Композитор это человек который: 1. Как называется человек, который сочиняет музыку? а) художник в) писатель б)

Содержание

РАЗНИЦА МЕЖДУ МУЗЫКАНТОМ И КОМПОЗИТОРОМ | СРАВНИТЕ РАЗНИЦУ МЕЖДУ ПОХОЖИМИ ТЕРМИНАМИ — ЖИЗНЬ

Музыкант против композитора Музыкант и композитор — это два термина, которые часто путают как одно и то же. Строго говоря, между ними есть некоторые различия. Музыкант — это человек, который поет или

Музыкант против композитора

Музыкант и композитор — это два термина, которые часто путают как одно и то же. Строго говоря, между ними есть некоторые различия. Музыкант — это человек, который поет или играет на музыкальном инструменте. Другими словами, можно сказать, что певца или гитариста в этом отношении называют музыкантом.

С другой стороны, композитор — это человек, который ставит песню на музыку. Короче говоря, можно сказать, что композитор оживляет отрывок из текста или песню, написанную автором текста. Идут споры о том, обязательно ли композитор быть музыкантом. Композитор должен знать нюансы музыки и должен изучать музыку на более высоком уровне.

С другой стороны, композитор не обязательно должен быть профессиональным певцом или инструменталистом в этом отношении. Многие композиторы умеют играть на таких инструментах, как фортепиано или фисгармония. Они используют эти инструменты в первую очередь для сочинения музыки.

Музыкант должен изучать основы музыки и уметь играть на музыкальных инструментах или петь, если он или она должны стать профессиональным музыкантом. Интересно знать, что музыканты тоже могут быть композиторами. Известно несколько случаев превращения музыкантов в композиторов. С другой стороны, композитор-специалист, превращающийся в солидного и профессионального музыканта, встречается нечасто.

Музыкант сначала обучается у учителя, а затем либо следует стилю учителя, либо изобретает свой собственный стиль пения. Он выступает для публики. Он оплачиваемый артист.

С другой стороны, в кино или киноиндустрии нанимают композитора для написания музыки для фильма или фильма. Его работа — сочинять музыку для сюжета фильма в соответствии с различными ситуациями фильма. Он работает в унисон с другими работниками подразделения, такими как режиссер, продюсер, сценарист, редактор и тому подобное.

Автор музыки к конкретному фильму или фильму выбирает музыканта, который будет исполнять песни для фильма. Музыкант исполняет песни, поставленные композитором на музыку к фильму.

Разница между музыкантом и композитором

Ключевое отличие: музыкант — это любой человек, который играет на музыкальном инструменте или музыкально талантлив. В то время как композитор — это тот, кто создает музыку.

Существует много путаницы в отношении терминов, так как они чаще всего используются вместе. Это приводит к тому, что люди предполагают, что слова имеют одинаковое значение и могут использоваться взаимозаменяемо. Однако, правда в том, что термины имеют два разных значения, которые накладываются друг на друга, поэтому музыканта иногда называют композитором, и наоборот.

Музыкант — это любой человек, который играет на музыкальном инструменте или музыкально талантлив.

Принимая во внимание, что композитор — тот, кто создает музыку; на самом деле, слово «композитор» происходит от латинского «com» ​​+ «ponere», что буквально переводится как «тот, кто соединяет».

Следует отметить, что композиторы, очевидно, знали бы музыку и были бы несколько музыкально талантливы. Они также, вероятно, будут играть на музыкальном инструменте, на котором они будут сочинять. Следовательно, композитор — музыкант. Тем не менее, они не обязательно должны быть исполнителями. Их роль состоит в том, чтобы писать музыку, но они не всегда исполняют ее перед самими людьми.

Однако необязательно, чтобы музыкант также сочинял или писал музыку. Возможно, они просто поют или исполняют музыку и песни, написанные кем-то другим. Поэтому, хотя композитор всегда является музыкантом, необязательно, чтобы все музыканты были композиторами. Тем не менее, есть музыканты, которые сочиняют свою собственную музыку. Следовательно, они могут быть вызваны либо по своему усмотрению, но часто именуются как Музыкант и Композитор.

Кроме того, хотя любого, кто пишет музыку, называют композитором, этот термин часто ассоциируется с тем, кто пишет классическую музыку, а не с современной или поп-музыкой. В этом случае термин «автор песен» часто используется, поскольку музыка принимает форму песни. Точно так же, если человек пишет текст песни, но не музыку, его называют лириком.

Сравнение между музыкантом и композитором:

Музыкант

Композитор

Определение (Оксфордские словари)

Человек, который играет на музыкальном инструменте, особенно по профессии, или музыкально талантлив.

Человек, который пишет музыку, особенно как профессиональное занятие.

Описание

Музыкант — это человек, который играет на музыкальном инструменте или музыкально талантлив.

Композитор — это человек, который создает музыку.

функция

Исполняет музыку

Пишет музыку

отношения

Не всегда композитор

Всегда музыкант

Изображение предоставлено: bbc. co.uk, miguelbolivar.com

Римский-Корсаков Николай Андреевич — биография композитора, личная жизнь, фото

В детстве Николай Римский-Корсаков любил географию и мечтал стать моряком. А во время кругосветного путешествия хотел как можно скорее вернуться на сушу и посвятить себя музыке. На написание Симфонии №1, «Садко», «Снегурочки» Римского-Корсакова вдохновили народные легенды и мелодии, даже описания декораций и сценических подробностей он заимствовал из былин и заговоров. Композитор не только писал музыку, но и помогал своим коллегам редактировать и заканчивать сочинения — так появились оперы «Каменный гость», «Хованщина», «Князь Игорь» и другие произведения.

«Музыку я не особенно любил»: детские годы

Николай Римский-Корсаков — кадет Морского корпуса. Иллюстрация к книге Иосифа Кунина «Римский-Корсаков» из серии «Антология мысли». Москва: Издательство «Юрайт», 2019

Дом, где родился Николай Римский-Корсаков. Тихвин, Новгородская губерния. Фотография: журнал «Нива» №21. Санкт-Петербург, 1912 / wikipedia.org

Николай Римский-Корсаков — гардемарин. Иллюстрация к книге Иосифа Кунина «Римский-Корсаков» из серии «Антология мысли». Москва: Издательство «Юрайт», 2019

Николай Римский-Корсаков родился 18 марта 1844 года в городе Тихвине Новгородской губернии (сейчас Ленинградская область). Его отец Андрей Римский-Корсаков служил новгородским вице-губернатором, позже — гражданским губернатором в Волынской губернии. В 1835 году ушел в отставку и поселился в фамильном имении. Мать композитора Софья Скарятина была дочерью орловского помещика Василия Скарятина и крепостной крестьянки.

С детства Римский-Корсаков занимался с домашними учителями, которые преподавали ему иностранные языки, литературу и математику. Об учебе будущий композитор писал: «Читать я выучился не учившись, просто шутя; память у меня была превосходная: я запоминал целые страницы из читаемого мне матерью наизусть слово в слово, а арифметику стал понимать очень быстро». Римский-Корсаков, как и его родители, увлекался музыкой.

Первые признаки музыкальных способностей сказались очень рано во мне. Еще мне не было двух лет, как я уже хорошо различал все мелодии, которые мне пела мать; затем трех или четырех лет я отлично бил в игрушечный барабан в такт, когда отец играл на фортепиано. Отец часто нарочно внезапно менял темп и ритм, и я сейчас же за ним следовал. Вскоре потом я стал очень верно напевать все, что играл отец, и часто певал с ним вместе; затем и сам начал подбирать на фортепиано слышанные от него пьесы с гармонией, а узнав название нот, мог из другой комнаты отличить и назвать любой из тонов фортепиано.

В шесть лет Николай Римский-Корсаков научился играть на фортепиано, а уже в 11 он написал свои первые произведения — дуэт для голосов с аккомпанементом фортепиано на слова из детской книжки и увертюру. Однако Римский-Корсаков не мечтал быть музыкантом: «Музыку я не особенно любил, или хотя и любил, но она почти никогда не делала на меня сильного впечатления или, по крайней мере, слабейшее в сравнении с любимыми книгами. Но ради игры, ради обезьянничанья… я пробовал иной раз сочинять музыку и писать ноты».

В 1856 году Николай Римский-Корсаков поступил в Морской кадетский корпус в Петербурге. Там он изучал военное дело, научился стрелять из пушки, чинить корабли, даже несколько раз выходил в открытое море и плавал на судне «Прохор», где капитаном был его брат Воин Римский-Корсаков. Также кадетам преподавали астрономию и математику. В выписке из личного дела Римского-Корсакова отметили: «По-русски читает очень хорошо, пишет хорошо, по грамматике — довольно хорошо. Арифметика на программу своего возраста — очень хорошо; знает более требуемого. География — очень хорошо. В истории — хорошо. Французский язык: читает весьма хорошо, переводит с французского свободно и говорит».

Первые крупные сочинения

Титульный лист партитуры Первой симфонии Николая Римского-Корсакова в новом, переработанном издании. Иллюстрация к книге Иосифа Кунина «Римский-Корсаков» из серии «Антология мысли». Москва: Издательство «Юрайт», 2019

Александр Михайлов. Вечер в салоне (Могучая кучка) (фрагмент). 1950-е. Частное собрание

Николай Римский-Корсаков в молодости. 1860-е. Иллюстрация к книге Анатолия Соловцова «Жизнь и творчество Николая Римского-Корсакова» из серии «Классики мировой музыкальной культуры». Москва: Издательство «Музыка», 1969

В свободное от занятий в Кадетском корпусе время Николай Римский-Корсаков посещал спектакли Мариинской оперы, а карманные деньги откладывал, чтобы покупать ноты. Любимым композитором Римского-Корсакова был Михаил Глинка. Он вспоминал: «Я, кажется, в первый раз ощутил непосредственную красоту гармонии… В Глинку я был влюблен».

С осени 1858 года Римский-Корсаков стал брать уроки у пианиста Федора Канилле. Тот познакомил начинающего композитора с произведениями Джоаккино Россини, Джакомо Мейербера и Людвига ван Бетховена. Под руководством учителя он написал несколько небольших пьес.

В ноябре 1861 года Канилле привел Римского-Корсакова в кружок музыканта Милия Балакирева — «Могучую кучку». В него входили Модест Мусоргский, Александр Бородин и Цезарь Кюи. Через год начинающий композитор взялся за свое первое крупное произведение — Симфонию №1.

В 1862 году Римский-Корсаков с отличием окончил Морской кадетский корпус. По успеваемости он был шестым в выпуске, поэтому его приняли гардемарином на военный парусник «Алмаз». С 1862 по 1865 год Римский-Корсаков был в кругосветном путешествии: участвовал в экспедиции к берегам Северной Америки, посетил Великобританию, Испанию, Норвегию. Однако композитор хотел как можно скорее вернуться в Россию и продолжить занятия музыкой. Он писал матери: «Разве только тот полезен, кто находится на службе и получает жалованье и чины? Разве музыка пустое занятие вроде скоморошества и показывания фокусов? Отвечаю — решительно нет! Нравственная польза от музыки неоспорима… Русские музыканты не идут, а летят вперед. Я бы должен поддержать это развитие музыки в России, и из меня вышло бы много».

В 1865 году Николая Римского-Корсакова перевели на береговую службу в Петербург. Он снова стал посещать встречи Балакиревского кружка и писать музыку. К концу того же года композитор доработал Симфонию №1. Впервые ее публично исполнил оркестр под управлением Балакирева в декабре 1865 года. На работу над симфонией Римского-Корсакова вдохновляла народная музыка.

Эта симфония, написанная в форме обыкновенных немецких симфоний, была первым опытом молодого, еще с технической стороны неумелого, дарования. Первая и последняя ее части… были слабейшими частями этой первой попытки на поприще симфонической музыки. Но в адажио и скерцо сказался сильный талант. В особенности адажио, построенное на народной песне про татарский полон, оригинальностью ритма… прелестью инструментовки… новизною формы и более всего свежестью чисто русских поворотов гармонии изумило всех и сразу явило в Римском-Корсакове замечательный симфонический талант.

Народные мотивы и национальный колорит Римский-Корсаков показал и в следующих своих произведениях — «Увертюре на три русские темы» и «Фантазии на сербские темы». Эти композиции впервые исполнили на «славянском концерте «Могучей кучки», где присутствовали зрители из Сербии, Чехии и Польши. Критик Владимир Стасов писал: «Дай бог, чтоб наши славянские гости никогда не забыли сегодняшнего концерта, дай бог, чтоб они навсегда сохранили воспоминание о том, сколько поэзии, чувства, таланта и умения есть у маленькой, но уже могучей кучки русских музыкантов».

Композитор Цезарь Кюи. Российский национальный музей музыки, Москва

Федор Шаляпин в роли Ивана Грозного в опере Николая Римского-Корсакова «Псковитянка». Москва, 1890-е годы. Государственный академический Большой театр России, Москва. Фотография: Василий Чеховский / Музей Большого театра, Москва

Композитор Модест Мусоргский. 1874. Санкт-Петербург. Фотография: А.Ф. Лоренц / Русский национальный музей музыки, Москва

В конце 1860-х Римский-Корсаков увлекся творчеством композиторов Гектора Берлиоза и Ференца Листа. Как и они, музыкант стал писать свои произведения в стиле романтического программного симфонизма. У таких сочинений был сюжет, но отсутствовали вокальные партии. Чтобы зрители лучше понимали музыку, композитор писал объяснение, в котором пересказывал историю, ставшую основой произведения. Первое сочинение в таком стиле Николай Римский-Корсаков создал в 1867 году — музыкальную картину «Садко». Ее сюжет он взял из русских былин. Позже композитор включил темы в одноименную оперу. В «Садко» он впервые использовал придуманную им так называемую «гамму Римского-Корсакова» для стилизации путешествия Садко к Морскому царю. Этот прием был основан на чередовании высоких и низких звуков. Критик Александр Серов писал: «Эта музыка действительно переносит нас в глубь волн, это что-то «водяное», «подводное» настолько, что никакими словами нельзя было бы выразить ничего подобного».

В следующем году Римский-Корсаков начал работать над произведением «Антар», на которое его вдохновила одноименная сказка польского востоковеда и писателя Осипа Сенковского. Сначала композитор назвал это сочинение Второй симфонией, однако затем переименовал его в симфоническую сюиту.

С 1860-х Николай Римский-Корсаков стал помогать другим композиторам с редактурой их произведений. Вместе с Цезарем Кюи он закончил оперу «Вильям Ратклиф». По завещанию Александра Даргомыжского музыкант дописал партитуру его оперы «Каменный гость». Редактировал Римский-Корсаков и произведения своего близкого друга Модеста Мусоргского. Они снимали одну комнату и часто помогали друг другу, играли на одном рояле и даже составили график: «С утра часов до 12 роялем пользовался обыкновенно Мусоргский, а я или переписывал, или оркестровал что-либо вполне уже обдуманное. К 12 часам он уходил на службу в министерство, а я пользовался роялем… и дело устраивалось как нельзя лучше».

В 1870-х Николай Римский-Корсаков начал писать свою первую оперу «Псковитянка» по одноименной пьесе русского драматурга Льва Мея. На создание музыки его вдохновили старинные народные и церковные песни. Автор посвятил «Псковитянку» кружку Балакирева. В работе над произведением ему помогали другие композиторы: Петр Чайковский заранее прислал либретто по драме Мея (фрагменты из него Римский-Корсаков использовал при создании своего либретто), а Модест Мусоргский стал автором нескольких хоров в третьем действии. Премьера «Псковитянки» прошла в 1873 году на сцене Мариинского театра. Римский-Корсаков вспоминал: «Элемент псковской вольницы пришелся по сердцу учащейся молодежи, и студенты-медики, говорят, орали в коридорах академии песню вольницы всласть».

«До конца жизни не переставал восхищаться игрой жены»: личная жизнь

Надежда Пургольд, жена Николая Римского-Корсакова. 1872. Иллюстрация к книге Иосифа Кунина «Римский-Корсаков» из серии «Антология мысли». Москва: Издательство «Юрайт», 2019

Слева направо: композиторы Игорь Стравинский, Николай Римский-Корсаков и его дочь Надежда Римская-Корсакова с женихом Максимилианом Стейнбергом и Екатерина Стравинская. 1908 год. Российский национальный музей музыки, Москва

Николай Римский-Корсаков. Санкт-Петербург, 1901–1908 годы. Мемориальный музей А.Н. Скрябина, Москва

В конце 1860-х на одном из музыкальных вечеров у композитора Александра Даргомыжского Николай Римский-Корсаков познакомился с пианисткой Надеждой Пургольд. Она изучала теорию музыки, писала небольшие пьесы и увертюры, дружила с участниками «Могучей кучки» и играла их произведения.

Пургольд помогала Римскому-Корсакову в работе над «Псковитянкой». Композитор Александр Бородин писал: «А какова Надежда Пургольд? Корсинька наиграл ей антракт из «Псковитянки»; она на память написала его, да не на фортепиано, а прямо на оркестр — со всеми тонкостями гармоническими и контрапунктическими, несмотря на сложность, оригинальность и трудность голосоведения». Пианистка разбирала эскизы оперы, обсуждала и редактировала их с композитором. Позже Римский-Корсаков писал: «Увертюра [«Псковитянки»] от первой до последней нотки принадлежит нехорошей девочке, которую я очень, очень люблю». Пургольд еще несколько раз помогала редактировать его произведения.

В 1871 году во время совместного чтения повести Николая Гоголя «Майская ночь, или Утопленница» Римский-Корсаков сделал Надежде Пургольд предложение. Через год они поженились, а вскоре композитор посвятил ей романс «Ночь». Критик Владимир Стасов писал об этом произведении: «При всей красоте его, романсы почти все были довольно спокойны и даже чуточку холодны. Теперь пришла для него другая пора…» Жене Римский-Корсаков посвятил и свою вторую оперу — «Майская ночь». Ее премьера прошла в 1880 году в Мариинском театре.

Вместе Римский-Корсаков и Пургольд прожили больше 30 лет, в браке у них родилось семеро детей. Их сын Владимир Римский-Корсаков писал, что Николай Андреевич «до конца жизни не переставал восхищаться игрой жены и особенно любил и поощрял ее занятия фортепианной игрой в летние месяцы на даче, где она располагала для этого более свободным временем, чем в городе».

Педагог и глава Беляевского кружка

Николай Римский-Корсаков. Российский национальный музей музыки, Москва

Композиторы Николай Римский-Корсаков (сидит слева) и Александр Глазунов (сидит справа) с группой студентов Петербургский консерватории. Российский национальный музей музыки, Москва

Слева направо: композиторы Анатолий Лядов, Александр Глазунов и Николай Римский-Корсаков. 1905. Иллюстрация к книге Анатолия Соловцова «Жизнь и творчество Николая Римского-Корсакова» из серии «Классики мировой музыкальной культуры». Москва: Издательство «Музыка», 1969

В 1871 году Николай Римский-Корсаков стал профессором по классам практического сочинения и инструментовки в Санкт-Петербургской консерватории. В эти же годы он начал преподавать в организованной Бесплатной музыкальной школе, а в 1874 году стал ее директором. Однако вскоре он понял, что ему не хватает знаний для преподавания. Римский-Корсаков вспоминал: «Мне помогало то, что никто из учеников моих на первых порах не мог себе представить, чтобы я ничего не знал, а к тому времени, когда они могли начать меня раскусывать, я уже кое-чему понаучился».

Чтобы заполнить пробелы в знаниях, в конце 1870-х Римский-Корсаков начал изучать музыкальную теорию: одновременно преподавал в консерватории и вместе со студентами посещал отдельные занятия. Петр Чайковский писал своей знакомой Надежде Фон Мекк: «Он пришел в глубокое отчаяние, когда увидел, что столько лет прошло без всякой пользы и что он шел по тропинке, которая никуда не ведет. И он стал учиться, но с таким рвением, что скоро школьная техника сделалась для него необходимой атмосферой».

По просьбе исследователя фольклора Тертия Филиппова в эти же годы Римский-Корсаков создал сборник русских народных песен со своим музыкальным сопровождением. Композитор стал изучать «наиболее древние… и в силу сущности своей сохранившиеся в наибольшей неприкосновенности» обрядовые и игровые языческие песни. Он использовал их во время работы над операми «Майская ночь» и «Снегурочка».

Основой «Снегурочки» стала одноименная пьеса-сказка Александра Островского. Композитор вспоминал: «В зиму 1879–80 года я снова прочитал «Снегурочку» и точно прозрел на ее удивительную красоту. Мне сразу захотелось писать оперу на этот сюжет… я чувствовал себя все более и более влюбленным в сказку Островского». Над «Снегурочкой» музыкант работал около года — изучал фольклор, консультировался с Островским. Он хотел создать «старинную весеннюю сказку».

Премьера оперы состоялась в январе 1882 года в Мариинском театре. Александр Островский писал: «Музыка к моей «Снегурочке» удивительная, я ничего не мог никогда себе представить более к ней подходящего и так живо выражающего всю поэзию русского языческого культа и этой сперва снежно-холодной, а потом неудержимо страстной героини сказки».

«Снегурочка» принесла Николаю Римскому-Корсакову известность, опера понравилась критикам за «дух старины» и «языческие мотивы». Однако над новым крупным произведением работать музыкант не начинал. В 1881 году умер его друг Модест Мусоргский. Римский-Корсаков несколько лет редактировал последние произведения композитора: обработал симфоническую картину «Ночь на Лысой горе», а по его черновикам закончил оперу «Хованщина». В 1887 году умер другой участник «Могучей кучки» — Александр Бородин. Римский-Корсаков дописал его оперу «Князь Игорь».

Что бы это такое у нас было, когда бы не существовало Римлянина? Вычеркните его из нашего времени, и вся история новейшей русской музыки получила бы другой характер и физиономию, многих бы у ней рук и ног не было. Но не надо, чтобы такой крупный художник слишком самого-то себя позабывал и чтобы крыл чужой дом, а свою крышу оставлял непокрытою.

Римский-Корсаков не оставил преподавательской деятельности. Он возглавил Беляевский кружок — объединение начинающих композиторов, которые собирались в доме мецената Митрофана Беляева. Частные уроки у музыканта брали Анатолий Лядов и Александр Глазунов.

В 1880-х Римский-Корсаков создал несколько небольших музыкальных произведений, среди которых симфоническая пьеса «Сказка», а также сюиты «Испанское каприччио» и «Шехеразада».

«Сплошное чествование»: последние оперы

Михаил Врубель. Царевич Гвидон (фрагмент). Эскиз костюма к опере Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». 1900. Государственный центральный театральный музей им. А.А. Бахрушина, Москва

Михаил Врубель. Город Леденец (фрагмент). Эскиз декорации к опере Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». 1900. Государственный центральный театральный музей им. А.А. Бахрушина, Москва

Михаил Врубель. Владимир (фрагмент). Эскиз мужского костюма к опере Николая Римского-Корсакова «Садко». 1897. Государственный центральный театральный музей им. А.А. Бахрушина, Москва

В 1892 году Николай Римский-Корсаков написал оперу-балет «Млада», в основе которой лежали истории и сказания славянского племени полабов. Для публики произведение оказалось слишком сложным. Музыковед Инна Образцова писала: «Надуманность сюжета оперы мешала работе композитора. Музыка оперы отмечена печатью холодности».

Основой следующей оперы Римского-Корсакова стала повесть Николая Гоголя «Ночь перед Рождеством». Композитор добавил несколько новых сцен, в которых показал борьбу с нечистой силой. Накануне премьеры оперу едва не запретили по личному указанию императора Александра III: роль царицы, прообразом которой была Екатерина II, посчитали оскорбительной. Чтобы «Ночь перед Рождеством» все-таки поставили, вместо Царицы Римский-Корсаков был вынужден ввести ее фаворита — Григория Потемкина. Премьера оперы прошла в ноябре 1895 года. Публика не поняла оперу, не понравилась она и критикам, которые посчитали «Ночь перед Рождеством» «неблагонамеренной».

Неудачи не заставили Римского-Корсакова оставить творчество. В 1895–1896 годах композитор работал над оперой «Садко» на основе русских былин. Снова обратиться к этому сюжету ему предложил музыковед Николай Финдейзен. Он же составил первоначальный план либретто, который в дальнейшем отредактировали критик Владимир Стасов и поэт Владимир Бельский. Римский-Корсаков вспоминал: «Многие речи, а также описанье декораций и сценических подробностей, упомянутые в партитуре, заимствованы из различных былин, песен, заговоров, причитаний. Поэтому в либретто зачастую сохранен былинный стих с его характерными особенностями».

Композитор специально сделал композицию «Садко» неравномерной: в некоторых действиях он замедлял развитие сюжета, чтобы слушатели могли представить атмосферу Морского царства. Позднее Римский-Корсаков писал: «Вариации… колыбельной песни, прощание с Садко и исчезновение — считаю за одни из лучших страниц среди моей музыки фантастического содержания».

К 1897 году опера была готова. Однако Николай II запретил включать «Садко» в репертуар государственных театров. Император писал: «Пусть вместо этой оперы дирекция [Императорских театров] подыщет что-нибудь повеселее». Критик Семен Кругликов предложил показать оперу в Московской частной русской опере Саввы Мамонтова, которая располагалась в театре Гаврилы Солодовникова. Но через несколько недель после премьеры здание сгорело, и «Садко» поставили заново в Санкт-Петербургской консерватории.

До конца 1890-х Римский-Корсаков сочинил еще несколько опер, среди которых «Моцарт и Сальери», «Боярыня Вера Шелога» и «Царская невеста». В эти годы он оставался одним из самых популярных композиторов в России. В 1898 году художник Валентин Серов написал его портрет.

Римский-Корсаков начал работу над оперой «Сказка о царе Салтане» по одноименному произведению Александра Пушкина. Либретто, как и для «Садко», написал поэт Владимир Бельский. Оперу Римский-Корсаков хотел закончить к июню 1899 года — столетию со дня рождения Пушкина. Однако завершить «Сказку о царе Салтане» удалось только в 1900 году. Премьера оперы прошла в ноябре того же года в Москве, на сцене восстановленного театра Гаврилы Солодовникова. Декорации и костюмы создал Михаил Врубель, а его жена Надежда Забела-Врубель исполнила в ней роль Царевны Лебеди. Некоторые части «Сказки о царе Салтане» — увертюру «Три чуда», мелодию белки и «Полет шмеля» — еще при жизни композитора стали часто играть отдельно.

В 1900 году музыкант отпраздновал творческий юбилей — 35 лет с момента исполнения Симфонии №1.

Московская частная опера, воспользовавшись моим присутствием в Москве, назначила на 19 декабря представление «Садко», пригласила меня и устроила мое юбилейное чествование. В этот же вечер по случаю моего юбилея Большой театр дал «Снегурочку»… Меня чествовали также в концерте Русского музыкального общества. Усталый от всех этих оваций, я возвратился в Петербург. Но тут предстояло мне в течение месяца с лишком какое-то сплошное чествование. То то, то другое музыкальное общество устраивали концерт из моих сочинений, звали на обед или ужин, подносили адреса и венки. Приветствий этих и празднований было так много, что я не берусь их перечислить — все спуталось в голове моей… Я называл свой юбилей «хроническим», подобным затяжной болезни.

В 1900-х Римский-Корсаков создал еще несколько опер — «Кащей Бессмертный», «Сервилия», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии». В эти же годы его учеником стал композитор Игорь Стравинский, который позднее писал: «В моем музыкальном образовании есть одно большое преимущество — я занимался с Римским-Корсаковым. Он был совершенно замечательным педагогом, чрезвычайно внимательным и обстоятельным, мудрым и остроумным».

Последним произведением Римского-Корсакова стала опера «Золотой петушок» по одноименной сказке Александра Пушкина. Либретто для нее вновь написал Владимир Бельский. Премьера «Золотого петушка» прошла в 1908 году в театре Гаврилы Солодовникова.

В последние годы жизни Николай Римский-Корсаков болел. В 1908 году вместе с труппой Сергея Дягилева он планировал поехать на первые Русские сезоны в Париж, но из-за болезни остался в России.

Римский-Корсаков умер 21 июня 1908 года в своей усадьбе в Любенске Псковской губернии. Его похоронили на Новодевичьем кладбище Санкт-Петербурга. В 1930-х годах могилу композитора перенесли в Некрополь мастеров искусств Александро-Невской лавры.

В 1995 году в имении в Любенске открыли музей Николая Римского-Корсакова.

Интересные факты из жизни

Виктор Перельман. Александр Глазунов за роялем. 3 августа 1903. Российская национальная библиотека, Санкт-Петербург

Валентин Серов. Портрет композитора Николая Римского-Корсакова (фрагмент). 1898. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Боим Соломон. Портрет писателя Льва Толстого (фрагмент). 1941. Историко-этнографический музей-заповедник «Шушенское» Красноярский край

1. У Римского-Корсакова был так называемый «цветной слух»: каждый звук вызывал у него ассоциации с определенным цветом. Композитор писал: «Все тональности, строи и аккорды, по крайней мере для меня лично, встречаются исключительно в самой природе, в цвете облаков или же в поразительно прекрасном мерцании цветовых столбов и переливах световых лучей северного сияния». За особую систему «цветомузыки» Римского-Корсакова называли «музыкальным маринистом».

2. В январе 1898 года Римский-Корсаков поссорился с Львом Толстым из-за взглядов на музыку. Композитора и писателя познакомил критик Владимир Стасов. Они встретились в московской усадьбе Толстых в Хамовниках. За несколько дней до визита композитора автор опубликовал эссе «Что такое искусство?», в котором писал: «Для произведения музыкального искусства талантливому человеку еще менее нужно того, что составляет сущность искусства, то есть чувства, которое заражало бы других… Для музыкального произведения искусства нужно прежде всего выучиться так же быстро двигать пальцами на каком-нибудь инструменте… Выучившись же всему этому, музыкант уже может не переставая писать одно произведение за другим».

Римский-Корсаков прочитал статью и не согласился с ней. Он считал, что самое важное в музыке — передать чувства. Толстой ответил, что произведения композиторов непонятны «простому мужику». Римский-Корсаков отметил, что такой человек не поймет и книги Толстого, в том числе «Войну и мир» и «Анну Каренину». Тогда писатель назвал композитора «мраком» и записал в дневнике: «Вчера Стасов и Римский-Корсаков, кофе, глупый разговор об искусстве. Когда я буду исполнять то, что много баить (то есть разговаривать. — Прим. ред.) — не подобаить?»

3. В 1905 году Римский-Корсаков поддержал Первую русскую революцию. Он написал открытое письмо, которое опубликовали в петербургских газетах. В нем композитор требовал полной автономии Петербургской консерватории, а также защищал студентов, которых преследовала полиция.

Масса приблизительно в шестьсот человек окружила здание консерватории и стала ломиться в боковую дверь. На площади появились конные городовые, наезжавшие на нас с издевательствами… Помню, как быстрой и взволнованной походкой прошли в консерваторию Римский-Корсаков и [Александр] Глазунов, как вся толпа бросилась к ним — единственным в этот период заступникам и защитникам. Через несколько минут они вышли из здания, оба побледневшие от волнения и возмущения. Оказывается, они пришли с заявлением, что, если не прекратятся преследования бастующих учащихся, они оба покидают консерваторию.

Из-за поддержки революционеров Римского-Корсакова уволили из Петербургской консерватории. После этого в знак протеста оттуда добровольно ушла большая часть профессоров, в том числе композиторы Александр Глазунов и Анатолий Лядов. Римский-Корсаков и другие преподаватели вернулись в консерваторию в конце 1905 года, когда предоставили автономию.

Алексей Рыбников: выход за рамки жанров – то, чем я занимаюсь всю жизнь

https://ria.ru/20200717/1574451465.html

Алексей Рыбников: выход за рамки жанров – то, чем я занимаюсь всю жизнь

Алексей Рыбников: выход за рамки жанров – то, чем я занимаюсь всю жизнь — РИА Новости, 17.07.2020

Алексей Рыбников: выход за рамки жанров – то, чем я занимаюсь всю жизнь

17 июля отмечает свое 75-летие композитор Алексей Рыбников, подаривший миру рок-оперы «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» и «Юнона и Авось», автор узнаваемой. .. РИА Новости, 17.07.2020

2020-07-17T12:00

2020-07-17T12:00

2020-07-17T12:04

интервью — авторы

алексей рыбников

россия

культура

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e4/07/10/1574452712_0:320:3072:2048_1920x0_80_0_0_f8002c7f522d7ca5632b7c8e142318ab.jpg

17 июля отмечает свое 75-летие композитор Алексей Рыбников, подаривший миру рок-оперы «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» и «Юнона и Авось», автор узнаваемой музыки к фильмам «Приключения Буратино», «Тот самый Мюнхгаузен», «Остров сокровищ» и многим другим. В интервью РИА Новости он рассказал, почему не любит юбилеи, любит работать в изоляции, а также поделился видением новаторского жанра под рабочим названием «аудиовизуальное пространство». Беседовала Нелли Бондаренко.— Алексей Львович, ваш юбилей выпал на странное время, когда еще полностью не снято ограничение на проведение концертов и других массовых мероприятий. Вас это не огорчает? Может быть, какие-то планы пришлось отменить?— Я не люблю юбилеи, потому что считаю, что привлекать внимание к собственной персоне только из-за того, сколько лет исполнилось, это не очень интересно, поэтому чтобы избежать именно юбилейных каких-то вещей, я хотел сделать премьеру оперы «Война и мир» или показать свои фильмы. Я надеюсь, это все удастся сделать осенью и привлечь внимание не просто к юбилею, а к новым творческим событиям. Конечно, я хотел, чтобы до юбилея все это произошло, весной. Но не получилось, и, в принципе, не страшно, что это перенесено на осень. Я всегда говорю, что я оптимист в этом смысле: уже к октябрю мы, я думаю, выйдем абсолютно из рамок пандемии и у нас начнется нормальная жизнь.— Кстати, о премьерах. У вас запланирован показ оперы по роману Толстого «Война и мир», а также фильма «Дух Соноры». Есть ли точные даты премьер?— Если точнее – эти премьеры должны состояться в этом сезоне. Одновременно сделать все невозможно, будем делать по очереди в зависимости от обстоятельств. Покажем сначала «Дух Соноры».— Работа над «Войной и миром» идет уже довольно долго, что изменилось в авторском замысле?— «Война и мир» была написана уже к 2012 году. Она лежит у меня в трехактном варианте, поэтому ничего я особенно туда и не дописывал, хотя несколько номеров были, конечно, сделаны. Драматургическое было переосмысление некое, потому что это десятилетие очень многое изменило вообще на земном шаре и многое изменило в сознании людей. Даже последняя пандемия изменила отношение ко многому. Конечно, это отразилось. Произведение в таком виде — это новый взгляд, и взгляд этот уже, мне кажется, более современный, соответствующий двадцатым годам. А двадцатые годы нашего столетия много сюрпризов принесли. Предчувствие этих сюрпризов там тоже есть.— Во время изоляции вам было комфортно работать?— Я всегда говорю, что композитор – это человек, который обрек себя на самоизоляцию. Ты должен сидеть дома и работать. И чем меньше у тебя контактов, чем меньше тебе мешают, тем лучше идет работа. Понимаете, это режиссер, дирижер, музыкант должен быть всегда связан с публикой и с разными людьми. А композитор, писатель – это люди, условия которых прежде всего — самоизоляция, поэтому для меня не было ничего в этом необычного. И я только считал, лишь бы хватило времени, чтобы эта самоизоляция продлилась, чтобы я успел закончить все, что мне надо.— Успели?— Почти. Книжку не совсем успел закончить, но остальные материалы да, успел.— Раз уж вы заговорили о книге. Первая ваша книга вышла в 2015 году. Когда вы почувствовали потребность снова высказаться на страницах?— Вторая книга – это никакие не воспоминания, потому что про себя уже неинтересно. Это мои ощущения, взгляд на происходящее, на мир. Пора уже сказать этому миру все, что я о нем думаю. Мне кажется, каждый человек должен это сделать, ведь каждая человеческая жизнь – это некий опыт. Ты начинаешь, смотришь, тебе многое не ясно, а тебе хочется многое открыть, многое узнать. Потом ты проходишь свой жизненный путь, узнаешь, и тебе, наконец, что-то открывается. Книжка-то будет называться «Олень повернул голову». Почему? Потому что есть китайская легенда о том, что юноша охотился на оленя и в момент, когда он хотел уже выстрелить, олень повернул голову и превратился в девушку. То есть истинная суть этого оленя открылась ему, когда он повернул голову. Для меня олень повернул голову вот так, и мне такая истина открылась о своей жизни. И раз мне такие мысли пришли в голову, почему бы ими не поделиться? Но я, конечно, никакой не писатель и не собираюсь претендовать на эту роль, просто это мои записки, мои мысли, моя история, моя жизнь.— Что касается ваших фильмов «Дух Соноры» и «Литургия оглашенных». Это произведения так называемых синтетических жанров, правильно?— Киноопера – это уже синтетический жанр, потому что это музыкальное произведение и кино. А вот то, что будет у нас в театре, это жанр, которому нужно придумать какое-то название. Пока мы назвали это аудиовизуальное пространство.— Значит, «аудиовизуальное пространство» это новый жанр?— Я бы мог сказать, что это все-таки жанр, где сплавлены инженерная мысль, творческая мысль и сочетание разных видов воздействия на глаза и на уши. Скажем, «Тишайшие молитвы» – там вообще актеров на сцене не будет. Там будут только проекции, только дым, разного рода зрелищные какие-то элементы и звук. Почему инженерные? Потому что эту систему звука я сам придумал. Я звуком занимаюсь всю свою жизнь. И у меня возникла иная звуковая концепция. То есть я использую не какие-то уже готовые схемы окружающего звука, а свою систему. Это один вид. Другой вид мы сделаем с использованием кино. А дальше мне интересно еще пробовать разное. Может быть, еще какие-то сочетания придумаем. Вся наша жизнь – это аудиовизуальное пространство, потому что все мы воспринимаем ушами и глазами, поэтому есть над чем подумать.— Сейчас в искусстве это своеобразный тренд: создаются мультимедийные выставки, постановки… Что лежит в основе вашего обращения к «смешиванию»?— Аудиовизуальное пространство я создал в 1995 году, у меня продавались билеты, есть программки. И то, что я делал тогда «Литургию оглашенных», это тоже было оценено как выход за рамки всех жанров. Да и про «Юнону и Авось» тогда критики говорили: «А что это за жанр? Такого жанра нет!». Для меня выход за рамки всех жанров – это то, чем я занимаюсь всю свою жизнь. А то, что сейчас в этом направлении пошли все остальные за мной потихонечку, гуськом, вряд ли у них так быстро это получится. Все равно формальное сочетание ничего не даст. Должен возникнуть сплав, чтобы из этого получилось настоящее действие. Это очень непросто, и нужно много усилий приложить, а не просто сочетать разнородные элементы. А то, что к этому будет идти, однозначно, потому что такой у нас XXI век, где синтезируется все, что было сделано. Сейчас наша задача собрать все и, отталкиваясь от этого, пойти дальше. Время собирать разные жанры, разные стили.— Вы ведь возглавляете Совет Союза композиторов России, какие цели и задачи у этой организации на ближайшее время?— Композитору нужно, чтобы его произведения исполнялись, это самое главное. А для этого нужно финансирование. Это наша главная проблема. Сейчас нас поддерживает Российский музыкальный союз. Но сколько он может поддерживать? Нужна все-таки и государственная поддержка тоже. Не для того, чтобы кормить композиторов и платить им пенсию или стипендию. Нужна поддержка исполнения этих произведений. Проходят конкурсы, фестивали, рождаются произведения, новые имена. Хочется, чтобы это исполнялось, хочется, чтобы композиторам делали заказы, чтобы их музыка циркулировала, чтобы она жила… Мы понимаем: популярными песнями можно зарабатывать, а симфоническая музыка не кормит. Очень небольшие средства получают люди. Это может привести к тому, что вообще перестанет существовать музыка академическая, симфоническая. Этого ни в коем случае нельзя допускать, потому что это визитная карточка любой страны. Когда начинают говорить: что для вас Россия, отвечают, что это Толстой, Достоевский, Чайковский, Рахманинов… Остальное все неинтересно. А сейчас что перечислять-то? Хотелось бы, чтобы все-таки были композиторы, писатели, художники… За это нужно бороться. Мне кажется, что чуть-чуть лед тронулся, уже что-то удалось сделать в этом отношении. Будем еще над этим работать.— Вы входите в президентский Совет по культуре и искусству. С чем бы вы могли выступить на следующем совете, на что важно обратить внимание?— Мы должны были 27 марта уже встречаться, у меня есть тема, которую можно поднять на этом Совете, — творчество наших композиторов последней трети XX века, потому что это выпало на 80-90-е годы. В общем, написано-то музыки много, и той, которая может составить наш золотой фонд. И если сейчас все, что создается, имеет шанс очень большой быть услышанным на фестивалях, на конкурсах, которые проводятся на самом разном уровне, то вот тот пласт вообще ушел. Его нет, и про него как бы забыли, никто им сейчас особенно не интересуется. Поэтому я хотел бы поднять вопрос о том, что нужна поддержка, чтобы, естественно, после отбора авторитетной экспертной комиссией самые лучшие произведения были записаны, исполнены и этот пласт музыки не ушел из нашей жизни.

https://radiosputnik.ria.ru/20200709/1574111968.html

https://sn. ria.ru/20200505/1570827176.html

россия

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2020

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e4/07/10/1574452712_46:0:2777:2048_1920x0_80_0_0_7f99550f3998ddf4108ea21f62db54a5.jpg

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

РИА Новости

[email protected] ru

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

интервью — авторы, алексей рыбников, россия

17 июля отмечает свое 75-летие композитор Алексей Рыбников, подаривший миру рок-оперы «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» и «Юнона и Авось», автор узнаваемой музыки к фильмам «Приключения Буратино», «Тот самый Мюнхгаузен», «Остров сокровищ» и многим другим. В интервью РИА Новости он рассказал, почему не любит юбилеи, любит работать в изоляции, а также поделился видением новаторского жанра под рабочим названием «аудиовизуальное пространство». Беседовала Нелли Бондаренко.

— Алексей Львович, ваш юбилей выпал на странное время, когда еще полностью не снято ограничение на проведение концертов и других массовых мероприятий. Вас это не огорчает? Может быть, какие-то планы пришлось отменить?

— Я не люблю юбилеи, потому что считаю, что привлекать внимание к собственной персоне только из-за того, сколько лет исполнилось, это не очень интересно, поэтому чтобы избежать именно юбилейных каких-то вещей, я хотел сделать премьеру оперы «Война и мир» или показать свои фильмы. Я надеюсь, это все удастся сделать осенью и привлечь внимание не просто к юбилею, а к новым творческим событиям. Конечно, я хотел, чтобы до юбилея все это произошло, весной. Но не получилось, и, в принципе, не страшно, что это перенесено на осень. Я всегда говорю, что я оптимист в этом смысле: уже к октябрю мы, я думаю, выйдем абсолютно из рамок пандемии и у нас начнется нормальная жизнь.

9 июля 2020, 13:53АвторыДолой маски! Какие меры отменят для москвичейМоскву ждут новые послабления коронавирусных ограничений.

— Кстати, о премьерах. У вас запланирован показ оперы по роману Толстого «Война и мир», а также фильма «Дух Соноры». Есть ли точные даты премьер?

— Если точнее – эти премьеры должны состояться в этом сезоне. Одновременно сделать все невозможно, будем делать по очереди в зависимости от обстоятельств. Покажем сначала «Дух Соноры».

— Работа над «Войной и миром» идет уже довольно долго, что изменилось в авторском замысле?

— «Война и мир» была написана уже к 2012 году. Она лежит у меня в трехактном варианте, поэтому ничего я особенно туда и не дописывал, хотя несколько номеров были, конечно, сделаны. Драматургическое было переосмысление некое, потому что это десятилетие очень многое изменило вообще на земном шаре и многое изменило в сознании людей. Даже последняя пандемия изменила отношение ко многому. Конечно, это отразилось. Произведение в таком виде — это новый взгляд, и взгляд этот уже, мне кажется, более современный, соответствующий двадцатым годам. А двадцатые годы нашего столетия много сюрпризов принесли. Предчувствие этих сюрпризов там тоже есть.

— Во время изоляции вам было комфортно работать?

— Я всегда говорю, что композитор – это человек, который обрек себя на самоизоляцию. Ты должен сидеть дома и работать. И чем меньше у тебя контактов, чем меньше тебе мешают, тем лучше идет работа. Понимаете, это режиссер, дирижер, музыкант должен быть всегда связан с публикой и с разными людьми. А композитор, писатель – это люди, условия которых прежде всего — самоизоляция, поэтому для меня не было ничего в этом необычного. И я только считал, лишь бы хватило времени, чтобы эта самоизоляция продлилась, чтобы я успел закончить все, что мне надо.

— Почти. Книжку не совсем успел закончить, но остальные материалы да, успел.

— Раз уж вы заговорили о книге. Первая ваша книга вышла в 2015 году. Когда вы почувствовали потребность снова высказаться на страницах?

— Вторая книга – это никакие не воспоминания, потому что про себя уже неинтересно. Это мои ощущения, взгляд на происходящее, на мир. Пора уже сказать этому миру все, что я о нем думаю. Мне кажется, каждый человек должен это сделать, ведь каждая человеческая жизнь – это некий опыт. Ты начинаешь, смотришь, тебе многое не ясно, а тебе хочется многое открыть, многое узнать. Потом ты проходишь свой жизненный путь, узнаешь, и тебе, наконец, что-то открывается. Книжка-то будет называться «Олень повернул голову». Почему? Потому что есть китайская легенда о том, что юноша охотился на оленя и в момент, когда он хотел уже выстрелить, олень повернул голову и превратился в девушку. То есть истинная суть этого оленя открылась ему, когда он повернул голову. Для меня олень повернул голову вот так, и мне такая истина открылась о своей жизни. И раз мне такие мысли пришли в голову, почему бы ими не поделиться? Но я, конечно, никакой не писатель и не собираюсь претендовать на эту роль, просто это мои записки, мои мысли, моя история, моя жизнь.

— Что касается ваших фильмов «Дух Соноры» и «Литургия оглашенных». Это произведения так называемых синтетических жанров, правильно?

— Киноопера – это уже синтетический жанр, потому что это музыкальное произведение и кино. А вот то, что будет у нас в театре, это жанр, которому нужно придумать какое-то название. Пока мы назвали это аудиовизуальное пространство.

— Значит, «аудиовизуальное пространство» это новый жанр?

— Я бы мог сказать, что это все-таки жанр, где сплавлены инженерная мысль, творческая мысль и сочетание разных видов воздействия на глаза и на уши. Скажем, «Тишайшие молитвы» – там вообще актеров на сцене не будет. Там будут только проекции, только дым, разного рода зрелищные какие-то элементы и звук. Почему инженерные? Потому что эту систему звука я сам придумал. Я звуком занимаюсь всю свою жизнь. И у меня возникла иная звуковая концепция. То есть я использую не какие-то уже готовые схемы окружающего звука, а свою систему. Это один вид. Другой вид мы сделаем с использованием кино. А дальше мне интересно еще пробовать разное. Может быть, еще какие-то сочетания придумаем. Вся наша жизнь – это аудиовизуальное пространство, потому что все мы воспринимаем ушами и глазами, поэтому есть над чем подумать.

— Сейчас в искусстве это своеобразный тренд: создаются мультимедийные выставки, постановки… Что лежит в основе вашего обращения к «смешиванию»?

— Аудиовизуальное пространство я создал в 1995 году, у меня продавались билеты, есть программки. И то, что я делал тогда «Литургию оглашенных», это тоже было оценено как выход за рамки всех жанров. Да и про «Юнону и Авось» тогда критики говорили: «А что это за жанр? Такого жанра нет!». Для меня выход за рамки всех жанров – это то, чем я занимаюсь всю свою жизнь. А то, что сейчас в этом направлении пошли все остальные за мной потихонечку, гуськом, вряд ли у них так быстро это получится. Все равно формальное сочетание ничего не даст. Должен возникнуть сплав, чтобы из этого получилось настоящее действие. Это очень непросто, и нужно много усилий приложить, а не просто сочетать разнородные элементы. А то, что к этому будет идти, однозначно, потому что такой у нас XXI век, где синтезируется все, что было сделано. Сейчас наша задача собрать все и, отталкиваясь от этого, пойти дальше. Время собирать разные жанры, разные стили.

5 мая 2020, 09:00

Флешмобы и сторителлинг: музеи осваивают новые онлайн-стратегии

— Вы ведь возглавляете Совет Союза композиторов России, какие цели и задачи у этой организации на ближайшее время?

— Композитору нужно, чтобы его произведения исполнялись, это самое главное. А для этого нужно финансирование. Это наша главная проблема. Сейчас нас поддерживает Российский музыкальный союз. Но сколько он может поддерживать? Нужна все-таки и государственная поддержка тоже. Не для того, чтобы кормить композиторов и платить им пенсию или стипендию. Нужна поддержка исполнения этих произведений. Проходят конкурсы, фестивали, рождаются произведения, новые имена. Хочется, чтобы это исполнялось, хочется, чтобы композиторам делали заказы, чтобы их музыка циркулировала, чтобы она жила… Мы понимаем: популярными песнями можно зарабатывать, а симфоническая музыка не кормит. Очень небольшие средства получают люди. Это может привести к тому, что вообще перестанет существовать музыка академическая, симфоническая. Этого ни в коем случае нельзя допускать, потому что это визитная карточка любой страны. Когда начинают говорить: что для вас Россия, отвечают, что это Толстой, Достоевский, Чайковский, Рахманинов… Остальное все неинтересно. А сейчас что перечислять-то? Хотелось бы, чтобы все-таки были композиторы, писатели, художники… За это нужно бороться. Мне кажется, что чуть-чуть лед тронулся, уже что-то удалось сделать в этом отношении. Будем еще над этим работать.

— Вы входите в президентский Совет по культуре и искусству. С чем бы вы могли выступить на следующем совете, на что важно обратить внимание?

— Мы должны были 27 марта уже встречаться, у меня есть тема, которую можно поднять на этом Совете, — творчество наших композиторов последней трети XX века, потому что это выпало на 80-90-е годы. В общем, написано-то музыки много, и той, которая может составить наш золотой фонд. И если сейчас все, что создается, имеет шанс очень большой быть услышанным на фестивалях, на конкурсах, которые проводятся на самом разном уровне, то вот тот пласт вообще ушел. Его нет, и про него как бы забыли, никто им сейчас особенно не интересуется. Поэтому я хотел бы поднять вопрос о том, что нужна поддержка, чтобы, естественно, после отбора авторитетной экспертной комиссией самые лучшие произведения были записаны, исполнены и этот пласт музыки не ушел из нашей жизни.

10 вещей, которые вы обязаны знать о Бетховене | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

1. Биография гения в режиме быстрой перемотки

Точная дата рождения Бетховена (Ludwig van Beethoven) — первая из загадок его биографии. Точно известен лишь день его крестин: 17 декабря 1770 года в Бонне. Ребенком он учился играть на фортепиано, органе и скрипке. В семь лет дал первый концерт (отец хотел сделать из Людвига «второго Моцарта»).

В 12 лет Бетховен начал писать свои первые сочинения с забавными названиями вроде «Элегия на смерть пуделя» (предположительно под впечатлением от кончины реального пса). В 22 года композитор уехал в Вену, где и прожил до конца жизни. Он скончался 26 марта 1827 года в возрасте 56 лет, предположительно от цирроза печени.

2. «К Элизе»: Бетховен и прекрасный пол

И эта тема окружена тайнами. Факт заключается в том, что Бетховен никогда не женился. А вот сватался неоднократно — в частности, к певице Элизабет Рёккель (Elisabeth Röckel, которой, как полагает немецкий музыковед Клаус Копиц (Klaus Kopitz), посвящена знаменитая ля-минорная багатель «К Элизе») и пианистке Терезе Мальфатти. О том, кем была неведомая героиня знаменитого письма «к бессмертной возлюбленной», ученые также спорят, сходясь на кандидатуре Антонии Брентано (Antonie Brentano) как наиболее реальной.

Ужель та самая Элиза? Элизабет Рёккель

Правды мы не узнаем никогда: Бетховен тщательно скрывал обстоятельства своей личной жизни. Но близкий друг композитора Франц Вегелер (Franz Gerhard Wegeler) свидетельствовал: «В годы жизни в Вене Бетховен постоянно находился в любовных отношениях».

3. Непростой в быту человек

Неопорожненный ночной горшок под роялем, объедки среди партитур, всклокоченная шевелюра и заношенный шлафрок — и это тоже, судя по многочисленным свидетельствам, был Бетховен. Жизнерадостный молодой человек с возрастом и под влиянием недугов превратился в довольно непростого в повседневном обращении персонажа.

В своем «Гейлигенштадтском завещании», написанном в состоянии шока от осознания наступающей глухоты, Бетховен указывает именно на болезнь как на причину своего дурного характера: «О вы, люди, считающие меня злонравным, упрямым или мизантропичным — как вы несправедливы ко мне, ведь вы не знаете тайной причины того, что вам кажется. /…/ Вот уже шесть лет я пребывают в безнадежном состоянии, усугубленном невежественными врачами…»

4. Бетховен и классика

Бетховен — последний из титанов «венской классики». В общей сложности он оставил потомкам более 240 сочинений, среди них — девять завершенных симфоний, пять фортепианных концертов и 18 струнных квартетов. Он, по сути, заново изобрел жанр симфонии, в частности, впервые использовав в Девятой симфонии хор, чего до него никто не делал.

5. Единственная опера

Оперу Бетховен написал лишь одну — «Фиделио». Работа над ней далась композитору мучительно, а результат до сих пор убеждает не всех. На оперном поприще Бетховен, как указывает российский музыковед Лариса Кириллина, вступал в полемику со своим кумиром и предшественником — Вольфгангом Амадеем Моцартом (Wolfgang Amadeus Mozart).

«Бетховен сочиняет»: картина Карла Шлёссера возникла уже в конце 19-го века

При этом, как указывает Кириллина, «концепция «Фиделио» прямо противоположна моцартовской: любовь — не слепая стихийная сила, а нравственный долг, требующий от своих избранников готовности к подвигу. Первоначальное название оперы Бетховена, «Леонора, или Супружеская любовь», отражает этот антимоцартовский моральный императив: не «так поступают все женщины», а «так должны поступать все женщины».

6. «Та-та-та-таааа!»

Если верить первому биографу Бетховена Антону Шиндлеру (Anton Schindler), сам композитор говорил о начальных тактах своей Пятой симфонии: «Так сама судьба стучится в дверь!» Более близкий Бетховену человек, его ученик и друг, композитор Карл Черни (Carl Czerny) вспоминал, что «тему симфонии C-Moll Бетховену навеял крик лесной птицы»… Так или иначе: образ «поединка с судьбой» стал частью бетховенского мифа.

7. Девятая: симфония симфоний

Девятая симфония Бетховена, премьера которой состоялась 7 мая 1824 года в Вене и сопровождалась шквалом оваций, которые полностью потерявший слух композитор не мог услышать, до сих пор является непревзойденным сочинением в истории музыки. «Ода к радости» на стихи Шиллера (Friedrich Schiller) стала гимном единой Европы.

Интересный факт: при изобретении технологии записи музыки на компакт-диски именно длительность Девятой симфонии (более 70 минут) определила параметры нового формата.

8. Бетховен и революция

Радикальность представлений Бетховена о роли и значении искусства вообще и музыки в частности сделали его кумиром различных революций, в том числе и социальных. Сам композитор вел при этом вполне буржуазный образ жизни.

9. Прижимистая звезда: Бетховен и деньги

Бетховен уже при жизни был признанным гением и никогда не страдал от недостатка самомнения. Это отражалось, в частности, на его представлениях о размере гонораров. Бетховен охотно принимал заказы от щедрых и влиятельных меценатов, а с издателями порою вел переговоры в очень жестком тоне. Композитор был не миллионером, но весьма состоятельным человеком по меркам своей эпохи.

10. Глухой композитор

Бетховен начал глохнуть в возрасте 27 лет. Болезнь развивалась на протяжении двух десятилетий и полностью лишила композитора слуха к 48 годам. Новейшие исследования доказывают, что причиной стало заболевание сыпным тифом — распространенной во времена Бетховена инфекцией, которую часто переносят крысы. Однако, обладая абсолютным внутренним слухом, Бетховен мог сочинять музыку и будучи глухим. До последних лет жизни он не оставлял отчаянных — и, увы, безрезультатных, — попыток восстановить слух.

Смотрите также:

  • По историческим местам Бонна

    Первые шаги

    На этой фотографии запечатлен один из первых ключевых моментов в послевоенной политической истории Германии. В сентябре 1949 года Конрад Аденауэр был избран первым канцлером ФРГ и уже вскоре приступил к переговорам с верховными комиссарами западных держав-победительниц, чтобы добиться большего суверенитета для своего правительства.

  • По историческим местам Бонна

    «Путь демократии»

    Встречи Аденауэра и комиссаров проходили в гостинице на горе Петерсберг под Бонном, где находилась их штаб-квартира. На ближайшие 40 лет этому небольшому городу на Рейне предстояло стать временной столицей ФРГ — до официального воссоединения Германии 3 октября 1990 года. Правительство работало здесь еще дольше, до переезда в Берлин в 1999 году.

  • По историческим местам Бонна

    Правительственный квартал

    Заглянуть в недавнее прошлое Бонна можно, совершив прогулку по маршруту «Путь демократии» (Weg der Demokratie). Большая часть исторических мест расположена в бывшем правительственном квартале. Около каждого из них установлены информационные табло. На фотографии — памятник Конраду Аденауэру (ХДС) на аллее, названной именем еще одного канцлера ФРГ — Вилли Брандта (СДПГ).

  • По историческим местам Бонна

    Особый статус

    Прежде, чем отправиться на прогулку по маршруту, отметим, что Бонн сейчас является городом федерального значения. Это закреплено в особом законе. Здесь продолжает работать около 7000 правительственных чиновников, расположены главные офисы шести из четырнадцати министерств, некоторые ведомства, другие официальные учреждения и организации.

  • По историческим местам Бонна

    Музей истории

    Отправной точкой «Пути демократии» служит Музей истории ФРГ (Haus der Geschichte der Bundesrepublik), расположенный напротив бывшего Ведомства федерального канцлера. Он был открыт в 1994 году и сейчас является одним из самых посещаемых музеев Германии — около 850 тысяч человек ежегодно. Среди экспонатов — этот правительственный «Мерседес».

  • По историческим местам Бонна

    Дом федерации

    Первая остановка маршрута — Дом федерации (Bundeshaus). В этих зданиях на берегу Рейна находился парламент: бундесрат и бундестаг. Самая старая часть комплекса — бывшая Педагогическая академия, возведенная в 1930-х годах в стиле новой вещественности. В северном крыле академии в 1948-1949 годах был разработан Основной закон (Конституция) ФРГ.

  • По историческим местам Бонна

    Первый зал

    Бундестаг первого созыва начал работать в бывшей Педагогической академии, перестроенной всего за семь месяцев, в сентябре 1949 года. Через несколько лет рядом возвели новое восьмиэтажное офисное здание для депутатов. В своем первом пленарном зале бундестаг заседал до 1988 года. Затем его снесли и построили на этом месте новый зал, который использовался до переезда в Берлин.

  • По историческим местам Бонна

    ООН в Бонне

    Сейчас большинство бывших парламентских зданий в Бонне передано в распоряжение подразделений ООН, расположенных в бывшей столице ФРГ, — в частности, секретариата Рамочной конвенции об изменении климата. Всего в городе работает около тысячи сотрудников этой международной организации.

  • По историческим местам Бонна

    Из стекла и бетона

    Следующая остановка — около нового зала пленарных заседаний бундестага, строительство которого было завершено в 1992 году. Последний раз депутаты собирались здесь на Рейне в июле 1999 года накануне переезда в берлинский Рейхстаг и новый парламентский комплекс на берегах Шпрее.

  • По историческим местам Бонна

    Новый зал

    Пленарный зал сейчас не пустует. В нем регулярно проводятся разные встречи и мероприятия. Эта фотография сделана в бывшем бундестаге в июне 2016 года во время конференции Global Media Forum. Ее ежегодно проводит медиакомпания Deutsche Welle, редакционный комплекс которой расположен рядом. Напротив него построили международной конгресс-центр WCCB и большой пятизвездочный отель.

  • По историческим местам Бонна

    Старая водокачка

    С сентября 1986 года по октябрь 1992 года пленарные заседания бундестага, пока строили новый зал, временно проходили в бывшей водонапорной станции на берегу Рейна — Altes Wasserwerk. Это импозантное сооружение в неоготическом стиле было возведено в 1875 году. В 1958 году водокачку вывели из эксплуатации. Здание было куплено правительством и стало частью парламентского комплекса.

  • По историческим местам Бонна

    Из Бонна в Берлин

    3 октября 1990 года, в день воссоединения страны, столицей единой Германии вновь стал Берлин, однако вопрос, где будет работать правительство, оставался еще открытым. Местом принятия исторического решения о переезде из Бонна стал пленарный зал в старой водокачке. Это произошло 20 июня 1991 года после острых десятичасовых дебатов. Перевес составил всего 18 голосов.

  • По историческим местам Бонна

    Парламентская высотка

    Следующая остановка «Пути демократии» — высотное здание «Langer Eugen», то есть «Длинный Ойген». Так его прозвали в честь председателя бундестага Ойгена Герстенмайера, особо ратовавшего за этот проект. Рядом расположены белые корпуса Deutsche Welle. В этих зданиях должны были разместиться офисы парламента, расширившегося после воссоединения страны, но из-за переезда в Берлин планы изменились.

  • По историческим местам Бонна

    «Тюльпановое поле»

    Офисный комплекс «Тюльпановое поле» (Tulpenfeld) возвели в 1960-х годах по заказу концерна Allianz специально, чтобы сдавать в аренду правительству. Дело в том, что ранее власти ФРГ приняли решение больше не строить новые здания в Бонне, так как город рассматривался в качестве временной столицы. Помещения здесь снимали бундестаг, различные ведомства и Федеральная пресс-конференция.

  • По историческим местам Бонна

    Боннские редакции

    Этот снимок был сделан в зале Федеральной пресс-конференции в 1979 году во время визита министра иностранных дел СССР Андрея Громыко. По соседству с «Тюльпановым полем» на улице Дальманштрассе (Dahlmannstraße) располагались боннские редакции ведущих немецких СМИ и корреспондентские бюро зарубежной прессы и информационных агентств.

  • По историческим местам Бонна

    Канцлерское бунгало

    Об этой резиденции немецких канцлеров мы уже рассказывали подробно в отдельном репортаже, который можно посмотреть по ссылке в конце страницы. В 1964 году первым хозяином канцлерского бунгало, построенного в стиле классического модерна, стал отец немецкого экономического чуда Людвиг Эрхард. Дольше других здесь жил и работал Гельмут Коль, возглавлявший правительство ФРГ 16 лет.

  • По историческим местам Бонна

    Новое ведомство канцлера

    От канцлерского бунгало — рукой подать до Ведомства федерального канцлера. C 1976 по 1999 годы здесь располагались офисы Гельмута Шмидта, Гельмута Коля и Герхарда Шредера. На лужайке перед главным входом в 1979 году установили работу британского скульптора Генри Мура «Large Two Forms». Сейчас здесь расположен центральный офис министерства экономического сотрудничества и развития.

  • По историческим местам Бонна

    Дворец Шаумбург

    Ранее офисы немецких канцлеров находись во дворце Шаумбург. Он был возведен в 1860 году по заказу одного текстильного фабриканта, позже куплен принцем Адольфом цу Шаумбург-Липпе и перестроен в стиле позднего классицизма. С 1939 года здание находилось в распоряжении вермахта, а в 1945 году перешло командованию бельгийских частей в оккупированной Германии.

  • По историческим местам Бонна

    От Аденауэра до Шмидта

    В 1949 дворец Шаумбург стал местом работы первого федерального канцлера Конрада Аденауэра. Так выглядел его кабинет. Затем этот дворец вплоть до 1976 года использовали канцлеры Людвиг Эрхард, Курт Георг Кизингер, Вилли Брандт и Гельмут Шмидт. В 1990 году здесь были подписаны германо-германские соглашения о создании валютного, экономического и социального союзов.

  • По историческим местам Бонна

    Вилла Хаммершмидт

    Соседнюю виллу Хаммершмидт, построенную в середине XVIII века, занимали немецкие президенты — до 1994 года, когда Рихард фон Вайцзеккер решил переехать в берлинский дворец Бельвю. При этом боннская вилла сохранила за собой статус президентской резиденции в городе федерального значения на Рейне.

  • По историческим местам Бонна

    Музей Кёнига

    Первые страницы послевоенной истории ФРГ были написаны… в зоологическом музее Кёнига. В 1948 году в нем начал заседать Парламентский совет, в задачи которого входила разработка новой конституции. Также здесь в течение двух месяцев после избрания его канцлером, до переезда во дворец Шаумбург, работал Конрад Аденауэр. Эта фотография сделана во время посещения бывшего его кабинета Ангелой Меркель.

  • По историческим местам Бонна

    Старая ратуша

    За свои столичные десятилетия Бонн видел много политиков и государственных деятелей со всего мира. Одним из пунктов их обязательной программы было посещение городской ратуши для того, чтобы оставить запись в Золотой книге почетных гостей. Эта фотография была сделана на парадной лестнице во время визита в ФРГ Михаила Горбачева в 1989 году.

  • По историческим местам Бонна

    Петерсберг

    Многие главы государств, посещавшие Бонн, останавливались в отеле Петерсберг, где мы начали репортаж. Он служил гостевой правительственной резиденцей. Здесь жили Елизавета II, император Акихито, Борис Ельцин, Билл Клинтон. Этот снимок сделан в 1973 году во время визита Леонида Брежнева, севшего за руль только что подаренного ему «Мерседеса» 450 SLC. В этот же день он его помял на боннской дороге.

  • По историческим местам Бонна

    P.S.

    Наш репортаж подошел к концу, но «Путь демократии» не заканчивается. Маршрут далее проходит мимо министерств на берегу Рейна, офисов парламентских партий и парка Хофгартен. Он был местом митингов, собиравших более 300 тысяч человек. Например, в 1981 году здесь протестовали против размещения американских ядерных ракет на территории Западной Германии.

    Автор: Максим Нелюбин


Ушел из жизни композитор, автор музыки к фильмам «Мимино» и «Кин-дза-дза» Гия Канчели

Народный артист СССР, автор семи симфоний и камерной музыки, композитор, мелодии которого звучат в десятках фильмов и спектаклей. Ушел из жизни Гия Канчели. Маэстро скончался в родном Тбилиси, ему было 84 года.

Произведения Канчели — признанная классика, их исполняют лучшие оркестры и дирижеры. Его песни — наш общий культурный код, который связывает не только жителей России и Грузии, но и миллионы людей в бывших республиках Союза. Он действительно был народным композитором, не по званию, а по сути.

Пианиссимо — чрезвычайно тихо — это и есть стиль Канчели. Эти мелодии слушатель угадывает с первых нот. Трогательные, лирические, незабываемые.

Простая, мягкая, игривая. Песенка «Чито-грито», или «Птичка-невеличка», прославила композитора на весь Советский Союз. Канчели дружил с Георгием Данелия. Режиссер говорил: есть что-то космическое в этих мелодиях. В творческом союзе они создали настоящие кинохиты: «Мимино», «Паспорт», «Не горюй», «Кин-дза-дза». И ни один из них уже невозможно представить без музыки Канчели.

Свою музыку Гия Канчели писал не по заказу — для души. Хотя часто говорил, что простые, легкие и воздушные мелодии давались тяжело. Кроме музыки к фильмам, Канчели написал семь симфоний. Их сейчас с удовольствием исполняют знаменитые дирижеры и оркестры.

«Это результат ненормального труда. Но когда зритель входит в зал, он не должен понять, чего мне это стоило. Он должен думать, что музыка пришла легко и быстро, с вдохновением», — говорил Гия Канчели.

Последние годы Гия Канчели жил и работал в Бельгии, куда приехал по приглашению Королевского филармонического оркестра Фландрии. В этом году его признали одним из лучших композиторов современности наряду с Нино Рота и Эннио Морриконе.

«Это человек, который раздвинул музыкальные горизонты. Человек, который удивительно владел пространством и временем. Я ни у кого не слышал таких темпов и таких нюансов. Он раздвигал этот диапазон до невероятных размеров, то есть это космос», — говорит дирижер Сергей Скрипка.

А ведь этого космоса могло бы и не быть. До поступления в консерваторию Гия Канчели учился на геологическом факультете Тбилисского университета и даже не думал о музыке. Пока не услышал Эллу Фитцджеральд и не влюбился в джаз.

«Он был любвеобильный. Много друзей было. Очень сердечный человек. Переживания его всегда были глубокие и искренние. Это огромная потеря для всех нас и для Грузии, грузинской культуры», — сказал режиссер Резо Габриадзе.

Канчели и театр — это отдельная история, история любви. Вместе с Робертом Стуруа они создали более 40 спектаклей. По просьбе Георгия Товстоногова Канчели написал невероятно колоритную музыку для спектакля «Ханума».

«Я всего лишь помощник в театре и кино. Но когда я остаюсь с собой наедине, я – автор сценария, режиссер, хореограф. И, если это не будет громко сказано, я стараюсь создать свой собственный театр», — говорил Гия Канчели.

Маэстро всегда оставался за кадром, но его узнавали на улице и признавались в любви, особенно в родном Тбилиси. Его романтичные и нежные мелодии звучали в каждом доме и останутся в каждом сердце.

Композитор Антон Лубченко — о повсеместном тренде: «Искусство забыло о человеке»

Антон идет по жизни уверенным шагом, с виду — как оперный баритон или бас, говорит — что думает, камня за пазухой не держит, не мельчит, не теряется в двойных-тройных смыслах. Прямой. Его музыка — а она очень удобоварима для слуха — может быть близка вам или не близка, но она вырывается из этого человека естественным порядком, не искусственна, не болезненна. Как с самим Лубченко интересно, так интересно и с его музыкой. Она желанна. А то бы ее исполняли на Дрезденском балу или в Брукнер-хаусе в Австрии (БСО давал его Девятую «Линцскую» симфонию 27 ноября 2017-го)! А то бы возглавлял он оркестр Сочинской филармонии и всю музыкальную кухню Александринского театра!

Кстати, к камерной он никогда не прибегал. Решил вот что-то попробовать на этом фронте в 2002-м — так и зародились первые наметки «Русского трио», а в 2017-м, специально для Трио им. Рахманинова дописал еще две части, переработав в целом всё сочинение.

В итоге оно, четырехчастное, и посвящено тем, кто его впервые исполнил — именно звездному Трио им. Рахманинова (в составе Виктора Ямпольского, Наталии Савиновой и Михаила Цинмана). Кстати, в момент исполнения в Швейцарии вышла заминка — местная помощница, листающая ноты Виктору Ямпольскому, вдруг закашлялась на третьей части и ушла. Антон, сидящий скромно в зале, понял, что срочно нужна помощь — в «Чарльстоне» и ритм быстрый, да и произведение для музыкантов новое, все на нерве: он выбежал на сцену и так же скромненько сел переворачивать ноты. И на аплодисментах встал себе тихо к стеночке, не мешая приветствовать музыкантов…

Как раз после концерта мы и поговорили с Антоном на темы, волнующие обоих.

«Не припомню, чтобы мне хотелось послушать что-то из того, что пишут мои современники»

— Антон, я спрашиваю то, что мне самому интересно и что меня тревожит…

— Было бы совсем грустно и странно, если бы вы спрашивали то, что вам неинтересно…

— А нет, ну бывает же «джентльменский набор вопросов», но мне важно другое. Что такое сегодня — композитор? Бывает же, что какие-то живительные актуальные токи из культуры перетекают в какую-то иную область. Человечество менее культурным не делается, но актуальное знание создают — в какой-то момент — вовсе не художники, писатели, актеры… Это как в Древнем Риме стояли обелиски, привезенные из Египта римскими императорами, и когда-то они были сосредоточием силы. Силы! А сегодня — так, безделица, даже туристы не фоткают. Сила ушла. Осталась одна каменная болванка. Вот и сейчас — нет ли ощущения, что сила из культуры перетекла в иную сферу? Что вы лично ищете? Что чувствуете?

— Вы правы… мне не хочется говорить высокопарно, но сегодня редкие Артисты (не только композиторы, но вообще люди искусства) очень мало задумываются об адресе — кому они пишут, для кого они играют, для кого сочиняют, для кого снимают фильмы. Это адрес, в конечном итоге, всегда был один — человек. Сейчас, такое ощущение, что человек перестал интересовать творцов. А что их интересует? Это вопрос.

Как-то в нашем искусстве — не российском, а общемировом — очень последовательно и, к сожалению, сознательно выхолащивается человеческая эмоция. Почитается иногда даже за дурной тон, если на эту эмоцию кто-то обращает внимание. Это неправильно. Понятно, что эмоция может быть разная, но всё равно она должна быть задета. Я пытаюсь в своей музыке нащупать тот путь, который, с одной стороны, не мешал бы музыке быть созвучной времени (избегаю слово «современная», поскольку под ним часто разумеется авангард), с другой стороны, музыка должна оставаться эмоциональной в той степени, в которой до нас эту музыку творили наши большие предшественники…

— Не в том же стиле, конечно…

— Не в том стиле, а в той степени. Потому что эмоция Чайковского, эмоция Прокофьева, эмоция Шостаковича — да, это совершенно разные эмоции. Но я пытаюсь нащупать интенсивность эмоциональной природы. А вот что такое композитор сегодня, — я не знаю. Композиторов много. Кого из них считать композитором? У них сейчас колоссально большой разброс точек зрения на музыку. У каждого свой путь и свой взгляд. Особенно, с учетом западного подхода, когда каждая домохозяйка может стать композитором и издаваться. Поэтому я могу отвечать только за себя. Я не отделяю композиторской профессии от своей дирижерской ипостаси, вообще от ипостаси артиста; композитор — это человек, который должен говорить правду. Потому что ее очень мало говорится. Композитор — это тот, кто должен открывать что-то в себе и в людях. Писать для них, для людей. Если меня как слушателя музыка не цепляет, то она не цепляет. И всё.

— Мало что цепляет?

— К сожалению, из современной — очень малый процент. Я могу с интересом изучать сочинения моих коллег, даже переслушать второй раз, если что-то покажется мне интересным, занятным. Но не помню, чтобы какие-то сочинения слушал просто потому, что мне хочется испытать эмоциональное погружение как от произведения иного классика. Я могу с утра проснуться, и по своему настроению вспомнить Прокофьева, Чайковского, Моцарта, Стравинского, — в зависимости от того, какая муха меня с утра укусила. Но я не помню, чтобы мне хотелось послушать что-то из того, что пишут мои современники. Я-то сам иду не в авангарде, а сзади состава, скорее всего…

— Вы сказали интересную фразу: человек, видимо, каким-то естественным образом, перестает быть адресатом. Человек, слушатель выключается из игры. Не нужен. Наверное, Штокхаузен серьезнейший композитор эпохи…

— Безусловно. Он, Булез, другие столпы…

— Да, но в их концепте слушателю отводится какая-то иная совершенно роль. Вот какая роль у слушателя в «Вертолетно-струнном квартете» Штокхаузена?

— Понимаете, когда речь идет о «Вертолетно-струнном квартете» Штокхаузена и вообще о Штокхаузене, — это немножко другая история, потому что он — композитор своей эпохи. Той эпохи, которая сегодня ушла.

— Всё-таки ушла? И без вопросов?

— Ушла. Все эти поиски, которые осуществлял Карлхайнц Штокхаузен (Булез, Пендерецкий), были созвучны тому времени — 1960-70 годам. Время требовало чего-то тотально нового именно с точки зрения технажа композиции. Музыка требовала своего «Черного квадрата», который в живописи появился в начале XX века. Кстати, многие считали в свое время, что «Весна священная» Стравинского — это уже «Черный квадрат».

Слева направо: пианист Виктор Ямпольский, скрипач Михаил Цинман, композитор Антон Лубченко.

— Но не тут-то было!

— О да, последующие композиторы живо показали, что «Весна» — это просто классицизм по сравнению с тем, что появилось позже. Так что Штокхаузен — это ответ на вызов того времени. А вот когда сегодня музыканты входят в такие поиски, — я не очень понимаю, с чем это связано. Время 1970-80 гг. — прошло. И это я очень по себе чувствую, будучи не старым еще человеком. Вот мое четырехчастное трио, премьера которого сегодня играется, очень показательно для этого разговора. Я его написал в 2002 году: тогда оно было двухчастное. А в 2017-м решил сделать другую редакцию, и, в итоге, это вылилось в совершенно другое произведение. Конечно, в 2002-м мне было 17 лет, только поступал в консерваторию, и это трио было написано для концерта в Малом зале Союза композиторов.

— А почему решили сделать вторую редакцию?

— Внешне — по чисто композиторским причинам. Где-то мне показалось, что не очень рационально используется виолончель, где-то еще что-то… в итоге, произведение стало совсем иным: я понял, что это время 2002 года безвозвратно ушло. Вообще. Совсем. 2002 год — это еще почти XX век и с точки зрения отношения к музыке, и по каким-то вне-музыкальным приметам… И вот за эти 15 лет время изменилось настолько, что я не смог бы просто исправить партитуру и написать в прежнем стиле; потребовался совсем иной подход. И я написал еще две части…

И это всего 15 лет прошло! А что же, спрашиваю я, у нас сегодня пишут так, как будто не проходили по 40-50 лет? Если вы возьмете сочинения Чайковского 70-х годов XIX века и 90-х годов, — вы почувствуете изменения не только в психосоматике композитора, но вы также почувствуете, насколько они современны тому времени. Его 60-70-е близки к композиторам того времени — к Глинке, молодому Брамсу, Шуману. А его 90-е — уже заглядывают (с точки зрения внутреннего содержания) в XX век. Очень много можно найти параллелей даже с Прокофьевым. Так что за 30 лет Чайковский очень сильно поменялся. И далее берите — каждое десятилетие XX века имело свой стиль: 1910-е годы — это Скрябин, молодой Стравинский; 20-е — начало Шостаковича… музыка ярко отражала свое время.

— А сегодня не отражает?

— А сегодня если вы возьмете музыку, написанную за последние сорок лет в России (исключим из этого списка маститых — Щедрина, Шнитке, Губайдуллину), то по стилю композитора (если вы не знаете, как его зовут) не сможете определить, в какое время эта музыка написана. Потому что она перестала отражать своё время. Перестала отражать современность. Перестала отражать, простите за высокопарность, силу души. Я не говорю, что моя музыка это отражает. Но я стремлюсь к этому. Надо хотя бы к этому стремиться! А мне кажется, что многие из моих коллег о таких вещах даже не задумываются.

— А учить-то кому…

— В консерватории, увы, нас учили всему, чему угодно, но я не помню, чтобы когда-нибудь у нас были разговоры с профессорами о таких вещах, как человеческое восприятие, о том, как достичь определенного эмоционального состояния. Когда перечитываешь имеющуюся скудную переписку Прокофьева с Мясковским или между Чайковским и Танеевым, то тема человека в этой переписке всё время звучит. В наше время как-то перестали этому учить. Может, в этом причина всего, что происходит…

— То есть на человека всем наплевать…

— Ну я бы не так огульно называл бы это равнодушием и наплевательством, а, если точнее, вынесением за скобки такой темы как человеческие эмоции. Вынесение за скобки любви. Вот мы разговариваем в классе о Шестой симфонии Чайковского. Я ни разу не слышал, чтобы нам говорили о том эффекте, который производит медленный финал с постепенным замиранием этого ритма сердца в конце… Или о резком ударе в первой части, от которого многие в филармонии подскакивают. Даже я, зная, что сейчас этот удар будет, всякий раз ему удивляюсь: если дирижер хороший, он умеет рассчитать так, что удар происходит всегда неожиданно. Это эффект шока. Но никогда это на лекциях не обсуждалось. Говорилось — «как низко играют деревянные, как высоко медные», но это же чистая технология.

— Ну не потому ли Петр Павленский зашивает себе рот и сжигает двери, пытаясь нащупать путь — что такое художник сегодня? Посмотрите, как в современном арте появилась армия кураторов — людей, объясняющих что есть искусство. Опять же человек выключается из игры, страшноватая пропасть…

— Безусловно, страшноватая. Хотя фамилию упомянутого вами человека я не называю — это можно обсуждать в гражданских плоскостях, но вряд ли это можно назвать искусством. Тогда любой может написать на плакате провокационную фразу, выйти на Красную площадь, и это будет называться искусством. Но я далек от тех людей, которые называют это искусством. Хотя дай бог ему здоровья.

«Увы, заголовок сейчас имеет гораздо большее значение, чем содержание»

— А понятие национального в искусстве еще не улетучилось? Мир-то един…

— К сожалению, он не очень един. И в этом большая проблема. Миру еще только предстоит стать единым. И до этого далеко. Мне кажется, мир сегодня как нельзя более разношерстен. У нас, например, люди делятся на патриотов и либералов. На геев и на не геев. На религиозных людей и атеистов. Или если патриот не веруют в РПЦ, то он уже не очень-то патриот, как-то либерализмом уже попахивает. И так далее и тому подобное. В общем, сейчас люди полярно поделились на наших и не наших.

Что до национального… Чувство национального — очень важно, но в нашем искусстве больше наблюдаю проявления национализма, чем проявления национального… Что такое национальное искусство? Это какие-то наши традиции, традиции в музыке, в изобразительном искусстве, в театре. И это величайшие традиции! Они никогда не были националистическими. До мозга и костей русский композитор Чайковский никогда не отрицал иных основ и иных ценностей. Все знают, что его музыка, во многом, строится и на французских традициях и на, безусловно, немецких. Он был очень открытым, много ездил, многое впитал. Кстати, по матери он — наполовину француз. Впитывал в себя всё, переплавлял в себе, и делал это русским. Чайковский, Рахманинов, Мусоргский, Бородин — это русская музыка, ее отличает и открытая эмоциональность, и крепкое музыкальное словцо. Но никогда их искусство не провозглашало национальное чувство самоцелью. Никогда.

А вот у нас сейчас не так важно, какое содержание, какое наполнение у сочинения. Важно — как оно называется и кем оно создано: нашим человеком или нет. Если нашим, членом «Единой России», — тогда это «наше искусство». Причем, для многих необязательно его послушать, посмотреть, вникнуть — а несет ли это сочинение действительно что-то от настоящих русских традиций?

— А традиции были серьезные…

— Конечно! Возьмите традиции советского кинематографа — Запад на них учился. Это правда. Сначала Эйзенштейн изучал Голливуд, а потом Голливуд серьезно изучал Эйзенштейна. Чаплин учился на нашем русском театре. А мы потом учились уже у Чаплина. Вот эта взаимосвязь с различными культурными традициями всегда была нам присуща. А теперь почему-то появляются либо такие явления как Пусси Райот, которые провозглашают своими ценностями то, что вообще к искусству не имеет никакого отношения. Либо какие-нибудь другие художники (не хочу называть их фамилии, чтобы не ругаться), которые считают, что главное — это подстроиться под конкретную политическую идеологию.

— Ну, в конъюнктуре можно упрекнуть и классиков…

— Понимаете, когда Сергей Прокофьев (я горячо в этом убежден, я много этим дирижировал) писал свою праздничную поэму «Встреча Волги с Доном», — она формально была посвящена открытию Волгодонского канала и была заказана Прокофьеву по инициативе Иосифа Сталина, — но это не фашистское искусство. Оно может называться как угодно, да, она посвящена открытию Волгодонского канала, но ничего в этом нет зазорного, ничего нет постыдного, подобострастного. Почему? Только потому что музыка в этой поэме величайшая. Наполненная. С потрясающими русскими темами. С одной из самых — может быть — грандиозной по своей красоте лирической темой у Прокофьева вообще.

— Ее исполняют?

— Я — да. Но, к сожалению, сегодня эту музыку никто не хочет играть именно из-за ее названия, да? Потому что как-то это политически не укладывается. Также боятся связываться с Первомайской симфонией Дмитрия Шостаковича, с кантатой «Здравица» Прокофьева опять-таки из-за фамилии Сталина. Так вот встреча с Волги с Доном — это великая национальная музыка, и не потому, что она воспевает Волгодонский канал. Она могла бы называться как угодно. Не встреча Волги с Доном, а, скажем, «Брестский мир». Там могло бы стоять любое название, потому что музыка там вообще не про это. Она о России, о русском человеке, она цепляет эмоционально до сих пор… Я очень верю, что у этой музыки большое будущее, пусть и через какое-то время.

А сейчас если и появляются «патриотические вещи», то внутри себя они ничего не несут. И главным в искусстве, как я сказал, становится название: это как лайк в фейсбуке, ты даже, зачастую, не читаешь, что там написано — автоматически видишь картинку и ставишь лайк. Потом человек обижается. «Ты чего обиделся?» — «Так у меня дедушка умер, а ты лайк поставил». — «Ой, извини, я даже не прочел, поставил лайк на автомате, не вникнув». Это частая история, к сожалению. Очень многие идут по верхам, общее место: какой-то тайтл, заголовок становится гораздо важнее наполнения. Так что, отвечая на ваш вопрос, миссия композитора в том, чтобы придать форме содержание, а то форм сегодня много, а с содержанием проблемы.

Концертный зал «Вартег».

— Мне понравилась одна ваша фраза — «Я не просто пишу, я знаю, что это обязательно будет сыграно», то есть писать в стол вы категорически не согласны… это здоровое чувство?

— Это абсолютно здоровое чувство — знать, для кого ты пишешь. Для чего, для какого мероприятия, кто будет исполнять, потому что у любого коллектива есть свою творческое лицо: например, я писал свою «Линцскую» симфонию для Федосеева и его БСО, я знаю их сильные стороны — там грандиозная струнная группа, одна из лучших в Москве, — как можно не использовать эти возможности? Какую-то певучую струнную мелодию они исполнят как никто. Или недавно работал с оркестром радио «Орфей», они играли мою Восьмую симфонию; в этом оркестре очень крепкое звучание медной группы — тяжеловато-мрачноватое. И я думаю, что не ошибся, сделав упор в «Восьмой» на медное звучание. Или взять европейские оркестры (например, Дрезденский) — я знаю, что аккорд из деревянных духовых инструментов звучит так, как он звучит на органе. К сожалению, во многих российских оркестрах это звучание воспроизвести невозможно, так чисто аккорд на деревянных никогда не прозвучит. И глупо это писать для наших оркестров средней руки. Знать всё это очень важно, и это связано не с эмоциональной составляющей, а с технологией.

— И в стол вы писать не можете?

— Просто не могу. Написать в стол — это потерять свое время, и забрать время у людей. Потому что за это время я мог бы сделать то, что принесло бы хоть какую-то пользу.

— Представляете, насколько вы счастливый человек, потому что есть многие композиторы, у которых масса опусов написано в стол, но и не писать они не могут…

— У каждого свой путь. Вы знаете, меня спасает то, что я… может быть, не совсем даже композитор. Я больше, в принципе, артист. Артист в широком значении. Помните, в «Идиоте» у Достоевского Мышкин — это «художник почерка», «артист». У меня есть моя дирижерская профессия; у меня есть возможность писать либретто; иногда бывают какие-то съемки в кино; иногда для друзей или для души я могу немножко вспомнить и сесть за рояль… хотя Мацуева из меня, конечно, не получится, и не претендую на место больших пианистов.

Но сам себя не заключаю ни в какие рамки, в рамки одного дела. Мне заказывают — и занимаюсь тем, чем я могу заниматься. Я являюсь артистическим администратором Сочинского оркестра, я руководитель музыкальных программ Александринского театра. Кажется, что это совсем иная сфера, чем написание симфонии. Но на самом деле, это требует такого же отношения к человеку, как и в сочинении музыки. Конечный адрес — все равно человек. Все эти вещи для меня одинаково интересны. И я не могу сказать, что люблю больше, что для меня важнее…

«Бороться надо с безальтернативностью в искусстве и в жизни!»

— Вот такой вопрос напоследок — читаешь дневники, жизнеописания Баха, ван Гога, многих других: в прежние времена художники (в широком смысле) много ходили ногами. Ван Гог, блуждая по Европе, ночевал в лесочке, можно себе представить сколько раз он в месяц мылся и мылся ли вообще. То есть дорога была — главным принципом жизни. Мне кажется, это важнейший принцип, когда важен не столько результат (потому что художник не может предвидеть результат), сколько поиск, движение, хождение. Можете ли вы сказать, что ваша все-занятость, все-охватность, — это тоже, своего рода, дорога?

— Очень часто об этом думаю. У меня даже эпиграф к первой части Девятой симфонии так и звучит — «что заставляет артиста все время находиться в дороге и в движении?» Вы словно бы выхватили этот вопрос из моей повестки дня… это интересная мысль, что сегодня, как ван Гог, в лесочке не спят, зато истязают себя самолетами и поездами. Я подумаю об этом, это, правда, очень интересно. А что касается хождения пешком по жизни… так я считаю себя счастливым человеком, потому что меня воспитала моя советская бабушка 1929 года рождения, я застал время без айфонов, без фейсбуков, без ежедневных самолетов, тогда жизнь текла гораздо медленнее. Я еще ездил в повозках, запряженных лошадьми на Украине. Бабушка моя увлекалась туризмом в молодости, ходила много в турпоходы, вот и с нею мы совершали пешие прогулки на десятки километров, уходя далеко в лес, прямо с утра, пекли картошку на костре, возвращались домой под вечер. Поэтому я немножко знаю как у нас называются деревья, травы, птицы. В грибах разбираюсь. К сожалению, младшее поколение, те, кому сейчас 17-18, дай бог, белый гриб от поганки отличат.

— Конечно, эта пешая жизнь в прежние времена очень сильно влияла на мировоззрение художника.

— Это формировало личности! Посмотрите, совсем недавно — какое обилие великих музыкантов у нас было, артистов сколько больших в кино, вон, фильм недавно пересматривал «Старый Новый год» с, на мой взгляд, весьма слабоватым сценарием и затянутый. Но сколько звезд там занято! Ефремов режиссер, Никитин композитор, играют Евстигнеев, Калягин, Невинный… И с таким составом в принципе не могло в итоге плохо получиться, даже если сценарий слаб. Та же «Ирония судьбы» — почему она получилась? Да потому что это Мягков, Яковлев, Ахеджакова, голос Пугачевой на стихи Пастернака и на музыку Таривердиева! Это физически не могло получиться ниже определенного уровня. Сегодня вы просто не сможете найти столько личностей. У нас два пианиста, один альтист, тройка дирижеров, несколько артистов кино, перетекающие из одного фильма в другой. И из-за этого перетекания, хорошо бы, их уже запрещать. Не потому что артисты плохие, а уже невозможно смотреть на них — это превращается в один и тот же бесконечный фильм. Вот в чем дело. Вот с чем бороться надо. Нужно бороться с безальтернативностью того, что сегодня происходит.

— И, наконец, о самом концерте — Трио Рахманинова блестяще исполнило ваше Трио, с дописанными недавно двумя частями — это «Трепак» и «Чарльстон».

— Эту окончательную редакцию сочинения я специально сделал для Трио им. Рахманинова, я этих музыкантов знаю не первый год, приглашал их с концертом еще во Владивосток: зашел на 10 минут заглянуть как идет выступление, в итоге остался до конца. Потому что пианист Виктор Ямпольский представляет собой сильную, увы, уходящую школу старых мастеров московского породистого пианизма. У него очень благородный звук, благородная эмоция, не гонится за внешними эффектами (иногда, может, даже слишком не гонится), и сам музыкант очень благородный. То же можно сказать и о Мише Цинмане, о Наталии Савиновой. Мне было очень приятно с ними работать.

— Такой спор возник на репетиции — слышите ли вы внутренним слухом ваши произведения быстрее, чем они потом могут быть исполнены?

— Ну не знаю. Как известно, Брамс слышал свои сочинения медленнее, чем их принято исполнять. Шостакович, наоборот, гораздо быстрее. Мне кажется, что у меня с этим более менее нормально, потому что я все-таки дирижер, могу слышать музыку такой, какая она есть. Я к разности в темпах спокойно отношусь. Главное, что я пока есть, и присутствую на концерте, и могу сказать, как я это себе вижу. А вот не уверен, что дирижируя музыкой Чайковского, я исполняю ее так, как хотел бы сам Чайковский. Но, повторяю, к этому надо спокойнее относиться. А сейчас я рад, что меня исполняют и делают это очень здорово!

Определение и значение композитора | Словарь английского языка Коллинза

Примеры «композитор» в предложении

композитор

Эти примеры были выбраны автоматически и могут содержать конфиденциальный контент. Подробнее… Все произведения здесь написаны композиторами-классиками с необычными привычками.

Times, Sunday Times (2017)

Я был бы классическим композитором.

Times, Sunday Times (2016)

15-летний парень вернулся в Польшу, где учился на композитора и пианиста.

Times, Sunday Times (2016)

Существует тенденция интерпретировать его как классического композитора.

Times, Sunday Times (2008)

британских композиторов обычно составляют очень небольшой процент.

Times, Sunday Times (2008)

Ее преданность определенным композиторам и дирижерам сочеталась с антипатией к другим.

Times, Sunday Times (2006)

Он настоял, и он стал очень хорошим композитором и дирижером.

Times, Sunday Times (2015)

У большинства пианистов есть композитор, которого они избегают.

Times, Sunday Times (2014)

Печатная музыка будет приходить в упадок, и композиторам серьезной музыки станет все труднее найти издателя для своих произведений.

Times, Sunday Times (2006)

Он также был классическим композитором, писателем-беллетристом и художником-оформителем.

Times, Sunday Times (2013)

Подробнее …

О футболе написано как минимум две оперы британских композиторов.

Times, Sunday Times (2014)

Сколько выдающихся современных британских композиторов вы можете уместить в одной комнате?

Times, Sunday Times (2012)

Британские композиторы в наши дни не очень далеко продвигаются, если они живут в башне из слоновой кости.

Times, Sunday Times (2011)

Он не пойдет на концерт с музыкой композитора, чьи внуки еще живы.

Times, Sunday Times (2008)

Десятки композиторов написали музыку специально для него, а его записей — легион.

Times, Sunday Times (2008)

В классическом стиле композитор и дирижер предопределили исход.

Христианство сегодня (2000)

Вы можете связать темы и темы метафорами, как композиторы используют музыку в опере.

О’Коннор, Джозеф и Сеймур, Джон Тренинг с N.L.P. (1994)

Блестящий автор песен и композитор, чьи песни по-прежнему неподвластны времени и самобытны.

Times, Sunday Times (2013)

Это было очень весело, все равно что притворяться классическими композиторами, а не просто рок-группой.

Солнце (2010)

Первая симфония композитора была встречена такой жестокой критикой, что он потерял всякую уверенность в своих силах.

Times, Sunday Times (2013)

Теперь композитор планирует написать больше мелодий для своего альбома, который выйдет примерно в декабре.

The Sun (2009)

Это жизнеутверждающая музыка, о которой большинство классических композиторов может только мечтать.

Times, Sunday Times (2008)

Задайте женщине-дирижеру или композитору гендерный вопрос, и вы, вероятно, заслуживаете того, чтобы вас подстрелили.

Times, Sunday Times (2011)

Когда вы думаете о композиторе классической музыки, парни с золотыми зубами и бритой головой, вероятно, не приходят в голову!

The Sun (2009)

Определение и синонимы слова composer в словаре английский языка

COMPOSER — Определение и синонимы слова composer в словаре английский языка

Educalingo Файлы cookie используются для персонализации рекламы и получения статистики веб-трафика.Мы также делимся информацией об использовании сайта с нашими партнерами по социальным сетям, рекламе и аналитике.

Скачать приложение
educationalingo Я пишу аранжировки. Я вроде как подражатель , композитор .

Джошуа Белл

ПРОИЗВОДСТВО КОМПОЗИАТОРА

ГРАММАТИЧЕСКАЯ КАТЕГОРИЯ КОМПОЗИАТОРА

Composer — существительное .Существительное — это тип слова, значение которого определяет реальность. Существительные дают имена всем вещам: людям, предметам, ощущениям, чувствам и т. Д.

ЧТО НА АНГЛИЙСКОМ ОЗНАЧАЕТ КОМПОЗИТОР?

Композитор

Композитор — это человек, который создает музыку, используя нотную запись или устную традицию, для интерпретации и исполнения, или путем прямого манипулирования звуковым материалом как электроакустической музыкой.
Значение слова composer в словаре английский языка

Определение композитора в словаре — это человек, который сочиняет музыку. Другое определение композитора — это человек или машина, которые создают что-либо, особенно тип для печати.

СЛОВА, РИФМУЮЩИЕСЯ СО СЛОВОМ COMPOSER


ˌfəʊtəʊkəmˈpəʊzə

Синонимы и антонимы слова composer в словаре английский языка синонимов

Перевод слова «композитор» на 25 языков

ПЕРЕВОД КОМПОЗИАТОРА

Узнайте, как можно перевести composer на 25 языков с помощью нашего многоязычного переводчика английского языка. переводов composer с английского на другие языки, представленные в этом разделе, были получены посредством автоматического статистического перевода; где основной единицей перевода является слово «композитор» на английском языке.
Переводчик английский —
китайский

1325 миллионов говорящих

Переводчик английский —
испанский наборщик

570 миллионов говорящих

Английский композитор

510 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
хинди संगीतकार

380 миллионов говорящих

Переводчик английский —
арабский مُؤَلِّف مُوسِيقِيّ

280 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
португальский наборщик

270 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
бенгальский সুরকার

260 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
с французского на композитор

220 миллионов говорящих

Переводчик с английского на малайский
Композитор

190 миллионов говорящих

Переводчик английский —
немецкий Компонист

180 миллионов говорящих

Переводчик английский —
японский

130 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
корейского на 작곡가

85 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
яванский Композитор

85 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
вьетнамский nhà soạn nhạc

80 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
тамильский இசையமைப்பாளர்

75 миллионов говорящих

Переводчик с английского языка на
маратхи संगीतकार

75 миллионов говорящих

Переводчик английский —
турецкий besteci

70 миллионов говорящих

Переводчик английский —
итальянский композитор

65 миллионов говорящих

Переводчик английский —
польский композитор

50 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
румынский наборщик

30 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
греческий συνθέτης

15 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
африкаанс компонент

14 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
шведский композитор

10 миллионов говорящих

Переводчик с английского на
норвежский компонист

5 миллионов говорящих

Тенденции использования слова composer

ТЕНДЕНЦИИ ИСПОЛЬЗОВАНИЯ ТЕРМИНА «КОМПОЗИТОР»

Термин «композитор» очень широко используется и занимает 12 место.497 позиция в нашем списке наиболее широко используемых терминов в словаре английского языка.

ЧАСТОТА

Очень широко используется

На показанной выше карте показана частотность использования термина «composer» в разных странах.Тенденции основных поисковых запросов и примеры использования слова composer Список основных поисковых запросов, предпринимаемых пользователями для доступа к нашему онлайн-словарю английского языка, и наиболее часто используемых выражений со словом «композитор».

ЧАСТОТА ИСПОЛЬЗОВАНИЯ ТЕРМИНА «КОМПОЗИТОР» ВО ВРЕМЯ

На графике показано годовое изменение частотности использования слова «composer» за последние 500 лет.Его реализация основана на анализе того, как часто термин «композитор» появляется в оцифрованных печатных источниках на английском языке в период с 1500 года по настоящее время.

Примеры использования в английской литературе, цитаты и новости о композиторе

10 ЦИТАТЫ С «КОМПОЗИТОРОМ»

Известные цитаты и высказывания со словом composer .

В другой жизни я бы хотел быть художником — художником-постановщиком или, может быть, даже композитором .

Я надеюсь, что во время моего краткого путешествия по этой вселенной я смогу разделить с вами радость слышать музыку звезд … зная, что композитор был издалека, и песни были написаны эоны назад , которые теперь мягко падают на это место, чтобы все могли услышать.

Приятно иметь в программе отличную девушку композитора и добавить ей колорит.

Я пишу аранжировки. Я вроде как подражатель , композитор .

Каждый композитор знает тоску и отчаяние, вызванные забыванием идей, которые некогда было записать.

Меня не интересует, чтобы оркестр звучал как он сам. Я хочу, чтобы он звучал как композитор .

Это понимание намерения композитора , которое позволяет продюсеру и аранжировщику говорить о тех моментах.

Если я принадлежу к традиции, то это традиция, которая заставляет шедевр указывать исполнителю, что ему делать, а не исполнитель говорит пьесе, какой она должна быть, или композитор , что он должен сочинить.

Я интерпретатор музыки, а не ее композитор .

Старая идея, что композитор внезапно придумал потрясающую идею и просидел всю ночь, чтобы писать ее, — это ерунда.Ночь для сна.

10 АНГЛИЙСКИХ КНИГ ПО

«КОМПОЗИТОР»

Поиск случаев использования слова composer в следующих библиографических источниках. Книги, относящиеся к композитору и краткие выдержки из них, чтобы показать контекст его использования в английской литературе.

1

Профессиональный аранжировщик Composer

Создан для музыканта, желающего стать профессиональным аранжировщиком-композитором.Включает раздел гармонии и вокала танцевального коллектива.

2

Изучение Quartz Composer : Практическое руководство по созданию …

Coverage включает в себя мощный интерфейс Mastering Quartz Composer. Захват видео в реальном времени с музыки или камер для уникального взаимодействия и импровизации. Вывод видеофайлов для чего угодно, от экранов смартфонов до редактирования видео высокой четкости.

Грэм Робинсон, Сурья Бухвальд, 2012

По мере продвижения книги Сати появляется не просто как композитор популярных гимнопедий и парада.

4

Продюсер как Композитор : Формирование звуков популярной музыки

Эволюция звукозаписывающего продюсера от организатора до автора, от Фила Спектора и Джорджа Мартина до появления хип-хопа и ремиксов.

5

Редактирование с помощью Avid Media Composer 5: официальная учебная программа Avid

Полезные советы. Если вы можете искать в книге, ищите «Где файлы уроков?» Перейдите к самой последней странице книги и прокрутите назад.

Avid Technology, Inc., 2010

Джордж Перл приглашает нас в мастерскую композитора, поскольку он переоценивает то, что мы называем «музыкой двадцатого века», термин, используемый для обозначения новой, современной или современной музыки, которая представляет собой радикальный отход от тональной традиции или «обычное …

7

Avid Media Composer 6.x Поваренная книга

Если вы новичок в редактировании с помощью Avid, эта книга поможет вам с самого начала максимально эффективно использовать Avid Media Composer.

Бенджамин Хершледер, 2012

8

Питер Скулторп: создание австралийского композитора

Рассказывает увлекательную историю восхождения композитора к известности. Также социальная история, показывающая рост модернизма в австралийской музыке глазами ее ключевого деятеля.

Профессор музыки обсуждает природу музыкального выражения и роль композитора

10

Стравинский, Композитор и его произведения

Во втором издании окончательного отчета о жизни и творчестве Игоря Стравинского, разделенном на два отдельных раздела, Эрик Уолтер Уайт переработал всю книгу, завершив биографический раздел, рассказав о смерти Стравинского в…

10 НОВОСТЕЙ, КОТОРЫЕ ВКЛЮЧАЮТ ТЕРМИН «КОМПОЗИТОР»

Узнайте, о чем говорит национальная и международная пресса и как термин composer используется в контексте следующих новостей.

Популярный композитор MS Вишванатан очень болен

Известный южный композитор М.С. Вишванатан, на счету которого более 750 фильмов, борется за жизнь в частной больнице.MSV, поскольку он … «Times of India, 15 июля»

Композитор Дэнни Эльфман в центре внимания «Музыка из фильмов»…

Дэнни Эльфман на связи, выступает накануне серии концертов в Линкольн-центре в Нью-Йорке, посвященных его фильмам, сделанным для … «Sydney Morning Herald, 15 июля»

Музыка Композитор Состояние здоровья М.С. Вишванатана ухудшается

Состояние здоровья легендарной музыки композитор MS Viswanathan aka MSV, который сейчас проходит лечение в частной больнице в г… «International Business Times, India Edition, 15 июля»

Дебби Уайзман назначила Classic FM новый композитор Composer в…

.

Лучшая в Великобритании женщина-композитор для кино и телевидения напишет 12 частей … Debbie Wiseman MBE — победитель конкурса Composer in Residence. «Классик FM, 15 июля»

Composer умоляет коллег «разорвать связи с БП» в письме

Теперь, в письме, опубликованном в The Guardian, композитор умоляет своих коллег отказаться от любого финансирования, которое позволит BP поддерживать социальную жизнь… «Классикалит, 15 июля»

Разговор с композитором Йозеф ван Виссем

Недавно мне довелось пообщаться с композитором Йозефом ван Виссем. Я открыл для себя его работы после того, как Sacred Bones прислал мне его музыку к фильму Partir … «Huffington Post, 15 июля»

Неделя акулы: Композитор Дж. Ральф надеется, что музыка может помочь изменить…

Дж.Ральф — номинированный на премию Оскар композитор , наиболее известный за создание песен и музыки для многих документальных фильмов последнего десятилетия, … «89.3 KPCC, 15 июля»

Мельбурнский симфонический оркестр отмечает партнерство Альфреда…

И все же, возможно, он никогда не существовал бы без композитора Бернарда Херрманна. … Центр снова повернул прожектор в сторону композитора в истории кино.«Сидней Морнинг Геральд, 15 июля»

Composer — лучший в конкурсе YouTube

… с Lakeside North Harbour дал мне фантастический опыт и отличное понимание того, что такое работа внештатным композитором . «Портсмутские новости, 15 июля»

Композитор говорит, что тематическая песня Симпсонов «самая легкая вещь, которую я когда-либо видел…

Composer Дэнни Эльфман сказал, что тема «Симпсоны» была «самой простой вещью, которую я когда-либо делал», добавив, что сочинение печально известной музыкальной темы… «Интерробанг, 15 июля»


ССЫЛКА

«EDUCALINGO. Composer [онлайн]. Доступно на . Ноя 2021 ».

Композитор — Энциклопедия Нового Света


Композитор — человек, который пишет музыку. Этот термин стал относиться, в частности, к тем, кто пишет музыку в той или иной форме нотной записи, что позволяет другим исполнять музыку.Это отличает композитора от музыканта, который импровизирует или играет на музыкальном инструменте.

Можно сказать, что сочинение — это деятельность, которая позволяет людям стать сотворцом с Богом, а также иметь «власть над творением» в библейском смысле (Бытие 1:28). Упорядочение музыкальных компонентов, таких как высота звука, ритм, структура и оркестровка в художественной манере, является проявлением парадигмы со-творца.

Намерение и мотивация композитора также имеют первостепенное значение при оценке искупительной ценности произведения.Эта идея обсуждалась на протяжении долгой истории музыки. Аксиологический аспект сочинительства и музыки говорит о моральной и этической силе музыки и искусства и о важности творческих личностей в использовании своих талантов принципиальным образом. Эти аксиологические и духовные аспекты музыки были сформулированы известными философами и художниками на протяжении веков, включая Конфуция, Платона, Аристотеля, Боэция, Святого Августина, Мартина Лютера, Иоганна Себастьяна Баха, Иоганна Брамса и Пола Хиндемита, и это лишь некоторые из них.

Особенности срока

Уровень различий между композиторами и другими музыкантами также варьируется, что влияет на такие вопросы, как авторское право и уважение к индивидуальным интерпретациям определенного музыкального произведения. Например, в развитии классической музыки в Европе функция сочинения музыки изначально имела не большее значение, чем функция исполнения музыки. Сохранению отдельных композиций уделялось мало внимания, и музыканты, как правило, не стеснялись изменять композиции для исполнения.Однако со временем письменные записи композитора стали рассматриваться как строгие инструкции, от которых исполнители не должны отклоняться без уважительной причины.

Однако исполнители действительно играют музыку и интерпретируют ее по-своему. Исполнители / композиторы, такие как Бах, Моцарт, Бетховен, Шуман, Шопен, Лист, Рахманинов, могут интерпретировать свои собственные произведения иначе, чем они фактически обозначили в печатной партитуре. Записи композиторов / исполнителей ХХ века демонстрируют это.

В последнее время стали доступны компьютерные программы для составления партитур, позволяющие композиторам лично гравировать музыку.

Термин «композитор» часто используется специально для обозначения композитора в западной традиции классической музыки. В популярной и народной музыке композитора обычно называют автором песен (поскольку музыка обычно принимает форму песни). Тем не менее, оба вида деятельности являются формой сочинения в самом фундаментальном смысле.

Ранняя историческая застройка

Историк Арнольд Тойнби утверждал, что христианская церковь в Европе была «куколкой, из которой возникла западная музыка.«Греческая философия (пришедшая в раннюю христианскую церковь через Рим) писала, что музыка была средством связи с силами природы и обладала способностью влиять на человеческие мысли и поведение, была ассимилирована в раннехристианской культуре и была повторена в писаниях. нескольких христианских философов, в первую очередь Боэция (около 480-524 гг. н. э.) и св. Августина (354-430 гг. н. э.). Трактат Боэция De Institutione musica был авторитетным источником понимания писателями средневековья в отношении гармонизация физического мира (musica mundana), ума и тела (musica humana) и звуков / музыки (musica Instrumentalis).

Развитие музыки и ее интеграция в литургическую практику в средние века породили новые взгляды на музыку, в частности, на ее цель и функцию; прежде всего идея о том, что музыка должна быть «слугой» религии. Для церковных старцев средневековья музыка считалась хорошей только тогда, когда она «открывает разум христианским учениям и настраивает душу на святые мысли». Церковь в средние века была очень озабочена «развращающими» элементами музыки, и в результате определенные фракции в церковной иерархии, которые считали искусство в целом и музыку в частности, враждебными по отношению к религии.Тем не менее вокальная музыка стала важным аспектом поклонения и хвалы.

Традиция сочинения и нотной записи на Западе восходит к средневековью и развитию григорианского песнопения и равнинной песни. В эпоху Возрождения и Барокко музыкальной истории, нотной записи и систематизации музыкальных элементов, в первую очередь отношений высоты тона (интервалы), гармонического изобретения (аккорды) и структуры (формы), развивались во многом так же, как и естественные языки. Это в конечном итоге привело к тому, что тональность стала «обычной практикой» музыкальной композиции на Западе почти на триста лет.

Композиторы ранней церкви, которые были важными фигурами в развитии сочиненной / нотной музыки, включают Перотина (около 1200 г.), Леонина (1150–1201 гг.) И Гийома де Машо (около 1300–1377 гг.). Примечательный Композиторы эпохи Возрождения включают Гиллиам Дюфай (1397-1474), Джованни Габриэли (1510-1586), Орландо де Лассус (1532-1594), Жоскен де Пре (1440-1521), Якоб Обрехт (1450-1505), Йоханнесс Окегам (ок. 1410-1497) и Джовани Палестрина (1525-1594).

Общая практика

Музыка, составленная в соответствии с так называемой «общей практикой» (или тональностью), охватывает период примерно с 1650 по 1900 год.

Тональность как музыкальный синтаксис произошла от монофонической музыки раннехристианской церкви, хотя этот тип тональной ориентации также можно найти в различной степени в народной музыке Азии и Ближнего Востока. Шкалы (или интервальное деление октавы), которые использовали эти культуры, которые были основаны на различных интервальных структурах, чем шкалы, которые развивались в Европе, стали генезисом определенных модальностей этих регионов и культур.

Когда европейские композиторы в Средние века и в эпоху Возрождения начали писать музыку с большей линейной сложностью (полифонией), естественным побочным продуктом этого процесса было вертикальное выравнивание тонов с очень определенной гармонической структурой.Развитие гармонического синтаксиса в пятнадцатом и шестнадцатом веках, наряду с экспериментами по настройке и модификации интервалов (темперамент), привело к развитию очень специфических гармонических теорий, которые, в свою очередь, привели к кодифицированной системе мажор / минор и диез / бемоль. ключевые центры. Диатонические мажорные и минорные гаммы, основанные на определенной последовательности мажорных и минорных интервалов, наряду с использованием трезвучий (три высоты звука звучат одновременно) стали фундаментальными свойствами тональности, которая, в свою очередь, обеспечила слуховую основу или «домашний» ключ. и стал известен как тонизирующее средство.

Французский композитор, теоретик и органист Жан-Филипп Рамо (1683-1764) опубликовал в 1722 году свою Traité de l’harmonie , и этот теоретический дискурс остается одним из самых важных документов по теме тональности. В отличие от теоретиков до него, Рамо смотрел на науку, особенно на ряды обертонов, как на способ объяснить природу музыкальных явлений по отношению к теоретическим свойствам ональной композиции. Под влиянием теорий Декарта и Совера Рамо утверждал, что существует фундаментальная взаимосвязь между гармоническими принципами в тональной музыке и физикой звука (акустикой).Его теории на протяжении веков влияли на музыкальную мысль, и он стал известен как «Ньютон музыки».

Он утверждал, что аккорды (трезвучия) являются основными элементами музыки, а не мелодией или темами. Его идеи относительно функциональной гармонии, в частности каденциальные отношения между тоническими, субдоминантными и доминантными аккордами в определенном ключевом центре, стали основополагающими принципами того, что стало известно как «общая практика» в музыкальной композиции в западной музыке для трех человек. сотня лет.Каденциальные отношения между тоническими и доминантными трезвучиями (а также вторичными доминантами) являются элементарными для тонального синтаксиса.

Теории Рамо не могли быть постулированы, если бы применялась практика изменения высоты звука (см. Музыкальный темперамент), поскольку до сих пор композиторы избегали третей. Эволюция музыки в сторону использования терцианской гармонии была важным фактором в установлении тональности.

К концу девятнадцатого века композиторы искали новые способы расширения традиционного гармонического языка.Набеги Рихарда Вагнера на хроматизм открыли путь, по которому в конечном итоге пошли Клод Дебюсси и другие, кто искал творческого вдохновения в нетрадиционных синтаксисах.

Изменения в оркестровке

По мере развития индустриализации и технологий в Европе музыкальные инструменты также использовались таким образом, что позволяли композиторам проявлять большую выразительность в своих композициях. В результате композиторы должны были выяснить возможности и ограничения инструментов при разработке своего личного стиля оркестровки.

Оркестровая музыка, написанная Людвигом ван Бетховеном в 1800 году, имела довольно ограниченную оркестровую палитру по сравнению с оркестровой палитрой Рихарда Вагнера, Рихарда Штрауса или Густава Малера во второй половине XIX века. Если в одной из своих симфоний Бетховен обычно играл для четырех медных исполнителей (пары валторн и труб), то Малер или Вагнер нередко использовали восемнадцать или более медных исполнителей (восемь рожков, четыре трубы, четыре гитары). тромбоны, две тубы, эуфониумы и четыре тубы Вагнера, как часто делал Антон Брукнер.)

Джордж Антейл, Лучано Берио, Эдгард Варезе и Карлхайнц Штокхаузен использовали для воспроизведения звука не обычные инструменты (сирены, рессоры шин, вертолет, например).

Развитие фортепьяно также оказало глубокое влияние на композиторов, поскольку инструмент стал более мощным и тонким в звучании. Композиторы двадцатого века использовали новые и уникальные способы создания звуков (например, пиццакато Бартока, подготовленное Джоном Кейджем фортепиано) и продолжали исследовать новые способы создания звука.

Авангард и модернизм

Американский композитор Чарльз Айвз (1874–1954) был одним из первых композиторов, использовавших политональность (музыка игралась одновременно в нескольких ключевых центрах). С развитием науки и техники композиторы в эпоху после Второй мировой войны часто основывали свои композиции на шаблонных и последовательных техниках, таких как (техника двенадцати тонов). Композиционная эстетика композиторов Второй венской школы, в первую очередь Арнольда Шенберга, Антона Веберна и Альбана Берга, должна была оказать глубокое влияние на композиторов на протяжении всего двадцатого века, как предсказал Шенберг в 1948 году, что «освобождение от диссонанса», которое было отличительной чертой Вторая венская школа в конечном итоге стала бы общепринятой, но так и не материализовалась.

Еще одним аспектом композиции после Второй мировой войны было использование электронных средств массовой информации. С развитием магнитной ленты, синтезатора Moog и технологии MIDI это стало обычным явлением. Марио Давидовски (род. 1934) был пионером в этой области и получил Пулитцеровскую премию в области музыки в 1971 году за одну из своих электронных композиций. Пьер Булез (род. 1925), возможно, ведущий представитель модернизма в период после Второй мировой войны, был на переднем крае исследований электронной музыки в качестве директора Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM) в Париже и продолжает отстаивать дело новой музыки.

Композиторы: настоящее и будущее

В тональном искусстве различные реальности привели к тому, что музыковед из Чикагского университета Леонард Б. Мейер называет «колеблющимся стазисом», в котором множество музыкальных стилей будет сосуществовать во все более разнообразном мире в результате технологических достижений и растущей глобализации. . В 1967 году Мейерс сделал это дальновидное наблюдение относительно будущего композиторов и их музыки:

«Наша культура — космополитическая мировая культура — есть и будет разнообразной и плюралистической.Множество стилей, техник и движений, от осторожно консервативных до безудержно экспериментальный, будут существовать бок о бок: тональность и сериализм, импровизированная и алеаторическая музыка, а также джаз с его многочисленными идиомами и популярная музыка … Через заимствование перефразировок, симуляцию стиля и моделирование прошлое и настоящее будут изменять один другой, соберитесь не только внутри культуры, но в рамках творчества одного художника и в рамках одного произведения искусства ».

Разнообразие и плюрализм в музыкальной композиции приводит к тому, что в области «классической» или «серьезной» художественной музыки не остается «триумфального» стиля, как это было на протяжении сотен лет.Тональность продолжает оставаться жизнеспособным синтаксисом для самовыражения композиторов, но существует множество синтаксисов и музыкальных «диалектов», которые в большей или меньшей степени влияют на композиторов.

Список литературы

  • Раут, Дэниэл Дж. История западной музыки . Нью-Йорк: W.W. Norton & Company, 1960.
  • .
  • Ли, Сан Хун. Объяснение мысли Объединения . Нью-Йорк: Институт объединительной мысли, 1981. ISBN 0-9606480-0-3
  • Мейер, Леонард Б. Музыка, искусство и идеи — модели и предсказания в культуре двадцатого века . Чикаго и Лондон, Чикагский университет Press, 1967/1994. ISBN 0-226-52143-5
  • Тарсукин Ричард. Музыка в западном мире — История в документах . Бельмонт, Калифорния: Wadsworth Group, 1984.

История музыки · Музыковедение · Этномузыкология · Музыкальное познание · Музыкальная терапия

9 0662
Музыка
История
Композиция

Музыкальная нотация4 · Музыкальная импровизация

Производство Музыкальный жанр · Альбом · Песня · Сюита · Тексты · Лейбл · Продюсер · Музыкант · Композитор · Музыкальная форма · Сборник
Списки

Основные темы · Темы · Терминология · Музыкальные формы

Разное Определение музыки · Теория музыки · Музыкальный инструмент · Музыка и политика · Музыка и политика промышленность
Категория · Портал · Проект

кредитов

Энциклопедия Нового Света писателей и редакторов переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia .Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников Энциклопедии Нового Света, участников, так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа. Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в энциклопедию Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

Что такое композитор? | TaurusBeats

Вот полезное определение и описание того, что на самом деле представляет собой Композитор.

Композитор — человек, который пишет музыку. Этот термин относится, в частности, к тому, кто пишет музыку в той или иной форме нотной записи, что позволяет другим исполнять музыку. Это отличает композитора от музыканта, который импровизирует. Однако человека можно назвать композитором, не создавая музыку в документальной форме, поскольку не все музыкальные жанры опираются на письменную нотацию.В этом контексте композитор является создателем музыки и обычно ее первым исполнителем. Позднее исполнители затем повторяют услышанную музыкальную композицию. (Из Википедии)

Ключевые точки:

человек, который пишет музыку , замечает, что «писать» музыку с помощью ручки и бумаги не всегда необходимо, как указано далее в абзаце.

, в частности, для тех, кто пишет музыку в каком-либо типе нотной записи Â — , это указывает на то, что в старые времена композиторы «писали» музыку в той или иной форме общепринятых или узнаваемых нот (используя ручку и бумагу, тоже)

обратите внимание, что написание музыки позволяет «другим исполнять музыку» это ключ к различению композитора от музыканта; тем не менее, музыканты тоже могут быть композиторами, если они есть…

создатель музыки и обычно ее первый исполнитель ааааа … автор … это ключевой момент, особенно в наши дни и время, когда так много музыки «сочиняется» с использованием компьютерного оборудования и программного обеспечения; не удивляйтесь, узнав, что многие композиторы вообще не знают нотной грамоты !!

Чем музыкальный композитор отличается от музыкального продюсера

?

Они очень разные во многом.Однако часто встречаются композиторы, которые также являются продюсерами, и наоборот. Но роли очень разные. В то время как композитор сосредотачивается конкретно на создании музыкального произведения, продюсер имеет гораздо более широкий фокус, связанный с созданием и направлением законченного музыкального продукта, такого как, например, альбом / компакт-диск.

Чем музыкальный композитор отличается от создателя битов?

Хотя между музыкальным композитором и создателем битов есть различия, имейте в виду, что РОЛЬ музыкального композитора и РОЛЬ создателя битов практически одинаковы.И композитор, и битмейкер сосредоточены именно на создании музыкального произведения.

композитор — определение и значение

  • Например, для почтового клиента, у которого есть одно главное окно, показывающее почту и папки, и которое также может иметь одно или несколько окон для составления писем, имя окна папок должно быть, например, «mainwindow» и для composer windows «composer #».

    KDE TechBase — Последние изменения [en]

  • Итак, хотя в театре работает почти столько же композиторов и звукорежиссеров , сколько авторов песен, для большинства режиссеров, актеров и продюсеров термин композитор означает человека, который пишет мюзиклы.

    NewMusicBox

  • Возможно, я мало что знаю, но я думаю, что немного знаю о композиционной практике — обучение на композитора — это много исследований, как старые мастера добрались от пункта А до пункта Б или даже как они дошли до него. Во-первых — и я могу сказать, что любая попытка обобщить способ возникновения великих произведений — глупая затея.

    Свечи зажигания и коробки передач

  • На балконе наверху сидят пять разноплановых музыкантов, которые время от времени вносят приподнятый настроение в игре композитора Умной псевдо-елизаветинской партитуры Найджела Хесса.

    Родни Пант: Веселые жены Виндзора — Шекспировский театр «Глобус» на широкой сцене Санта-Моники

  • На балконе наверху сидят пять разноплановых музыкантов, которые время от времени вносят приподнятый настроение в игре композитора Умной псевдо-елизаветинской партитуры Найджела Хесса.

    Родни Пант: Веселые жены Виндзора — Шекспировский театр «Глобус» на широкой сцене Санта-Моники

  • Любой, кто когда-либо видел фильмы «Другой мир», может узнать звук, который есть у определенного композитора .

    Образец партитуры отвергнутой рок-музыки для «Человека-волка» | / Фильм

  • Этот певец, автор песен и композитор , вероятно, наиболее известен своим участием в телесериале «Семья Партридж» со своей мачехой Ширли Джонс.

    12 апреля родились пятеро человек | myFiveBest

  • На балконе наверху сидят пять разноплановых музыкантов, которые время от времени вносят приподнятый настроение в игре композитора Умной псевдо-елизаветинской партитуры Найджела Хесса.

    Родни Пант: Веселые жены Виндзора — Шекспировский театр «Глобус» на широкой сцене Санта-Моники

  • На этот раз легендарный композитор ищет «алмаз в необработанном виде», чтобы сыграть Нэнси в его возрождении «Оливера» в Вест-Энде !, основанном на классике Диккенса «Оливер Твист».

    Сегодняшний список телеканалов: среда, 27 октября 2010 г.

  • Страшные новости из симфонического зала: композитор мертв!

    Композитор мертв (книга и компакт-диск) Лемони Сникет: Краткое содержание книги

  • Что это за слово? Используйте Word Type, чтобы узнать!

    К сожалению, с текущей базой данных, в которой работает этот сайт, у меня нет данных о том, какие значения ~ term ~ используются чаще всего.У меня есть идеи, как это исправить, но мне нужно найти источник «чувственных» частот. Надеюсь, приведенной выше информации достаточно, чтобы помочь вам понять часть речи ~ term ~ и угадать его наиболее распространенное использование.

    Тип слова

    Для тех, кто интересуется небольшой информацией об этом сайте: это побочный проект, который я разработал во время работы над описанием слов и связанных слов. Оба этих проекта основаны на словах, но преследуют гораздо более грандиозные цели.У меня была идея для веб-сайта, который просто объясняет типы слов в словах, которые вы ищете — точно так же, как словарь, но сосредоточенный на части речи слов. И так как у меня уже была большая часть инфраструктуры с двух других сайтов, я подумал, что для ее запуска и работы не потребуется много работы.

    Словарь основан на замечательном проекте Wiktionary от Викимедиа. Сначала я начал с WordNet, но затем понял, что в нем отсутствуют многие типы слов / лемм (определители, местоимения, сокращения и многое другое).Это побудило меня исследовать словарь Вебстера издания 1913 года, который сейчас находится в открытом доступе. Однако после целого дня работы над его переносом в базу данных я понял, что было слишком много ошибок (особенно с тегами части речи), чтобы это было жизнеспособным для Word Type.

    Наконец, я вернулся к Викисловарь, о котором я уже знал, но избегал, потому что он неправильно структурирован для синтаксического анализа. Именно тогда я наткнулся на проект UBY — удивительный проект, который требует большего признания.Исследователи проанализировали весь Викисловарь и другие источники и собрали все в один унифицированный ресурс. Я просто извлек записи из Викисловаря и закинул их в этот интерфейс! Так что работы потребовалось немного больше, чем ожидалось, но я рад, что продолжил работать после пары первых промахов.

    Особая благодарность разработчикам открытого исходного кода, который использовался в этом проекте: проекту UBY (упомянутому выше), @mongodb и express.js.

    В настоящее время это основано на версии викисловаря, которой несколько лет.Я планирую в ближайшее время обновить его до более новой версии, и это обновление должно внести множество новых смысловых значений для многих слов (или, точнее, леммы).

    Композитор

    Композитор — это тот человек, который «создает музыкальные композиции». [1] Он — тот, кто умеет писать музыкальные композиции в соответствии с художественными нормами, где он в основном организует серию звуков на основе параметров теории. Есть драматический композитор, который сочиняет оперы, и симфонический композитор, который сочиняет симфоническую музыку. [2]

    Композитор — это тот, кто изобретает музыку, творчески обрабатывая звуки, чтобы иметь возможность создавать свою собственную музыку, он тот, кто имеет способность говорить через звуки. Можно сказать, что речь — это эквивалент музыкальной импровизации, а письмо — эквивалент сочинения. Композитор — это тот, кто создает музыку. Создайте музыкальный продукт, который затем можно будет исполнять в разных случаях и другими людьми и который можно закрепить на подставке, например, записать. [3]

    Это потому, что музыка — эфемерная форма искусства, которую нужно как-то исправить. [4]

    Вот почему композитор, хотя обычно он использует импровизацию, большую часть времени оставляет письменные записи своих сочинений.

    Художник или ремесленник

    Композитор не только художник, но и ремесленник и изобретатель. Хотя история музыки показывает нам некоторых гениев, идея о том, что композиторов тронула волшебная палочка вдохновения, является мифом.

    Композитор, сырьем которого являются звуки и который решает, какие инструменты использовать, должен сначала изучить методы композиции, а затем усердно работать над своим ремеслом, практиковаться, делать ошибки и стирать, пробовать новый опыт и, таким образом, учиться методом проб и ошибок. из собственного опыта. Импровизация и слушание важны, композитор слушает то, что он создает, а затем решает продолжить или изменить это. [5]

    Общепринято мнение, что звуки соответствуют идеям и что композитор выражает свои идеи об искусстве, музыке или жизни через свой стиль и свои композиции.Музыкальные идеи меняются в зависимости от момента, в котором живет композитор. Попытки обозначить композиторов по стилю или историческому периоду связаны с желанием зрителя сгруппировать элементы, которые они считают похожими.

    Если говорить о композиторе-классике или композиторе современности, композиторе эпохи барокко или композиторе эпохи Возрождения, то мы полагаем, что все остальные будут интерпретировать это таким же образом. Чем дальше во времени жил изучаемый композитор, тем легче на него навешивать ярлыки, потому что слушатель или тот, кто его изучает, мало знает о том времени, и легче рассматривать многие годы в одном блоке.А когда композитор приближается к нашему историческому периоду, мы можем лучше узнать его и заметить тонкие различия, а знание этих деталей помогает не смешивать все. [6]

    Рассказ

    О композиторах раннего возраста известно очень мало. Среди немногих, о которых мы знаем, — Месомед Критский, греческий композитор начала второго века. Первые попытки зафиксировать высоту звуков относятся к IX веку. Первоначально музыка сохранялась по устной традиции и не писалась.С девятого века мы имеем ссылки на известность Зирьяба, чьи музыкальные новшества также оказали сильное влияние на Испанию.

    Хотя музыкальные композиторы были всегда, у нас нет записей об их именах до средневековья, когда в XI веке появились трубадуры, музыканты и поэты, то есть они писали тексты и сочиняли музыку. Менестрелей называли теми, кто сопровождал трубадуров с помощью музыкальных инструментов.

    Одним из первых известных нам трубадуров в Европе является Вильгельм Пуатье, герцог Аквитанский, который жил между 1089 и 1127 годами.Трубадуров северной Франции называли трубадурами и немцами Minnesänger , что означает певцы любви. В Германии были певцы-мастера. Среди наиболее известных — Ханс Закс и Энрике фон Мейсен.

    Между 12 и 13 веками появились Магистр Альберто, Леонино или Роберто де Сабилон, все они составили Ars antiqua. С Перотино стал использоваться примитивный мотет. С тринадцатого века возникает Ars nova. Наиболее известными ее представителями были Гильермо де Машо, Джованни да Фиренце (фл.1340–1350), который также появляется как Джованни да Каша, Йованнес де Каша, Иоганнес де Флоренция или маэстро Джованни да Фиренце Якопо да Болонья и Франческо Ландино.

    Из-за гуманизма и растущего значения личности, композиторы стали более важными в эпоху Возрождения. У нас есть записи о славе Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, самого известного композитора итальянской религиозной полифонии того времени. Также были известны Орацио Векки, композитор мадригальной комедии Amfiparnasso , органист Клаудио Меруло, Джованни Габриэли и Андреа Габриэли, композиторы базилики Сан-Марко в Венеции.

    В Испании помнят Кристобаля де Моралеса, Франсиско Герреро и Томаса Луиса де Виктории. В Англии в 16 веке — Уильям Берд, Орландо Гиббонс, Джон Булл и Томас Морли. В Нидерландах Орландо ди Лассо, Жоскен де Пре, Адриан Уилларт и Филипп де Монте. [7]

    С 1500 года композиторы стали известными, и их имена без проблем сохранились в истории, композиции не считаются группой, а являются продуктом гения отдельного человека.

    Избранные композиторы

    На протяжении всей истории музыки были некоторые известные композиторы, которые завещали нам обширные музыкальные произведения высокого качества, вот список некоторых из них.

    См. Также

    Ссылки

    1. ↑ «Compositor» в словаре испанского языка РАЭ.
    2. ↑ Технический словарь музыки Фелипе Педрелла, стр. 106, Барселона, Исидро Торрел Ориол 1897, редакция Maxtor, 2009, ISBN 84-9761-637-5
    3. ↑ Творчество в музыкальном классе: сочинение и игра, Андреа Хиральдес Хейс и другие, редакционная лаборатория Educativo, Барселона, 2007, ISBN 978-84-7827-492-5
    4. ↑ Музыка для всех, Питер Уиллс и Мелани Пит, выпуски Akal, Мадрид, 2000, ISBN 84-460-0999-4
    5. ↑ Приложение «Компонент Джона» Ховард, Мадрид, 2000, Акал, ISBN 84-460-1361-4
    6. ↑ Классическая музыка Филиппа Дж.

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *