудиторией, часто используя повествовательную форму, рассказывающую отдельные истории.

Композиторы-романтики ставили эмоциональное или повествовательное содержание музыки выше ее формы, поэтому они нарушили так много правил композиторов-классиков. Композиторы-романтики не отвергали и не порывали с музыкальным языком, развитым в классический период.Они использовали его формы в качестве основы для своей работы, но не чувствовали себя ограниченными ими.

Бетховен — автор этого подхода. Он жил и работал во время перехода от классического к романтическому периоду и был источником вдохновения для композиторов-романтиков, которые пришли после него.

Симфонии Бетховена «меняют местность» для того, чем могла бы быть симфония. Он также продемонстрировал грядущие характеристики эпохи романтизма, такие как сочинение автобиографических произведений и наименования движений, таких как третья часть его струнного квартета No.15 ля минор, соч. 132 ( Песнь Благодарения Божеству от выздоравливающего в лидийском режиме ).

В конечном итоге композиторы-романтики развили и расширили формалистическую классическую структуру до более сложного, богатого музыкального языка.

Истоки и контекст романтического периода

Музыка немного опоздала на вечеринку «Романтический период». Историки спорят о датах начала и окончания романтического периода.Одни датируют его 19-м, ^-м, -м веком, а другие — концом 18-го, ^-м, -м веком. Это верно для романтической литературы. Такие произведения, как песен невинности Уильяма Блейка (1789) и Кубла Хан Сэмюэля Кольриджа (1797), считаются примерами ранней романтической поэзии. Романтическая эра достигла своего расцвета в середине 1800-х годов, охватывая все искусства и популярные мысли того времени.

Романтический упор на индивидуальное самовыражение вырос из политических идей индивидуализма, родившихся в эпоху Просвещения.Однако романтики отвергли упор того времени на логику и рациональность. Эти идеи были такими же ограничивающими, как и правила в отношении форм классической музыки. Они также восстали против таких отличительных черт промышленной революции, как механизация, массовое производство и урбанизация, которые рассматривались как противоречащие их видению идеализированного, естественного состояния бытия.

Большая часть искусства эпохи романтизма, включая музыку, также отражала напряженность и национализм войны и революции, охватившие Европу от Французской революции (1789 г.) до революций середины века и до национальных объединений в 1870-х годах.Примеры этого включают скульптуру «Отъезд добровольцев» на фасаде Парижской Триумфальной арки, которая отсылает к солдатам как Французской революции, так и Наполеоновских войн; и картины испанского художника Франсиско Гойи, изображающие сопротивление Испании Наполеону.

Эти события, идеи и атмосфера непосредственно внесли свой вклад в четыре основные художественные тенденции, наблюдаемые в романтических композициях.

Четыре основных источника вдохновения для музыки эпохи романтизма

Теперь, когда вы понимаете контекст, в котором развивалась романтическая музыка, будет легко понять, почему именно эти художественные темы (определяемые шире, чем строгое музыкальное значение «темы») постоянно появляются в произведениях на протяжении всего периода.

• Передача крайних эмоциональных состояний, автобиографических, связанных с литературным персонажем или ситуацией или просто представлением человека.

• Изучение природы, особенно ее более дикой природы, например использование музыкальных приемов для имитации звуков шторма или создания атмосферы густого таинственного леса.

• Увлечение сверхъестественным как реакция на научные достижения, демистифицировавшее старые верования и создавшее неуверенность в том, куда наука может привести человечество.

• Включение народной музыки или сказок как средство провозглашения или восстановления национальной гордости.

Эти четыре темы четко не разграничены, так как вы можете найти многие или все из них, объединенные в одну работу. Один из способов, которыми это делали композиторы-романтики, было сочинение произведений, вдохновленных литературой. Этот метод дал композитору композицию с повествовательной и эмоциональной рамками.

Скерцо Мендельсона из оперы Сон в летнюю ночь

Восстание музыкального виртуоза

Последнее — но критическое — художественное вдохновение, появившееся в эпоху романтизма, не тематическое, а очень личное: композитор как артист и виртуоз .Композиторы-романтики часто были больше, чем просто композиторами. Скорее всего, они также были исполнителями и / или дирижерами. Виртуоз обладал как выдающимся техническим мастерством, так и широкой известностью. Паганини, Лист и Брамс — прекрасные образцы романтического виртуоза.

Истоки музыкального виртуоза — одновременно артистичны и практичны. Романтизм — это самовыражение, особенно через самовыражение художника. Таким образом, композиторы-романтики чувствовали себя свободными, чтобы напрягать и искажать классические музыкальные формы все более личными способами.Сегодня мы называем это «брендингом». Но даже тогда композиторы-романтики искали способ развить свой голос с помощью музыки, который был бы узнаваем публикой.

Композиторы того времени обладали большей личной творческой свободой, потому что они больше не работали под благородной системой патронажа, которая определяла эпоху барокко и классицизма. Композиторы и музыканты больше не работали в угоду герцогу или принцу. Промышленная революция привела к демографическому буму, и многие люди жили в растущих городах.Появился широкий средний класс, у которого был располагаемый доход и время, чтобы ценить искусство. Артисты следили за народом, выступая на фестивалях и других публичных концертах. Центры искусств переместились из деревенских замков в города.

Короче говоря, композиторы-романтики могли добиться общественного и финансового успеха, сочиняя произведения, угодные публике. Однако это также привело к художественному напряжению, которое сохраняется и по сей день: степень, в которой композитор полностью выражает свои личные, художественные мотивы (сторона artiste ) или сдерживаются ли они, чтобы угодить покупающей билеты аудитории.Этот рост музыкального виртуоза также является одной из причин, почему в эпоху романтизма наблюдался рост музыкального критика, такого как E.T.A. Гофман. Музыкальные критики помогали непрофессионалам ориентироваться в этом новом художественном мире.

Как музыка эпохи романтизма отделилась от классической музыки

Язык музыки эпохи романтизма не столько порвал с классическими предшественниками, сколько расширил свой словарный запас и смело игнорировал классический формализм. Например, Unfinished Шуберта не ограничивается традиционной восьмитактовой фразировкой.

Композиторы также не чувствовали себя обязанными ограничивать исследование различных тональностей в произведении, о чем свидетельствует Симфония № 2 Малера.

В дополнение к нарушению существующих правил композиторы-романтики также разработали новые техники или активизировали менее используемые, чтобы выразить более широкий спектр эмоциональных и повествовательных состояний. Они использовали более расширенные мелодии, более широкий диапазон тона, высоты звука и темпа — более сложные гармонии.Вот некоторые ключевые нововведения эпохи романтизма:

• В хроматических гармониях шире использовались полутоны и необычные последовательности аккордов.
• Мелодии, связанные с внешней ссылкой, например выражаемым персонажем или эмоцией. Вагнер впервые предложил эту идею с лейтмотивом .
• Не полагаться на каденцию при разрешении отрывка, но допускает «бесконечную мелодию».
• Использование rubato , регулирующее темп, чтобы отразить уровень эмоциональной напряженности, которую музыка должна передать в данный момент.
• Повышенный темп и сложные ритмы, требовавшие исключительной точности и технического мастерства.
• Более широкое использование таких техник, как sul ponticello (поклон около мостика) и sul tasto (поклон около грифа).

Композиторы-романтики воспользовались преимуществами различных механических инноваций, чтобы исследовать более богатую динамику и тона. В частности, усовершенствования инструментального строительства, а также создание новых инструментов.Расширение ассортимента и совершенствование инструментов позволило композиторам-романтикам выразить более точные градации громкости и тона. Это включало в себя более длинные парящие крещендо и диминуэндо. Это также позволило им делать большие скачки в тоне и громкости, создавая новый вид диссонанса.

Изменения в инструментах во время романтического периода

Фортепиано значительно эволюционировало в эпоху романтизма. Например, количество физических клавиш увеличилось с пяти до восьми октав.Материалы, используемые для изготовления каркасов пианино, изменились с дерева на металл, а прочность металла, из которого изготовлены его струны, увеличилась. Эти улучшения обогатили диапазон высоты тона и качество звука фортепиано.

Точно так же материалы, используемые для изготовления деревянных духовых инструментов, также улучшили и расширили их музыкальное качество и разнообразие. Инновации, такие как разработка клапана для медных духовых инструментов, также способствовали более разнообразному звучанию. Как и изобретение совершенно новых инструментов, таких как туба Вагнера.

Однако одним из наиболее значительных изменений в инструментарии в эпоху романтизма была не природа инструментов в отдельности, а изменения в инструментарии произведений.

Изменения в оркестре в период романтики

Важнейшим средством расширения выразительности музыки — в первую очередь за счет тонального цвета, более широкой динамики и более богатых гармоний — было увеличение количества инструментов, необходимых для исполнения композиции.Ярким примером этого является Симфония № 8 Малера ми-бемоль мажор ( Симфония тысячи ), для которой требуются два хора и 120 музыкантов, в том числе более 70 музыкантов-струнных.

Оркестров классической эпохи обычно насчитывалось около 30 музыкантов. Оркестр продолжал расти и развиваться на протяжении всего романтического периода, превратившись в оркестр, который мы знаем сегодня.

Как упоминалось выше, духовые и духовые секции выросли за счет добавления множества инструментов, таких как пикколо и контрафагот, которые значительно расширили тональный диапазон музыки.В перкуссионную секцию также добавлено множество инструментов, от бас-барабанов до треугольника.

Строка также расширилась. В его состав остались те же четыре инструмента: скрипка, альт, виолончель и контрабас. Однако количество каждого струнного инструмента увеличилось. Увеличьте количество строк, разрешенное для создания большего количества подмножеств в строковом разделе. Композиторы-романтики использовали разные конфигурации небольших групп струн, чтобы углубить текстуру и контрасты в произведении.

Еще одним оркестровым нововведением того периода было периодическое использование нетрадиционных инструментов. Скажем, пушки, необходимые для увертюры Чайковского 1812, как крайний пример.

Для исполнения более длинных и драматичных симфоний эпохи романтизма требовался расширенный оркестр. В то время как симфония приобрела новую интенсивность в это время, этот период также известен композиторами, создавшими различные типы «миниатюрных» произведений.

Изменения музыкальных форм в период романтизма

Мы видели, что формальные классические структуры, такие как составление симфоний всего с четырьмя частями, были отвергнуты композиторами-романтиками. Они также составляли произведения с одним механизмом в различных формах:

• Этюд представлял собой короткое сочинение, предназначенное как для демонстрации виртуозного мастерства, так и в качестве упражнения для студентов. Паганини 24 каприса для скрипки соло попадает в эту категорию, как и многие сочинения Шопена для фортепиано.

• Прелюдия, использовавшаяся в более ранние эпохи для представления более полного произведения, была составлена ​​как отдельное произведение. Композиторы-романтики сделали то же самое с увертюрой, например «Ромео и Джульетта » Чайковского.

• Импровизированное произведение представляло собой короткую пьесу, которая звучала так, как если бы она была импровизирована в данный момент. Таким образом, импровизированные произведения обычно представляли собой работы с отдельными инструментами. Большинство экспромтов написано для фортепиано, но можно аранжировать для струнных инструментов.

• Было также много форматов, происходящих из национальной или народной музыки, таких как немецкая ложь, польский полонез и мазурка и венский вальс.

Другой важный поджанр романтической композиции был предназначен для рассказа определенной истории или рисования определенной сцены — программная музыка, которая может быть одним движением или может иметь несколько движений.

Расцвет и масштабы программной музыки в период романтики

Программная музыка — это музыка, рассказывающая дискретную историю.Это может быть рассказ из жизни композитора или его воображение. Фантастическая симфония Берлиоза : Эпизод из жизни художника в пяти частях — это подробный рассказ о безответной любви композитора к известной актрисе того времени. Каждый механизм назван:

• Страсти
• Мяч
• Сцена в полях
• Марш на эшафот
• Сон в субботнюю ночь

Как видно из названий движений, сюжет этой истории не подходит художнику.Берлиоз раздавал на спектаклях программы, объясняющие историю.

В других случаях история была взята из литературы, мифологии или местного фольклора. Дворака «Золотое вращающееся колесо» — произведение, основанное на чешском стихотворении, повествующем об обреченной любви и женщинах-убийцах.

Предполагается, что программная музыка должна иметь программные примечания, которыми можно поделиться с аудиторией и объяснить работу. Возможно, это было правдой, когда она впервые приобрела наибольшую популярность в период романтизма, но раздача нот не является определяющей характеристикой программной музыки.Отчасти потому, что программная музыка не должна рассказывать повествовательную историю, но может быть использована для пробуждения духа времени или места.

Симфоническая или тональная поэма, популярная форма программной музыки эпохи романтизма, была предназначена для рисования сцены, переносящей слушателя, которая может быть, а может и не быть повествовательной историей. Например, Сибелиус сочинил множество тональных стихотворений из старой финской мифологии, но сочинил другие, призванные призвать дух его страны и вдохновить патриотизм, такие как Finlandia .

Таким образом, тональные стихотворения эпохи романтизма охватывают весь спектр вдохновения эпохи романтизма, от обмена интенсивными эмоциональными путешествиями, пересказа историй из греческой мифологии или европейской литературы, исследования фантастических мест (как естественных, так и сверхъестественных), а также оды стране или стране. культура.

Националистическое выражение в музыке романтического периода

Sibelius Finlandia — образец открытого национализма в романтической музыке.В некоторых случаях произведение не задумывалось как патриотическая песня как таковая, а явно основывалось на традициях народной музыки, которые композитор хотел выделить. В классическую эпоху, когда приоритет отдавался универсальности строгих, логичных форм, включая отрывки из народных песен в музыке, сочиненной для знати, в лучшем случае считались провинциальными. Однако самовыражение, популярное в романтический период, часто проявлялось в патриотической любви к местным традициям во время войны. Примером такого подхода служит книга «Венгерские рапсодии » Листа.

Необязательно быть представителем определенной нации или этнической принадлежности, чтобы включать ее музыку в новые произведения. Немецкий протестант Брамс обратился к венгерско-еврейским скрипачам с просьбой исследовать венгерские темы, которые он использовал в своих Венгерских танцах . Дворжак был нанят музыкальным директором Национальной музыкальной консерватории Америки отчасти для разработки американского классического музыкального языка, основанного на американской народной музыке. Результатом стала его симфония New World Symphony .

Подход к использованию чужих для композитора земель в качестве вдохновения был сродни националистическому направлению и получил название «экзотики».«Различие между экзотикой и национализмом могло быть размытым. Повесть Верди « Аида », рассказанная в Египте, была заказана Каирской Королевской оперой. Пуччини« Турандот », основанная на пьесе комедии дель арте, написанной в 18, ^и годах. , был установлен в Китае.

Знакомство с композиторами-романтиками и их произведениями

Мы рассмотрели ряд композиторов эпохи романтизма и некоторые их произведения. Как художественная эпоха, охватывающая от 80 лет до чуть более века, она породила огромное количество замечательных композиторов и музыки.Мы назвали наш список Spotify музыки романтической эпохи «20 часами лучшей музыки эпохи романтики», и он охватывает лотов и ! Вы увидите, что мы разделили его по форме, от симфоний до тональных стихотворений, через концерты и струнные ансамбли, и завершились операми и балетами.

Если вы предпочитаете начать со списка «обязательно знать» композиторов эпохи романтизма, ознакомьтесь с этим списком из десяти самых влиятельных. Вы найдете уже обсужденных некоторых композиторов, а также некоторых других. Для каждого композитора мы также связали одно выдающееся исполнение одного из их самых важных произведений.

Романтизм достигает своего логического завершения: пост-романтизм

В основе романтических художественных идей лежало самовыражение и нарушение правил. Неудивительно, что музыкальный стиль продолжал существенно развиваться, и к концу 19, ^и векам, композиторы стали более абстрактными в отношении атмосферы и чувств, которые они хотели выразить, — музыкальной формы импрессионизма. Они также начали нарушать «правила» романтиков, возвращаясь к классическим формам, вдохновленным популярными романтическими темами мистицизма и гротеска.Малер — яркий пример композитора, который соединяет романтическую и постромантическую эпохи. В конце концов, нарушение правил, впервые предложенное романтиками, переросло в модернистов и постмодернистов, таких как Джон Кейдж, который, кажется, полностью отверг идею эстетических правил.

Неудивительно, что музыка эпохи романтизма с ее выразительностью и склонностью рассказывать драматические истории остается одной из самых популярных эпох классической музыки.

Если вам понравилась эта статья, посетите наш сайт магазина.

Изображения вверху: Густав Малер, любезно предоставлено wikicommons, и Эдвард Григ, Де Агостини / A. Дагли Орти / Getty Images.

В чем разница между музыкальным продюсером и музыкальным композитором? — Сообщество продюсеров

Музыкального продюсера легко спутать с композитором, потому что создание и сочинение, кажется, идут рука об руку, особенно с учетом того, как музыкальное творчество развивалось с годами в результате появления Интернета и компьютерного программного обеспечения.Однако они совсем другие.

Одна общая черта в том, что у них обоих есть видение музыкального произведения, над которым они работают, но их участие разное, включая характер их участия и то, что от них ожидают. Вы можете думать о них как о разнице между артистом и продюсером, чтобы лучше понять их роли. Так в чем же тогда разница?

Разница между музыкальным продюсером и композитором заключается в том, что композитор пишет музыку, а продюсер отвечает за конечный продукт.Композитор может работать с другими артистами, но продюсер нанимает для развития видения художника почти как креативный директор.

Другими словами, музыкальный продюсер сопровождает исполнителя от начала до конца, и в течение этого времени они помогают ему курировать музыку. Композитор может быть артистом, продюсер которого усиливает их видение, управляя и контролируя их работу. Продюсер работает над проектами других людей, тогда как композитор или автор песен работают самостоятельно. Давайте рассмотрим некоторые различия между музыкальными композиторами и музыкальными продюсерами, чтобы лучше понять, чем они занимаются и чем отличаются их обязанности.

Музыкальный продюсер и композитор — в чем основная разница?

Бетховен и Рик Рубин

Музыкальные продюсеры больше похожи на творческих лидеров, чем просто на авторов песен

Музыкальный продюсер сопровождает исполнителя от начала до конца и иногда может даже повлиять на то, когда этот исполнитель исполняет песни вживую. Даже если продюсер не является участником артиста, его наследие живет в записях, благодаря его идеям и руководству, которые они использовали в студии.Иногда это влияние можно увидеть и в процессе написания.

Часто это важный элемент, на который не обращают внимания, потому что люди склонны сосредотачиваться на артистах, исполняющих песни, но продюсер подобен добавленному участнику, о котором обычная публика не знает. Рик Рубин и доктор Люк являются примерами этого. Композитор, как и художник, пишет музыку, которую играют музыканты или другие артисты. Композиторы часто знают много инструментов и знают, как писать для них музыку.

Музыканты, разбирающиеся в теории элементарной музыки (ознакомьтесь с «Теорией элементарной музыки» Марка Сарнецки с Amazon, а также с книгой ответов), знают, что многие инструменты, такие как альт или тромбон, не соответствуют стандартному басу и функциональному ключу, поэтому композитор, который хочет использовать эти инструменты, должен иметь возможность писать во всех пяти ключах, включая тенор, альт, сопрано и нейтральный ключ, если они хотят иметь их в своем ансамбле.

И композиторы, и музыкальные продюсеры должны иметь достаточно глубокое понимание музыки и того, как работает музыкальная композиция. Например, кто-то вроде вышеупомянутого доктора Люка был гитаристом внутренней группы на Saturday Night Live , прежде чем он начал продюсировать. И все же композитор опережал продюсера в плане создания проекта. Композитор писал музыку, а продюсер приходил и помогал проекту.

Примеры Рика Рубина и Бетховена помогают нам объяснить разницу между продюсерами и композиторами.Хотя г-н Рубин, вероятно, тоже сам по себе композитор, он скорее музыкальный продюсер, потому что продюсирует пластинку исполнителя. С другой стороны, Бетховен — композитор — тот, кто пишет музыку, а затем просит ансамбль исполнять ее для него. Бетховен, насколько я понимаю, никогда не развивал работы других художников — он артикулировал свои собственные.

Роли продюсера	Роли композитора
Управляет процессом записи / творчества	Пишет музыку в основном
Иногда может участвовать в написании песен.	Может выступать в роли дирижера симфонического оркестра, оркестра и т. Д.
Помогает записывать проект	Пишет музыку для фильмов, телепрограмм, рекламы, фильмов и т. Д.
Часто начинал как сам художник или по-прежнему артист.	Выполняет функции автора песен в проекте, но не обязательно как продюсер или «творческий лидер».
Имеет множество деловых контактов, включая авторов песен, музыкантов, инженеров.	Обычно ассоциируется с классической музыкой.
Вероятно, разбирается в звуковой инженерии и популярных DAW, таких как Pro Tools.	Обычно отлично разбирается в стандартной музыкальной нотации, включая сопрано, альт, тенор, бас, высокие и нейтральные ключи, а также то, как писать для них.
Часто остается с артистом от начала до конца	Может писать любую музыку, блюз, джаз, металл, фанк, соул и (не только) классику.
Могут участвовать и в деловой части проекта.	Нередко они прошли подготовку или обширное образование в области композиции.
Выполняет функции добавленного члена, о котором публика не обязательно думает.	Обычно более заметна, чем производитель.

Другие различия между музыкальными продюсерами и композиторами

1) Композиторы и музыкальные продюсеры нанимают разных исполнителей

Раньше сочинение создавалось одним или двумя авторами, композиторами, то есть Джоном Ленноном и Полом Маккартни. Ситуация сильно изменилась за последние несколько лет, и процесс написания песен стал намного более демократичным.Например, если кому-то пришла в голову идея использовать барабанную петлю в определенной песне, он также получит кредит на написание песни. В 1950-е годы этого не было.

Композитор будет проводить много репетиций с музыкантами, нанятыми для исполнения музыки, совершенствуя каждое произведение перед тем, как сыграть перед публикой. Они сосредотачиваются на том, чтобы их композиция игралась именно так, как они хотят. Современным примером композитора может быть кто-то вроде Джона Уильямса, который создал большую часть оригинальной музыки Star Wars .

Продюсер обязан нанять или уволить кого-либо в интересах записи. Если группа теряет участника или нуждается в нем для завершения записи, задача продюсера — найти подходящего человека для этой работы. Точно так же, если есть недостаточно эффективный участник, продюсер должен либо помочь ему восстановить основные правила, либо найти нового игрока на его место. Они сосредоточены на том, чтобы проект работал как можно дольше с нужными людьми.

Один из примеров, который приходит на ум, — это биография Дэвида Де Солы «Алиса в цепях», Alice in Chains: The Untold Story, , где Дэйв Джерден ругал ведущего вокалиста Лэйна Стейли за злоупотребление наркотиками при создании Dirt .Продюсер сказал Лэйну, что его работа — сделать запись, а не быть чьим-то другом. Jerden произвел как Facelift , так и Dirt.

2) Композиторы и музыкальные продюсеры работают на разных людей

Композитор работает для всех, кому нужен саундтрек или минусовка, если только они не работают над своей собственной музыкой. У оркестров, где бы они ни играли, есть композитор, который пишет всю музыку для музыкантов. Композитор также может использовать цифровое оборудование или цифровые аудио рабочие станции (мое руководство для начинающих), чтобы сочинять музыку для фильмов, телешоу и развлечений.

Продюсер несет ответственность за получение наилучшего звука и исполнения проекта, над которым он работает. Точно так же, как продюсер должен найти подходящих людей для работы, он также должен найти лучшие способы проявить свои лучшие качества в исполнении для записи. Их может нанять студия, лейбл или артист / группа для облегчения записи.

3) Композиторы и музыкальные продюсеры часто используют различное оборудование

Современное сочинение музыки осуществляется разными способами.Теперь у них есть доступ к отличным инструментам, которые помогают сочинять музыку, например к покупке компьютера с уже установленным программным обеспечением для создания музыки. Отличным примером этого является GarageBand от Apple или что-то вроде FL Studio 20 (от Plugin Fox). Конечно, нужно много времени, чтобы научиться работать с программным обеспечением и понимать музыку в целом, но с правильной помощью и решимостью вы могли бы легко сочинять свою музыку, не будучи савантом, на самом деле, у меня есть простой автор песен гид тоже.

Есть недорогие курсы, которые могут вам очень помочь, например, Как писать песни, которые продают, которые вы можете найти на их веб-сайте.Но я отвлекся, продюсер — это большая часть всего производимого звука. Они могут помочь создать группу, просто используя методы и навыки, которые они приобрели за эти годы, чтобы выявить лучшее в участниках, вплоть до того, как группа звучит и выступает после того, как запись сделана.

Очень опытный продюсер может даже играть на инструментах и ​​партиях, которые необходимы для записи, и иметь хорошие общие знания о работе микшерного пульта и DAW, но часто они оставляют это на усмотрение инженера.Это подводит нас к следующему пункту: в какой части процесса задействованы оба этих профессионала.

4) Композиторы и музыкальные продюсеры участвуют на разных этапах создания музыки

Композитор обычно используется на подготовительной стадии, а иногда и на стадии производства. Они создают свою музыку для других, но как только произведение написано, они обычно заканчивают свою партию. Если композитор также руководит исполнителями, они затем переходят к стадии производства.Роль продюсера другая. Как правило, они являются частью пре-продакшена, производства и пост-продакшна.

Иногда они не работают с артистами на самых ранних стадиях развития, но позже могут быть наняты лейблом для продюсирования группы. Обычно они помогают переписать или переставить детали на этапе подготовки к производству, а затем переносят все на этап пост-обработки. Во многих случаях у групп уже есть написанная куча песен, и они собираются записать — в этот момент приходит продюсер.Или группа готовится к записи, и они будут писать песни в студии в присутствии продюсера.

Важные замечания о различиях между музыкальными продюсерами и композиторами

1) Производители обычно имеют все контакты, чтобы все произошло

Продюсеры — это самые важные игроки команды, когда дело касается совместной работы над записью. Великие делают все возможное, чтобы донести идею до масс через записи и использовать свой дар соединения нужных людей.Композитор, как правило, не обязан нести такую ​​ответственность за всю команду, и он в основном сосредотачивается на написании музыки. Иными словами, продюсеры больше вовлечены в деловую сторону вещей, тогда как композиторы занимаются исключительно написанием песен.

2) Композиторы могут оркестровать свои собственные пьесы

Если вы когда-нибудь видели оркестр или симфонию, всегда есть дирижер. Часто, если композитор жив, дирижер остается композитором. Однако не всегда у симфонии может быть домашний композитор, и они руководят шоу, или симфония и дирижер могут гастролировать, как и любые гастроли группы.Музыкальный продюсер обычно не играет в группе, которую продюсирует, и не ездит с группой в тур.

Композиторы

часто используют такое оборудование, как Akai MPK Mini MP3 от Amazon, которое может быть загружено с различными звуковыми банками и использоваться для создания музыки с помощью DAW по вашему выбору — одним из самых популярных и наиболее универсальных является Pro Tools, который можно найти здесь, в плагине Fox. Различия между композитором и музыкальным продюсером могут сбивать с толку, если вы не привыкли работать в студии или работать с одной из этих профессий.

Композиторы и продюсеры прошли долгий путь в музыкальной индустрии благодаря интеграции программного обеспечения и оборудования, появившемуся за последние несколько десятилетий. Это изменение в технологии облегчило начало одной из этих профессий. Тем не менее, опыт часто является определяющим фактором успеха музыкального продюсера или композитора, и большая часть этого опыта заключается в том, чтобы просто выставить себя там, где тусуются эти люди.

No related posts.